Roberto Cavalli przywraca na lato sukienki cheongsam. 3 modele, które musisz mieć w szafie
Ten trend wygląda jak znalezisko z najlepszych archiwów mody, ale kupisz go teraz w popularnych sieciówkach. Sukienki cheongsam, inspirowane kultowym pokazem Roberto Cavalliego z 2003 roku i chińską kulturą, wracają latem 2026 w wersji mini, dopasowanej i bardzo efektownej. To jeden z tych fasonów, który nie potrzebuje wielu dodatków, bo całą stylizację robi sam.
Lato 2026 to powrót odważnych kolorów, wzorów i fasonów. Świat mody balansuje między bezpiecznymi beżami, a kreatywnymi, barwnymi outfitami. Nie jesteśmy więc zdziwione, że it-girls z największych stolic mody poszukują vintage modeli sukienek z pokazu Roberta Cavalliego. Chodzi o konkretny typ. Sukienki cheongsam - hit z pokazu Roberto Cavalliego Mowa o sukienkach typu cheongsam, nawiązujących do tradycyjnych strojów chińskich. Najczęściej są szyte z jedwabiu, dość ciasno opinają ciało nie podkreślając przy tym jednak krągłości figury. Pod szyją posiadają charakterystyczną stójkę z ozdobnym zapięciem. Roberto Cavalli zaprezentował ich nowoczesną odsłonę w formacie mini w sezonie wiosna/lato 2003, a dziś sprzedają się na rynku wtórnym jak świeże bułeczki. Sukienki cheongsam na lato 2026 z sieciówek Spokojnie, nie musisz polować tygodniami na stronach z modą vintage, by wpisać się w ten gorący trend. Wiele sieciówek wyczuło pismo nosem i w letnich kolekcjach ma kreacje w stylu cheongsam. Poniżej prezentujemy ci 3 modele, na które od razu zwróciłyśmy uwagę. Czarna sukienka cheongsam z House House stawia na czarną sukienkę cheongsam w bardzo wieczorowej, ale nadal minimalistycznej wersji. Model ma dopasowany fason mini, krótkie rękawy i charakterystyczną stójkę, która od razu nadaje mu bardziej wyrazistego charakteru. Asymetryczne zapięcie przy dekolcie oraz małe guziki sprawiają, że sukienka wygląda ciekawiej niż klasyczna mała czarna. Dodatkowym detalem jest subtelne rozcięcie z boku, które dodaje całości lekkości i dobrze wpisuje się w letnie trendy 2026. To model idealny na randkę, imprezę, wieczorne wyjście albo wakacyjną kolację, zwłaszcza w duecie z sandałkami na obcasie i złotą biżuterią. Cena: 129,99 zł. Biała sukienka cheongsam z Zary Zara proponuje białą sukienkę cheongsam w czystej, nowoczesnej odsłonie. Model ma dopasowany krój mini, krótkie rękawy oraz zabudowany dekolt ze stójką, dzięki czemu wygląda elegancko, ale nie ciężko. Najważniejszym detalem są ozdobne zapięcia przy ramieniu, które przełamują prostą formę i nadają sukience charakteru. Biały kolor sprawia, że całość prezentuje się świeżo, wakacyjnie i bardzo efektownie na opalonej skórze. To świetny wybór na letnią kolację, imprezę w plenerze, urlopowy wieczór albo stylizację w duchu quiet luxury z małą torebką i prostymi klapkami na obcasie. Cena: 159 zł. Czerwona sukienka cheongsam z Reserved Reserved dobrze wie, że czerwień latem potrafi zrobić całą stylizację. Ta sukienka cheongsam ma prosty, lekko dopasowany fason mini, krótki rękawek i stójkę, która dodaje jej eleganckiego charakteru. Uwagę przyciągają dekoracyjne wiązania przy dekolcie, inspirowane klasycznym zapięciem w tym stylu. Materiał ma subtelny, tłoczony kwiatowy wzór, przez co sukienka nie wygląda płasko, mimo że bazuje na jednym kolorze. To propozycja na wakacyjne wyjście, randkę, imprezę ze znajomymi albo wieczór w mieście, gdy chcemy wyglądać kobieco, ale bez przesadnych dodatków. Cena: 149,99 zł.
Najczęściej wyszukiwana w internecie sukienka, znów go rozpaliła! Najpierw J. Lo, teraz po 20 latach założyła ją Amber Valetta
Chyba nie ma sukienki, która budziłaby większe emocje. Zielona sukienka Versace najpierw zrobiła furorę za sprawą Jennifer Lopez, która założyła ją na wybiegu włoskiego domu mody 20 lat po tym, gdy ubrała się w nią na Grammy. Teraz podobny numer wykręciła Amber Valetta. To właśnie ona jako pierwsza założyła „najczęściej wyszukiwaną sukienkę w internecie”.
Mało który element garderoby może pochwalić się tym, że… wpłynął na to, jak korzystamy z internetu. A jednak! Zielonej sukience Versace – konkretnie modelowi Jungle – się to udało. Nie obyłoby się jednak bez pomocy Jennifer Lopez, która zwiewny model w tropikalny wzór, z ekstremalnie głębokim dekoltem, założyła na galę rozdania nagród Grammy w 2000 roku. Do tego jeszcze wrócimy, ale warto podkreślić, że prawdziwy renesans sukienka przeżyła prawie dwie dekady później, kiedy J. Lo założyła ją ponownie – tym razem nie na czerwony dywan, ale na wybieg podczas pokazu Versace na wiosnę i lato 2020 rok, który w październiku 1999 roku odbył się podczas Tygodnia Mody w Mediolanie. Efekt? Owacje na stojąco, tysiące memów i potwierdzenie, że niektóre rzeczy (i kobiety) naprawdę się nie starzeją. Amber Valletta, która pokazała się w tej samej kreacji 3 listopada 2025 roku, 26 lat po tym, gdy miała ją na sobie po raz pierwszy, jest zresztą kolejnym (i najlepszym!) tego dowodem. Zielona sukienka Versace – historia, która zaczęła się od skandalu Ale zacznijmy od początku. Rok 2000, gala Grammy Awards, Jennifer Lopez na szczycie kariery i – jak sama potem wspominała – bez większego pomysłu na to, co założyć. Donatella Versace zaproponowała jej zieloną, półprzezroczystą suknię z tropikalnym motywem liści i głębokim dekoltem sięgającym niemal pępka (tak, dokładnie TYM dekoltem). Konkretnie model „Jungle” z kolekcji na wiosnę i lato 2000. J. Lo nie ma nic przeciwko i w odważnej kreacji, wraz ze swoim ówczesnym chłopakiem Puffem Daddym, pojawia się na czerwonym dywanie. Reszta to już historia. Która zainicjowała cyfrową rewolucję. Jak wspomina Eric Schmidt, ówczesny CEO Google'a, „to było najczęściej wpisywane zapytanie w historii wyszukiwarki”. Ludzie nie chcieli czytać o J.Lo w sukience Versace – chcieli ją zobaczyć. I właśnie to zainspirowało zespół firmy do wprowadzenia nowej funkcji: wyszukiwania obrazów, czyli Google Images. Jungle Dress w nowym wydaniu – czyli jak Versace napisało własny remake W 2019 roku, podczas pokazu Versace w Mediolanie, Donatella postanowiła do tamtej historii powrócić. W finale show na scenę wkroczyła sama Jennifer Lopez, w zaktualizowanej nieco wersji głośnej kreacji sprzed lat. Wśród publiczności słychać było tylko entuzjastyczne „wow”. I szum fleszy zaraz po nim! Trudno się dziwić, bo piosenkarka wyglądała dokładnie tak samo olśniewająco jak dziewiętnaście lat wcześniej (jeśli nie lepiej). Wystarczy spojrzeć na zdjęcie główne. Nowa Jungle Dress została lekko zmodyfikowana – stała się jeszcze bardziej dopasowana do sylwetki, z dłuższym trenem i drobnymi elementami 3D na tkaninie. Nadal jednak zachowała charakterystyczny, zielony print w stylu tropikalnych liści (który swoją drogą stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych motywów Versace). A także głęboki dekolt, który na zawsze zapisał ją na kartach historii mody. Zdjęcia z pokazu momentalnie stały się wiralem (jak dobrze, że już było Google Images), a filmik z wyjściem J.Lo w ciągu pierwszych kilku godzin obejrzano miliony razy. Powstał nawet hasztag #JungleDress, który szybko wbił się na szczyt popularności na Instagramie i na TikToku. Zwłaszcza że dziś użytkowniczki oznaczają nim stylizacje, które są próbą odtworzenia looku J.Lo w domowych warunkach – na przykład na bazie zielonych pareo w liście. Amber Valletta (i inne gwiazdy) w Jungle Dress od Versace Choć to Jennifer Lopez jest najczęściej kojarzona z zieloną sukienką Versace, warto przypomnieć, że to wcale nie ona założyła ją jako pierwsza. Pierwszą osobą, która miała to szczęście i zaprezentowała Jungle Dress na wybiegu była Amber Valletta!. Modelka była wówczas twarzą kampanii Versace i to właśnie jej przypadło w udziale zaprezentowanie sukienki w 1999 roku podczas pokazu kolekcji wiosna/lato 2000. To właśnie wtedy też Jungle Dress po raz pierwszy ujrzała światło dzienne. Po Amber Vallecie sukienka była noszona przez inne znane postacie. Geri Halliwell, czyli Ginger Spice, wybrała ją na galę NRJ Music Awards w 2000 roku. Sandra Bullock z kolei postawiła na wersję w ciepłych odcieniach czerwieni i włożyła ją na Vogue Fashion Awards. Co ciekawe, sama Donatella Versace także pojawiła się w tej sukience, prezentując ją na MET Gali 2000. Jednak to właśnie Jennifer Lopez uczyniła sukienkę Versace prawdziwą ikoną, zmieniając ją w symbol buntu, seksapilu i pewności siebie. W 2025 roku historia zatoczyła koło – Amber Valletta ponownie założyła tę samą sukienkę Jednak to nie tylko Jennifer Lopez ponownie nawiązała do Jungle Dress. Przed paroma dniami Amber Valletta powróciła do tej kreacji, zakładając ją na rozdanie nagród CFDA Fashion Awards 2025. Po 26 latach od jej pierwszego wystąpienia w tej sukience na wybiegu Valletta ponownie pokazała światu klas(yk)ę Versace, udowadniając, że Jungle Dress pozostaje jednym z najbardziej rozpoznawalnych i pożądanych elementów w historii mody. O czym obecność Donatelli Versace u boku modelki podczas wydarzenia jeszcze dobitniej przypomniała. Kochamy takie historie! <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/60/2025/11/GettyImages-2244406106-Lexie-Moreland-27751e0.jpg" width="2809" height="4213" alt="Amber Valletta and Donatella Versace at the 2025 CFDA Fashion Awards held at American Museum of Natural History on November 03, 2025 in New York, New York. (Photo by Lexie Moreland/WWD via Getty Images)" title="2025 CFDA Fashion Awards - Cocktails" />
To jest tak nieprawdopodobna historia, że aż trudno uwierzyć, że wydarzyła się naprawdę. „Wojny sneakersów: Adidas kontra Puma” to must-see (nie tylko dla fanów sportowego obuwia)
Krótki serial dokumentalny „Wojny sneakersów: Adidas kontra Puma” powinien się raczej nazywać: „Wszystko, co chcieliście wiedzieć o historii i rywalizacji świetnie znanych korporacji, ale baliście się zapytać”. Jednak to, co tu zobaczycie, może was bardzo zdziwić.
Adidas i Puma – wszyscy znają te słynne na cały świat marki, ale czy zdajecie sobie również sprawę z tego, w jakich okolicznościach powstały i jak wiele je łączy? Możliwe, że nie. Na szczęście pojawił się w streamingu krótki, trzydocinkowy serial dokumentalny, zatytułowany „Wojny sneakersów: Adidas konta Puma”, który wiele wyjaśnia i zdecydowanie warto poświecić mu czas, bo nie jest to banalna historia. Dokument w atrakcyjny sposób opowiada o burzliwej historii znanych niemieckich marek. Począwszy od tego, w jakich okolicznościach zostały założone, poprzez różnego rodzaju zawirowania, finansowe upadki i wzloty, wstydliwe fakty, chwyty poniżej pasa, łapówki, zaskakujące posunięcia. Wyjaśnia też wpływ tych firm na kulturę i modę, a także tłumaczy specyficzne metody współpracy ze sportowcami, jakie same wypracowały, co ostatecznie nie wszystkim wyszło na dobre. Niejako przy okazji, serial obnaża również mechanizmy, które wykorzystują wielkie korporacje, aby przywiązać do siebie fanatycznie oddanych pracowników oraz wchłaniać i monetyzować wszelkie przejawy kreatywności. Adidas kontra Puma, czyli spór i rywalizacja Wszystko zaczęło się od braci Adolfa i Rudolfa Dasslerów, którzy w latach 20. XX wieku założyli fabrykę butów. Jednak w 1948 roku pokłócili się i zaczęli działać osobno. Nie do końca wiadomo, o co poszło. Oficjalne źródła twierdzą, że chodziło o różne wizje rozwoju przedsiębiorstwa, ale plotki sugerują, że przyczyniła się do tego kobieta. Dowodów jednak brak i dywagacjom nie ma końca. W każdy razie, gdy już doszło do rozłamu, Adolf, zwany również „Adi”, nazwał swoją firmę Adidas, zaś przedsiębiorstwo Rudolfa zaczęło się nazywać Puma. Obie firmy od początku mieściły się w miasteczku Herzogenaurach w Bawarii i nadal tam są, a ich kwatery główne znajdują się niemal po dwóch stronach ulicy. W związku z tym mieszkańcy całego tego stosunkowo niedużego miasta dzielą się na tych, którzy pracują dla Adidasa i tych, którzy są pracownikami Pumy. Są tam nawet bary i knajpy, które obsługują wyłącznie jednych albo drugich. Rozdzielnie się braci sprawiło, że ich firmy od początku ostro rywalizowały. Chodziło nie tylko o to, że starali się tworzyć najlepsze i najbardziej zaawansowane technologicznie buty. Jeszcze ważniejsze było znalezienie sposobu, aby te buty pojawiły się potem na nogach najzdolniejszych sportowców, którzy przyciągali uwagę kibiców i dzięki temu tworzyli najlepszą możliwą reklamę. Bo jak wiadomo, każdy chce być w zwycięskiej drużynie. Sport to nie wszystko Niewątpliwie sportowcy, zwłaszcza jeśli mają charyzmę, urok osobisty i rzeszę fanów, mogą zdziałać dla firmy cuda. Najlepiej to widać na przykładzie fenomenalnego Usaina Bolta, powszechnie uważanego za najlepszego sprintera w historii, który biegając w butach i ubraniach Pumy dosłownie wyciągnął tę markę z finansowego dołka i umożliwił jej wejście na nowy poziom rozwoju. Ale to Adidas jako pierwszy zrozumiał, że aby się rozwijać nie wystarczy się odwoływać do samego sportu. Oczywiście jego pracownicy nie doszli do tego samodzielnie. W latach 80. uzmysłowił im to niebywały sukces amerykańskiego zespołu hip-hopowego Run-D.M.C, a szczególnie ich piosenki „My Adidas”, dzięki której te buty stały się częścią popkultury, a paradowanie w nich było manifestem, wyrazem konkretnego światopoglądu. Kierownictwo Adidasa przyswoiło tę lekcję. Zorientowali się, że to otwiera zupełnie nowe możliwości działania i wykorzystali to. Chociaż kończyło się to dla nich różnie, czego przykładem jest gwałtownie zerwana współpraca z Kanye Westem. Puma również ruszyła tym szlakiem i zaczęła otwarcie flirtować ze światem mody. Te firmy zawsze szły łeb w łeb, wykorzystywały każdą szansę na rozwój, zwiększenie wpływów i sprzedaży. Korporacyjna wisienka na torcie Po aferze z kontrowersyjnym amerykańskim raperem, ówczesny CEO marki Adidas musiał zrezygnować ze stanowiska i powstał wakat, który długo pozostawał nieobsadzony. Jakież było jednak zdziwienie, gdy okazało, że ostatecznie pracę tę dostał były CEO… Pumy. No cóż. Powiedzieć, że szeregowi pracownicy obu firm, którzy byli przecież dumni z „rodzinnych wartości”, poczucia wspólnoty i jedności celów, jakimi karmiły ich te firmy, czyli ludzie, którzy nimi kierowali, byli mocno skołowani takim obrotem spraw, to nic nie powiedzieć. Na moment iluzje zniknęły i można było zobaczyć, co się tak naprawdę liczy. Adidas i Puma to dwie strony tej samej monety. Może nawet bracia Dassler specjalnie podzieli swoją firmę, bo doskonale zdawali sobie sprawę, że nic tak dobrze nie wpłynie na rozwój biznesu, jak ostra, bezpardonowa konkurencja? To byłby genialny w swej prostocie ruch. Mógłby w przyszłości doprowadzić do powstania dwóch najbardziej rozpoznawalnych na świecie marek produkujących buty i sprzęt sportowy. A nie, czekaj… „Wojny sneakersów: Adidas konta Puma” – gdzie obejrzeć? Dokument jest dostępny na serwisie Disney + w ramach subskrypcji. View oEmbed on the source website
Już nie modele chunky, tej jesieni to penny loafers będą najmodniejsze! It-girls noszą je do eleganckich spodni i skórzanej kurtki
Łączą w sobie elegancję i wygodę. Sprawdzą się więc zarówno w pracy, jak i po godzinach. Penny loafers to najmodniejsze półbuty na jesień 2025. I inwestycja doskonała, bo… przyciągają pieniądze.
Dotychczas, to znaczy przez kilka ostatnich sezonów (które można by było już liczyć w latach!) najmodniejsze były chunky loafers. Wsuwane półbuty w męskim stylu na grubej podeszwie – masywne i toporne. Ale projektanci najwyraźniej zapragnęli odmiany, bo na jesień 2025 lansują znacznie delikatniejsze modele. Powrócili do klasyki, bo na wybiegach królowały tradycyjne półbuty wyglądem zbliżone do najbardziej ikonicznego z loafersów – modelu Horsebit (z ang. – wędzidło) – flagowego produktu domy mody Gucci (to właśnie te loafersy w szafie ma między innymi Dakota Johnson). Zaliczyć też można do nich penny loafers. To właśnie ta charakterystyczna odmiana loafersów tej jesieni będzie najmodniejsza. Jaskółką trendu są ostatnie stylizacje it-girls, które wyraźnie faworyzują ten model. Jak wyglądają penny loafers? Nawet jeśli nie zetknęłyście się i zetknęliście z nazwą penny loafers, na pewno doskonale znacie je z wyglądu. To jedne z najbardziej klasycznych półbutów wszech czasów. Można powiedzieć, że to amerykańska linia loafersów, bo to właśnie amerykańska firma G.H. Bass Shoe Company, która początkowo specjalizowała się głównie w butach dla leśników i drwali, w 1936 roku wprowadziła je do swojej oferty, a następnie – z łatwością – przekonała do nich rzesze nabywców. Ich znakiem rozpoznawczym (i elementem, który odróżnia je od europejskich loafersów) jest zdobiący cholewkę pasek z „dziurką”, czy raczej charakterystycznym szczelinowym wycięciem, jakby stworzonym do tego, by przechowywać w nim dziesięciocentówkę (później zamienioną na monetę jednocentową), co zresztą ludzie, którzy nosili penny loafers mieli w zwyczaju robić. Warto wspomnieć jednak jeszcze o alternatywnej nazwie modelu – weejuns, zaczerpniętej z języka norweskiego, by podkreślić to, że założyciel G.H. Bass Shie Company z podobnymi butami po raz pierwszy zetknął się właśnie w Norwegii. Kiedy w latach 50. XX wieku założył je będący bożyszczem kobiet (i nie tylko) James Dean, buty podkradły mu trochę sławy i świat oszalał. Tym bardziej, że później założył je także Dustin Hofman w „Absolwencie” i Robert Redford w „Boso w parku”. Buty przyjęły się także na renomowanych amerykańskich uczelniach, takich jak Harvard czy Yale. Dlatego z czasem do swoich kolekcji włączyły je także legendarne amerykańskie marki, takie jak Ralph Lauren czy Tommy Hilfiger, co jeszcze bardziej umocniło ich pozycję. View Burdaffi on the source website Z czym nosić penny loafers? Pomysły na stylizacje do pracy i po godzinach Ponieważ stanowiły podstawę „uczelnianego mundurka” i noszone były głównie w połączeniu z marynarką (najlepiej jednorzędową), elegancką koszulą z kołnierzykiem i spodniami-chinosami, do dziś uchodzą za jeden z elementów stylu preppy (który tej jesieni powraca ze zdwojoną siłą). Ale penny loafers równie dobrze sprawdzają się w stylizacjach do pracy – na przykład w połączeniu z garniturem. Tej jesieni zresztą influencerki i inne dziewczyny z branży mody chętnie łączą je ze spodniami garniturowymi. Najchętniej – w bardzo szerokim wydaniu, ale wciąż z charakterystycznym kantem. Przekornie zamieniają jednak marynarkę na skórzaną kurtkę oversize – najlepiej w brązowym kolorze (patrz zdjęcie główne). View Burdaffi on the source website Bo loafersy penny można nosić nie tylko w eleganckich, ale i bardziej swobodnych stylizacjach. Dlatego spokojnie założycie je do jeansów – i to niezależnie od fasonu. Wyjdziecie z psem, a nawet przechodzicie całą jesień, bo te buty nie mogłyby być wygodniejsze! Komfort i elegancja idą tu w parze.
Legenda świata mody. Nowojorczyk o polskich korzeniach, który ubierał największe gwiazdy Hollywood. Teraz Zac Posen projektuje ubrania, które ty też możesz mieć! „Zawsze chciałem być dzieciakiem GAPA” – mówi
W jednym z wywiadów stwierdził, że został wychowany przez branżę mody. Czego go nauczyła? Że życie nie jest sprawiedliwe. Jego kariera jest tego najlepszym przykładem. Zdarzyło mu się spaść – i to z bardzo wysokiego konia. Ale teraz Zac Posen znów triumfuje. Jako nowy dyrektor artystyczny GAP Inc. odpowiada za kolekcję GAP Studio, umiejętnie łącząc znajomość wysokiej mody z tą do noszenia na co dzień.
Nie byłoby przesadą powiedzieć o nim: „genialne dziecko świata mody”. Już jako 16-latek dostał się na staż u Nicole Miller, ale wystarczyło 5 lat, by znacznie przebił ją popularnością. Gwiazda Zaca Posena oślepiającym blaskiem rozbłysła już w dniu jego debiutu. Kolekcja dyplomowa, będąca zwieńczeniem nauki w Saint Martins – prestiżowej londyńskiej szkoły mody, którą skończył po równie renomowanej Parsons School of Design, zachwyciła samą Naomi Campbell, co otworzyło mu wiele drzwi. Choć jako urodzone na Manhattanie dziecko prawniczki i artysty, zdążył przywyknąć do towarzystwa nowojorskiej śmietanki towarzyskiej. Doskonale się więc w niej odnalazł, kiedy sam odniósł sukces. Miał niewiele ponad 20 lat, gdy ubierał największe gwiazdy Hollywood, takie jak Natalie Portman czy Gwyneth Paltrow. Z czasem dołączyły do nich także: Jennifer Lopez, Kate Winslet, Cameron Diaz, Rita Ora czy Rihanna (którą jest jego muzą do dziś). Jako 21-latek założył sygnowaną własnym nazwiskiem markę, którą – po niemal dwudziestu latach działalności – zmuszony był zamknąć. To była dla niego gorzka pigułka, ale nie stracił nic ze swojej kreatywności. Od 2024 jest wiceprezesem wykonawczym i dyrektorem kreatywnym Gap Inc. i autorem kolekcji GAP Studio, która umiejętnie łączy wyrafinowanie wysokiej mody z wygodą tej do noszenia na co dzień. Najnowsza linia – „Summer Drop” – właśnie wyszła na światło dzienne. I z tej okazji mieliśmy możliwość porozmawiać. Zac Posen [wywiad]: „Branża mody nauczyła mnie, że życie nie jest sprawiedliwe. I to też jest ok!” Magdalena Matuszek / GLAMOUR: Jakie jest twoje pierwsze wspomnienie z marką GAP? Czy kiedykolwiek myślałeś, że będziesz projektować dla marki? Zac Posen / GAP Inc: Nigdy! Aczkolwiek GAP stanowił ważną część mojego dzieciństwa. Dorastałem na Dolnym Manhattanie. I to właśnie tam, w West Village, znajdował się jeden z pierwszych sklepów GAP – w tym także GAP Kids. To była ogromna zmiana w podejściu do sprzedawania mody. Globalna rewolucja. Tym bardziej, że w kampaniach zaczęły pojawiać się dzieci – to było czymś zupełnie nowym i świeżym. Bardzo chciałem być dzieciakiem GAPA. Teraz, kiedy zostałem dyrektorem kreatywnym GAP Inc., można powiedzieć że wreszcie nim zostałem! Jak opisałbyś styl kolekcji GAP Studio, które projektujesz? To klasyczne niezbędniki do noszenia na co dzień. Ale dzień może śmiało przerodzić się w wieczór. Bo GAP Studio to ubrania o wiele bardziej wyrafinowane i stylowe niż zwykłe basiki. Masz swoje ulubione elementy garderoby z ostatniej kolekcji? Tak! Sukienki, które pozwalają zasłonić lub odkryć ramiona. Możesz zapiąć je na guziki albo rozpiąć. Są bardzo praktyczne, a przy tym bardzo kobiece, choć można je nosić także w bardziej męskim wydaniu. Na co dzień albo na wieczór. Są bardzo wszechstronne. Każda kobieta powinna dać im szansę. Uwagę warto zwrócić także na ubrania z denimu, które można nosić od stóp do głów. Trochę w stylu pyjama glamour. Są bardzo wygodne, myślę, że ludzie nie będą chcieli ich zdejmować. Gdybyś miał dać kobietom tylko jedną radę dotyczącą stylu, jak by brzmiała? To trudne pytanie, ale powiedziałbym chyba: Noś wygodne buty! Takie, w których możesz swobodnie chodzić. To podstawa. Do tego dobrej jakości biała koszula, jeansy i pasek – trzy elementy garderoby, które stworzą doskonały look – klasyczny i elegancki. Którą gwiazdę ubierałeś najchętniej i dlaczego? Uwielbiam Rihannę! Przeszła niesamowitą ewolucję stylu. Doskonale ubiera się także Timothée Chalamet. A Lila Moss – twarz ostatniej kolekcji GAP Studio? Jest urocza i przepiękna. Reprezentuje sobą młodzieńczy cool vibe, który doskonale odwierciedla niezobowiązujący styl kolekcji GAP Studio. Choć oczywiście te ubrania sprawdzą się niezależnie od wieku. Niesamowicie było zresztą obserwować przez te wszystkie lata także mamę Lili, Kate Moss. W jednym z wywiadów powiedziałeś kiedyś, że zostałeś wychowany przez branżę mody? Czego zatem nauczyła cię o życiu? Że jedno i drugie to projekt długoterminowy. To bardzo ważne. I że zdarzają się niespodzianki, na które nie jesteś przygotowany. Nigdy nie wiesz, co przyniesie ci kolejny dzień i musisz być elastyczny, żeby jak najlepiej to wykorzystać. Dostajesz to, co wnosisz i to nigdy się nie kończy, dlatego by osiągnąć sukces, nie możesz osiąść na laurach. To są najważniejsze lekcje od branży mody, która jest przemysłem pełnym wyzwań. Co jeszcze? Że życie nie jest sprawiedliwe i to też jest ok. To jego część. Skoro już patrzymy długoterminowo, jaka według ciebie czeka przyszłość branżę mody? Będzie to skrzyżowanie indywidualizmu z technologią i sztuczną inteligencją. Ludzie będą sami projektować własną odzież. Personalizacja więc zwycięży, ale ze sporym udziałem algorytmów. Chciałabym zapytać cię także o twoje polskie korzenie – czujesz w żyłach polską krew? Tak, chociaż w Polsce nigdy nie byłem. Ale wystarczy, że spojrzę w niebieskie oczy mojego taty i czuję to dziedzictwo. Lubię też polskie jedzenie. Pierogi? Na nie mam za słaby żołądek, ale uwielbiam barszcz. Nową odsłonę kolekcji GAP Studio by Zac Posen Summer Drop kupić można od dziś. Na polskim rynku dostępna jest na gap.pl oraz w nowym sklepie GAP w Westfield Arkadia. Ceny wahają się od 349 do 699 zł.
Te wygodne sandały są równie kultowe co birkenstocki. Przechodziłam w nich Rzym, teraz zabieram w Beskidy
Teraz są na przecenie, a to zakup na lata. Sandały Teva są nie tylko ultrawygodne, ale i uniwersalne – sprawdzają się nad wodą, w górach i w mieście. Nie bez przyczyny od 1984 roku cieszą się niesłabnącą popularnością. Też je mam i przyznaję, że są świetne!
Obok sandałów Birkenstock to jedne z najbardziej kultowych (i najwygodniejszych!) butów na lato. Nad wodę, w góry i do chodzenia po mieście. Do jeansów, do szortów i do sukienki. Nieprzypadkowo w szafach mają je nie tylko „zwykłe” dziewczyny, ale i influencerki. Ja jestem redaktorką mody i też je noszę. I zawsze zabieram je ze sobą na wakacje. W ubiegłym roku przechodziłam w nich Rzym, tym razem pojadą ze mną w Beskid Żywiecki. Są niezastąpione! Dlatego, jeśłi – jakimś cudem – jeszcze ich nie znasz, warto nadrobić zaległości. Tym bardziej że te legendarne sandały teraz kupić można na przecenie. Teva sandały: historia Z założenia to sandały do zadań specjalnych. Na pomysł ich stworzenia wpadł bowiem przewodnik turystyczny. Konkretnie – Mark Thatcher, który podczas jednej ze swoich wypraw przez Arizonę napotkał na problem – musiał przejść przez rzekę Kolorado. Ponieważ miał dosyć ciągłej zmiany obuwia, wymyślił własne, wielofunkcyjne buty – na solidnej gumowej podeszwie i uszyte z lekkich i szybkoschnących materiałowych pasków. Tak – w 1984 roku – powstały sandały Teva Original Universal – jeden z największych klasyków marki, które do dziś cieszą się niesłabnącą popularnością. I które dziś szyte są z poliestrowej przędzy z recyklingu (z przetworzonych butelek PET), dzięki czemu są także przyjazne środowisku, na co marka Teva zwraca szczególną uwagę. View Burdaffi on the source website Jak (na co dzień) nosić trekkingowe sandały Teva? Moje ulubione sandały Teva to właśnie (najbardziej minimalistyczny) model Teva Original Universal, ale buty dostępne są również na bardziej zaawansowanej technologicznie podeszwie (patrz model Hurricane), dzięki czemu uznawane są za idealne sandały trekkingowe. Ale z powodzeniem nadają się także do chodzenia po mieście, tym bardziej że występują w naprawdę szerokiej gamie kolorystycznej. Od czarnych czy beżowych klasyków, po które najchętniej sięgają topowe it-girls, po bardziej zwariowane wielokolorowe lub wzorzyste modele. <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/60/2025/07/GettyImages-1265622538-teva-sandaly-streetstyleshooters-d60333b.jpg" width="3943" height="5915" alt="COPENHAGEN, DENMARK - AUGUST 11: Swedish influencer Emma Fridsell, wearing a yellow checked coat by Baum und Pferdgarten, a black swimsuit, black sandals by Teva, a black bag and a lili colored cap with the inscription "The strong sensitive type" during a street style shooting at Copenhagen Fashion Week Spring/Summer 2021 on August 11, 2020 in Copenhagen, Denmark. (Photo by Streetstyleshooters/Getty Images)" title="Street Style - Day 3 - Copenhagen Fashion Week Spring/Summer 2021" /> To lekkie i ultrawygodne sandały, które założyć można nie tylko do jeansów albo denimowych szortów (w tym sezonie najlepiej bermudów), ale i do letnich sukienek, a nawet do kostiumu kąpielowego. Czołowe it-girls udowadniają zresztą, że sandały Teva z powodzeniem radzą sobie także w połączeniu z bardziej eleganckimi ubraniami i dodatkami. Założyć można je na przykład do szerokich spodni z kantem, lnianej koszuli albo szmizjerki. Sama zresztą przekonałam się, że sandały Teva śmiało można nosić zarówno do sukienek mini jak i midi czy maksi. Nawet jeśli mają bufiaste rękawy czy zdobione są kokardami. Te buty mają tak nienachalny design, że można je nosić absolutnie do wszystkiego! View Burdaffi on the source website Sandały Teva opinie Ja jestem zachwycona tymi butami, ale sandały Teva cieszą się dobrymi opiniami także w internecie. Najlepszym dowodem są komentarze, na które natknęłam się na stronie butsklep.pl, gdzie między innymi można je kupić. Nic dodać, nic ująć. Zobaczcie same i sami: „Mam już drugą parę i to są mega wygodne buty. Rzepami można idealnie wszystko dopasować. Polecam”, „Butki ładne i praktyczne. Można je dopasować do stopy bardzo wąskiej i do szerokiej też. Łatwe w czyszczeniu i bardzo wygodne”, „Fantastyczne buty, lekkie i niesamowicie wygodne. Doskonałe na wakacyjne wyjazdy, ponadczasowe!”, „Doskonała jakość i komfort użytkowania”, „Genialne sandały! Prosty, ale baaardzo wygodny fason. Sprawdziły się jako obuwie turystyczne podczas długich wycieczek”.
Nosi je zarówno Kaia Gerber, jak i jej mama Cindy Crawford. Najmodniejsze jeansy sezonu fantastycznie wysmuklają uda!
Dzwony (jeansy damskie) to najmodniejsze denimowe spodnie na wiosnę i lato 2025. I dobrze, bo nie mogłyby być bardziej korzystne dla sylwetki. I można je nosić niezależnie od wieku. Podpowiadamy, jak.
W 1971 roku Cher pojawiła się na scenie w cekinowych dzwonach i zmiotła wszystko – dosłownie i w przeności. Gdy jej nogawki tańczyły w rytm muzyki, świat zrozumiał jedno: dzwony to nie są po prostu spodnie. Choć wygodne i praktyczne, a więc idealne do noszenia na co dzień, za każdym razem robią wrażenie. Nic więc dziwnego, że znów wracają do łask – i to nie po cichu. Z przytupem. Dzwony jeansy damskie: najmodniejsze jeansy na wiosnę i lato 2025 W kolekcjach na wiosnę–lato 2025 projektanci jednogłośnie wskazali na jeden, bardzo konkretny fason: super flared jeans. To dzwony z ekstremalnie rozkloszowaną nogawką, która zaczyna się rozszerzać mniej więcej od kolana, tworząc wyraźny kontrast z dopasowaną górą. Efekt? Uda wyglądają na smuklejsze, a nogi na dłuższe niż w rzeczywistości. Ten wyrazisty fason pojawił się na wybiegach między innymi u: Gabrieli Hearst, Self-Portrait, Etro, Barbara Bui, Chloé czy Yohji Yamamoto. Wspólny mianownik? Denim w odcieniu królewskiego błękitu – czyli coś między klasycznym niebieskim a głębokim indygo. To właśnie ten kolor zdominuje 2025 rok: delikatniejszy, świeży, a jednocześnie elegancki i świetnie łączący się z innymi barwami. Krótka historia dzwonów Zanim dzwony trafiły na ulice Nowego Jorku i Paryża, popularnością cieszyły się… w porcie. W XIX wieku nosili je amerykańscy marynarze. Szerokie nogawki łatwo było podwinąć, tak, by nie zahaczały o buty i tym samym nie przeszkadzały w pracy na pokładzie. Praktyczne? Bardzo. Stylowe? Jeszcze nie. Dopiero w latach 60. i 70. spodnie z rozszerzanymi nogawkami dostały drugie życie – tym razem w rytmie rocka, miłości i buntu. Hippisi pokochali dzwony za wszystko, czym nie były: nie były sztywne, nie były korporacyjne, nie były grzeczne. Były luźne, kolorowe i miały coś z wolności. Nosili je Beatlesi, Jimi Hendrix i masa anonimowych idealistów na festiwalach w stylu Woodstock. Kiedy moda skręciła w stronę punku, disco i później minimalizmu, dzwony na chwilę zniknęły. Ale jak każda dobra rzecz – wróciły. Spodnie znów wychodzą na ulice. View Burdaffi on the source website Gwiazdy, które noszą jeansowe dzwony Jeansy dzwony pokochały nie tylko „zwykłe” dziewczyny, ale i gwiazdy, m.in. Bella Hadid, Hailey Bieber i Kaia Gerber. Dzwony nosi także mama Kai, Cindy Crawford, która pokazuje się w nich regularnie. Każda z nich udowadnia, że ten fason można nosić zarówno w stylu casual, jak i w bardziej eleganckim wydaniu. Zendaya uwielbia łączyć dzwony z obszernymi marynarkami i crop topami, tworząc nowoczesny look inspirowany latami 70. Bella Hadid często wybiera denim w ciemniejszych odcieniach i zestawia go z gorsetami lub krótkimi topami, na które zarzuca skórzaną kurtkę. nadając dzwonom nowoczesny, lekko buntowniczy vibe. Hailey Bieber stawia na total looki – czarne dzwony, prosta koszulka, skórzana marynarka. Minimalizm, który robi wrażenie. Nie można też zapomnieć o ikonach stylu z przeszłości – Cher, Farrah Fawcett, Jane Birkin – które uczyniły dzwony modowym znakiem rozpoznawczym. Ich zdjęcia sprzed dekad wciąż inspirują stylistki, projektantów i... użytkowniczki Pinteresta. Co nosić do jeansów dzwonów – pomysły na stylizacje na każdą okazję Jeansy dzwony, mimo swojego wyrazistego kroju, są niezwykle uniwersalne. W zależności od dodatków i góry stylizacji, mogą wyglądać zarówno swobodnie, jak i bardzo elegancko. Kluczem do stworzenia udanej stylizacji z dzwonami w roli głównej jest zachowanie proporcji – rozszerzana nogawka najlepiej wygląda w towarzystwie dopasowanej lub krótszej góry. Co nie znaczy, że nie można zarzucić na nią obszernej marynarki z mocnymi ramionami. Na co dzień świetnie sprawdzą się zestawienia jeansów dzwonów z prostym T-shirtem, dopasowanym golfem lub crop topem. Taki zestaw warto uzupełnić sneakersami, mokasynami lub botkami na grubszym obcasie. W chłodniejsze dni można narzucić jeansową kurtkę oversize lub ramoneskę. View Burdaffi on the source website Na bardziej eleganckie wyjścia dzwony można zestawić z jedwabną koszulą, marynarką i szpilkami. Szczególnie modne są stylizacje monochromatyczne – na przykład beżowe dzwony w komplecie z beżową bluzką i płaszczem w tym samym kolorze. Jeśli zależy nam na optycznym wydłużeniu nóg, warto postawić na dzwony z wysokim stanem i buty na obcasie. Długość spodni również ma znaczenie – najlepiej, gdy kończą się tuż nad ziemią, lekko zakrywając buty. Zbyt krótkie nogawki mogą zaburzyć proporcje sylwetki, szczególnie przy obuwiu na płaskiej podeszwie. Powrót jeansowych dzwonów to dowód na to, że pewne elementy garderoby po prostu nigdy się nie starzeją, a moda potrafi łączyć pokolenia. Dziś, tak jak kiedyś, jeansy dzwony są symbolem wolności, odwagi i wyczucia stylu. I wcale nie musisz być hippiską, żeby je nosić. Jeśli więc jeszcze nie masz ich w swojej szafie – czas to zmienić. Bo jeansy dzwony to nie chwilowy trend. To legenda, która zawsze robi wrażenie.
To jej zawdzięczamy jedną z najbardziej kultowych sukienek. „Od dekad tworzę, aby kobiety czuły się pewne siebie” – mówi Diane von Furstenberg
W świecie mody jest legendą. To jej zawdzięczamy jedną z najbardziej korzystnych dla sylwetki sukienek, bo od samego początku postawiła sobie za cel, by tym, co robi, wspierać kobiety. Dlatego, cieszymy się, że jej projekty można kupić na Zalando. Z tej okazji powstała właśnie wyjątkowa kampania Diane von Furstenberg i popularnej platformy sprzedażowej.
„Prostota i zmysłowość. Wszyscy tego chcą” – słowa Diane von Furstenberg są najlepszym podsumowaniem jej twórczości. A tworzy od 1972 roku. To właśnie wtedy założyła sygnowaną własnym nazwiskiem markę, stworzoną z myślą o kobietach. Jej projekty można kupić na Zalando (wyłącznego partnera detalicznego marki w Europie). Kim jest Diane von Furstenberg? Diane von Furstenberg to w świecie mody prawdziwa legenda. To właśnie jej zawdzięczamy kopertową sukienkę, którą projektantka powołała do życia mniej więcej 50 lat temu, na samym początku działalności swojej marki! To jeden z najbardziej klasycznych, ale i najbardziej korzystnych dla sylwetki fasonów. Sukienka kopertowa, a więc zakładana na zakładkę, zawiązywana jest bowiem w talii paskiem, subtelnie ją podkreślając. Zmysłowo podkreśla także dekolt (wycięty na kształt litery „V”). Uszyta z dżerseju oficjalnie zadebiutowała we wrześniu 1973 roku i momentalnie podbiła serca kobiet. Wyznaczając kierunek dlaszej twórczości Diane von Furstenberg, która do dziś słynie ze sprzyjających kobiecym sylwetkom fasonów, odważnych (i bardzo efektownych!) wzorów (z drapieżnymi na czele) i wyrazistych kolorów. I jest uwielbiana zarówno przez arystokratki (do których,dzięki małżeństwu z hrabią Egonem von Furstenbergiem projektantka również należy) oraz gwiazdy. Jej projekty noszą lub nosiły: księżna Diana i księżna Kate, Michelle Obama, Jerry Hall, Sienna Miller, Sarah Jessica Parker, Coco Rocha, Kendall Jenner i... można by jeszcze długo wymieniać. Wyjątkowa kampania Zalando i Diane von Furstenberg z okazji współpracy marek Ale ubrania Diane von Furstenberg nie są zarezerwowane wyłącznie dla gwiazd. Ty też możesz je mieć, bo dostępne są na Zalando. W najnowszej kolekcji znaleźć można nie tylko kultowe już kopertowe sukienki – gładkie i we wzory, ale i modne w tym sezonie sukienki drapowane, szmizjerki oraz kombinezony (również charakterystyczne dla marki), topy w kwiaty, rozkloszowane spodnie w stylu lat 70., wiosenne kurtki i spódniczki mini. Zobaczyć (i kupić) można je nie tylko na Zalando.pl, ale i w wyjątkowej sesji zdjęciowej, którą platforma sprzedażowa zrealizowała wspólnie z Diane von Furstenberg, by uczcić swoją ekskluzywną współpracę z projektantką. Przed obiektywem stanęła zresztą nie tylko ona, ale i światowej sławy modelki Grace Elizabeth i Arnelle Shaniqua oraz wyjątkowy duet matki i córki – Gaia i Cecile Orgeas. Kampania znakomicie oddaje nie tylko charakterystyczny styl Diane von Furstenberg, ale i wyznawane przez nią wartości. Ma inspirować do zabawy modą i za jej pomocą wyrażania siebie. I dodawać kobietom pewności siebie w sięganie po swoje, kształtując kolejne pokolenie wizjonerek i liderek zmian. W jej ramach Zalando staje się wyłącznym partnerem detalicznym Diane von Furstenberg w Europie, a szeroki wybór projektów marki, w tym ikoniczna sukienka kopertowa, będzie dostępny wyłącznie na Zalando we wszystkich 25 rynkach, co czyni Zalando jedynym europejskim sprzedawcą oferującym DVF, obok dvf.com i butiku DVF w Brukseli. Najnowsza kolekcja Diane von Furstenberg już dostępna jest w sprzedaży. Zdjęcia z kampanii obejrzycie w naszej galerii poniżej.
Według AI to właśnie te 5 rzeczy każda kobieta powinna mieć w swojej szafie
5 rzeczy, które każda kobieta powinna mieć w swojej szafie to nie tylko podstawa stylowej garderoby, ale kawał (dobrej) historii mody. Dowiedz się, skąd pochodzą najbardziej ikoniczne ubrania i dlaczego od dekad nie wychodzą z mody. Zainspiruj się klasyką i odkryj jej znaczenie na nowo.
Moda to coś więcej niż tylko ubrania – to sposób wyrażania siebie, manifestowania stylu, nastroju, a często także niezależności i siły. Choć trendy zmieniają się z zawrotną prędkością, istnieje pewna ponadczasowa baza, która nie wychodzi z mody od lat. To właśnie te klasyczne elementy garderoby pozwalają stworzyć niezliczoną ilość stylizacji – od eleganckich po codzienne – i są niezastąpione w każdej damskiej szafie. To właśnie te 5 rzeczy w szafie powinna mieć każda kobieta. Gdy zapytaliśmy o to Chat GPT wskazał właśnie je. Biała koszula Dziś uznawana za synonim elegancji i minimalizmu, w przeszłości miała zupełnie inne znaczenie. W średniowieczu biała koszula była traktowana jako bielizna i nie mogła być pokazywana publicznie. Co ciekawe, gdy kobiety zakładały ją do łóżka, był to subtelny sygnał dla męża – oznaczała brak ochoty na intymność. W modzie damskiej pojawiła się dzięki francuskiej cesarzowej Eugenii, która uczyniła z niej wyraz statusu społecznego i dobrego smaku. Dopiero w XX wieku, dzięki projektantom takim jak Yves Saint Laurent, biała koszula na dobre wkroczyła do codziennych stylizacji kobiet jako uniwersalny klasyk. View Burdaffi on the source website Dopasowane jeansy Jeansy, choć kojarzą się z amerykańskim stylem, mają korzenie we włoskiej Genui. Tkanina „de Nîmes” (denim) była pierwotnie używana do produkcji odzieży roboczej. Dopiero Levi Strauss i Jacob Davis w 1873 roku opatentowali jeansy jako wytrzymałe spodnie dla górników, wzmacniane nitami. Prawdziwą popularność denimowe spodnie zyskały w XX wieku, zwłaszcza dzięki modelowi 501 od Levi’sa. James Dean czy Marlon Brando nosili je w filmach, sprawiając, że jeansy stały się symbolem buntu, swobody i tradycyjnie rozumianej męskości. Nic dziwnego, że szybko podbiły także kobiece serca. View Burdaffi on the source website Mała czarna sukienka Mała czarna to chyba największy klasyk w świecie mody. Zawdzięczamy ją Coco Chanel, która rewolucyjny wówczas projekt prostej, czarnej sukienki zaprezentowała w 1926 roku. Dzięki Audrey Hepburn i filmowi „Śniadanie u Tiffany’ego” czarna sukienka zyskała status kultowego elementu garderoby. Kiedy w 1994 roku księżna Diana pojawiła się w słynnej „sukience zemsty” – małej czarnej, która emanowała siłą i klasą – sukienka ta na dobre zapisała się jako symbol kobiecej niezależności. View Burdaffi on the source website Trencz Elegancki, ponadczasowy płaszcz – trencz – ma swoje początki na polach bitew. Zaprojektowany przez Thomasa Burberry’ego dla brytyjskiej armii podczas I wojny światowej, miał chronić oficerów w okopach (po ang. „trenches”). Wykonany z wodoodpornej gabardyny, szybko zyskał popularność także wśród cywilów. Dziś stanowi obowiązkowy element garderoby każdej kobiety ceniącej styl i funkcjonalność. View Burdaffi on the source website Czarne szpilki Choć dziś trudno w to uwierzyć, szpilki nie zawsze były domeną kobiet. W XVI wieku to mężczyźni – zwłaszcza jeźdźcy konni – nosili buty na obcasie, aby lepiej trzymać się w strzemionach. Obcasy pojawiły się w modzie damskiej dzięki Katarzynie Medycejskiej, która założyła je na swój ślub, wprowadzając elegancję na wyższy poziom (dosłownie!). W XX wieku szpilki stały się synonimem zmysłowości – między innymi dzięki ikonom takim jak Marilyn Monroe. Dziś równie chętnie co na wieczór nosimy je także do biura. View Burdaffi on the source website Nosząc te pięć klasyków nie tylko wyglądamy stylowo. I zawsze mamy, co na siebie włożyć, ale i wpisujemy się w historię mody, która kształtowała pokolenia.
Mam 40 lat i znów będę nosić rzeczy, które pamiętam z liceum. Wiosną 2025 będą hitem!
Milenialsi i milenialki doskonale je pamiętają, teraz pokocha je także generacja Z. Wiosną 2025 roku znów modne będą bowiem ubrania i dodatki z lat 2000. (zwłaszcza z drugiej połowy dekady). Pamiętacie?
Gdyby był wtedy Instagram, na moim feedzie znaleźlibyście pełno zdjęć z tymi rzeczami. W latach 2000., a właściwie w drugiej połowie dekady, nosiłam je nie tylko ja, ale i inne dziewczyny, które interesowały się modą (i zafascynowane były Sienną Miller). Później zresztą się tego wstydziłyśmy, bo wiele z naszych ulubionych ubrań i dodatków z czasem uznane zostało za obciachowe (zwłaszcza niektóre ich połaczenia), co nie zmienia faktu, że po latach wspominamy je z sentymentem. A teraz także przecieramy oczy ze zdumienia, bo rzeczy, które pamiętamy z liceum i z pierwszych lat studiów, po latach nieobecności wracają do łask. Wygląda więc na to, że mimo czterdziestki na karku tej wiosny znów będę ubierać się jak dwadzieścia lat temu (sic!). Kto dołącza? Wystarczy 7 poniższych rzeczy, by odtworzyć look sprzed lat. Baleriny Pierwszą pozycję na liście najprawdopodobniej już macie w swoich szafach – i wcale nie dlatego, że leży tam od 2005 roku. Baleriny, bo właśnie o nich mowa, na światowych wybiegach zaczęły się pojawiać już dwa lata temu, by wiosną 2025 roku cieszyć się statusem jednych z najmodniejszych butów sezonu. Zwłaszcza jeśli zdecydujecie się na modele wiązane, mary janes albo baleriny sportowe, będące równie wygodną alternatywą dla sneakersów. Wciąż popularne są także zaokrąglone baletki z kokardką, czyli klasyk z lat 2000., który znów będzie modny za sprawą popularności estetyki balletcore. Dwadzieścia lat temu nosiłyśmy je do jeansowych rurek, denimowych minispódniczek albo legginsów. I wiecie co? Wiosną 2025 wszystkie te połączenia znów będą modne! View Burdaffi on the source website Torebki z breloczkami Pora odkurzyć także kolekcję breloczków skompletowaną w liceum (której gwiazdami były pluszowe zwierzątka marki Nici). Wówczas obwieszałam nimi szkolny plecak, teraz przyczepię do torebki. Ozdabianie torebek ulubionymi zawieszkami, czyli – jak mawiają TikTokerki – jane birkinifying (your) bag – to najprostszy i najmodniejszy sposób, by odświeżyć ich wygląd i przeobrazić w najbardziej pożądany dodatek sezonu. A także nadać indywidualny rys, choć bez trudu kupicie też torebkę od razu ozdobioną charmsami. Oferuje je między innymi polska marka Mako. Która – podobnie jak L37 – w sprzedaży ma także same zawieszki. View Burdaffi on the source website Kaszkiet W szafie miałam dwa. Sportowy w białym kolorze, który mocno kontrastował z opaloną skórą (sorry not sorry) i czarny, z niewielkim daszkiem – podobny do tego, w jakim ostatnio pokazała się Kendall Jenner (tyle że z niedużą kokardką w pudroworóżowym odcieniu). Wiosną sprawie sobie kolejny, bo kaszkiety, a właśnie o nich mowa, znów są jednym z najmodniejszych nakryć głowy. W dodatku o charakterze uniseks. Nieprzypadkowo w kaszkiecie niedawno widziano także Timothéego Chalameta. View Burdaffi on the source website Cienki szaliczek Wiosną 2025 roku znów modne będą także cienkie szaliczki w stylu indie sleaze, do których w latach 2000. słabość miałam nie tylko ja, ale i Sienna Miller oraz Kate Moss. Świetne do garniturowych kamizelek zakładanych na gołe ciało albo dzianinowych tank topów w prążek rodem z lat 90. Teraz warto postawić także na dzianinowe modele i zestawiać je ze sweterkami zrobionymi na drutach z tej samej włóczki. View Burdaffi on the source website Szerokie bransolety z plastiku Największy (i to dosłownie!) biżuteryjny trend na wiosnę 2025? Szerokie bransolety. Nie tylko srebrne czy złote, ale i plastikowe – we wszystkich kolorach tęczy. Na światowych wybiegach lansowali je między innymi: Saint Laurent, Amis, Gucci, Chloé czy Dries van Noten. Na szczęście mam już sporo w szkatułce sprzed lat. View Burdaffi on the source website Kolorowe rajstopy Do łask wróciły także kolorowe rajstopy. Różowe, niebieskie, zielone, do wyboru, do koloru. Influencerki już je noszą, bo na przełomie sezonów to bardzo praktyczny dodatek. I efektowny zarazem! Świetnie się sprawdzą w duecie ze wspomnianymi już balerinami albo klasycznymi czółenkami o fasonie Mary Jane. Krawaty Wiosną 2025 weźmiemy też przykład z „dawnej” Avril Lavigne i polubimy się z krawatem. Tym bardziej, że chyba wszyscy topowi projektanci zainspirowali się w tym sezonie męską gardrobą i na wybiegach lansowali obszerne garnitury, garsonki, marynarki oversize i inne elementy garderoby, charakterystyczne dla nurtu power dressing. Krawat to wspólny mianownik międzu estetyką lat 2000., ale i 80., które także będą miały swoje 5 minut w tym sezonie! Moda lubi przecież się powtarzać.
Naked dress Bianki Censori nie powinna nas szokować. Te ikoniczne sukienki eksponujące wszystko Jane Birkin i Kate Moss też były na językach
Od kilku dni internet żyje tylko tym. Bianca Censori i jej naked dress są na językach wszystkich, w dodatku na celebrytkę i jej męża wylewają się głównie słowa krytyki. Skąd w nas tyle jadu skoro sukienki, które odsłaniają ciało w historii mody nie są niczym nowym?
W tym artykule: Przezroczyste sukienki jednym z ostatnich trendów Naked dress w historii mody [Marilyn Monroe, Kim Kardashian, Kate Moss] Bianca Censori i Kanye West kontra Jane Birkin i Serge Gainsbourg „Szczerze mówiąc, roznegliżowana Bianca Censori nie zrobiła na mnie większego wrażenia. Żyjemy w czasach, kiedy – jeśli chodzi o kobiece ciało – w przestrzeni publicznej widzieliśmy chyba już wszystko” – powiedziałam, kiedy w redakcji rozgorzała dyskusja o naked dress, w jakiej celebrytka pojawiła się na gali rozdania Grammy 2025. A naked dress, czyli sukienkę, która zdecydowanie więcej odsłania niż skrywa, widzieliśmy nie raz, bo w świecie mody nie jest niczym nowym (nie bez powodu – w języku angielskim – doczekała się własnej nazwy, a nawet synonimu – sheer dress). Przezroczyste sukienki jednym z ostatnich trendów Nie trzeba sięgać daleko pamięcią. Przezroczyste sukienki – z ażurowej dzianiny, plastiku albo delikatnego szyfonu – były jednym z wiodących trendów na wiosnę i lato 2024, lansowanym na wybiegach przez domy mody, takie jak: Blumarine, N21, Coach, Givenchy, Dior, JW Anderson, Prada i... wymieniać można by jeszcze długo. Które w dodatku poszły o krok dalej i do transparentnych sukienek dorzuciły także spódnice wyglądające jakby ich nie było. Trend popularnością cieszy się zresztą do dziś i chyba nigdy całkiem nie wyjdzie z mody. Tym bardziej, że naked dress nie narodziła się wczoraj. A gwiazdy sięgają po nią regularnie. Naked dress w historii mody [Marilyn Monroe, Kim Kardashian, Kate Moss] Dopasowaną sukienkę w kolorze ciała (pięknie mieniącą się kryształkami), odważnie eksponującą wszystkie atuty sylwetki, na urodziny prezydenta Kennedy'ego założyła choćby Marilyn Monroe. O tamtej kreacji przypomniała nam zresztą niedawno Kim Kardashian, która po 60. latach wyciągnęła ją z archiwum na potrzeby Met Gali. Być może to właśnie dlatego Kanye West ubrał w naked dress Biancę Censori, w końcu mówi się, że rości sobie prawo do ubierania drugiej żony, mocno inspirując się stylem tej pierwszej? Zanim jednak wrócimy do tego wątku, warto przypomnieć sobie także głośną, choć niemalże niewidoczną sukienkę, w jakiej na imprezie agencji modelek Elite, pojawiła się ich podopieczna, Kate Moss. Modelka nie do końca zdawała sobie sprawę, że model na ramiaczkach eksponuje aż tyle, sukienka kompletnie prześwitująca okazała się być w blasku fleszy. Z niezręcznej sytuacji Moss wyszła jednak z tarczą. Miedzy innymi dzięki wsparciu koleżanki po fachu, Naomi Camppbell, która podsumowała: „Może i była płaska, ale w tej sukience przekonała wszystkich, że można być sexy”. Tak właśnie rozumiemy kobiecą solidarność! Bianca Censori i Kanye West kontra Jane Birkin i Serge Gainsbourg W przypadku Kanyego Westa i Bianki Censori trudno mówić jednak o jakiejkolwiek solidarności. Jest nam żal Bianki, bo czujemy, że została wykorzystana. Najprawdopodobniej winne są plotki. Odkąd tylko West i Censori są razem mówi się, że młoda żona pozostaje pod silnym wpływem faceta, który już wcześniej doczekał się opinii mizogina i toksyka. I przekonanego o własnej omnipotencji egotyka, któremu wydaje się, że cel uświęca środki, a mamy poczucie że swoją żonę (i jej ciało) potraktował w tym przypadku narzędziowo. To, co mówi po całej sytuacji, jest tego zresztą potwierdzeniem. „Moja żona jest najczęściej guglowana osobą na planecie zwanej Ziemia” – cieszy się, dodając, że „podbili Grammies”. I przyznaje, że zrobił to dla pieniędzy. Czyżby więc naked dress Bianki Censori wzbudzała w nas tak silne emocje, bo była częścią większego planu narzuconego jej przez męża? Być może, choć historia mody zna podobny przypadek. Pamiętacie Jane Birkin i Serge'a Gainsbourga? Para, która w 1969 roku zgorszyła francuską opinię publiczną (i zachwyciła jednocześnie) piosenką „Je t'aime... moi non plus...” (której wstydziła się zaśpiewać poprzednia partnerka muzyka, Brigitte Bardot), regularnie wykorzystywała cielesność do promowania swojej twórczości. I znów to kobiece ciało, ciało Jane, grało rolę główną. Birkin w śmiałych sukienkach pojawiała się regularnie. Wystarczy wspomnieć dzianinową naked dress, którą włożyła na premierę filmu „Slogan” (również w roku 1969). <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/60/2025/02/GettyImages-1188890464-Yves-Le-Roux-1969-premiera-filmu-slogan-2-518878f.jpg" width="983" height="1513" alt="Serge Gainsbourg et Jane Birkin à la 1ère du film 'Slogan' à Paris le 28 aout 1969, France. (Photo by Yves LE ROUX/Gamma-Rapho via Getty Images)" title="GettyImages-1188890464 Yves Le Roux 1969 premiera filmu slogan-2" /> Język chyba nas jednak zdradza. W przypadku Birkin zakładamy, że wszystko co robiła, robiła z wlasnej woli. W przypadku Bianki Censori mamy wątpliwości... Chociaż gdy porównać ze sobą te dwa obrazki, dostrzec można jeszcze jedną różnicę. Majtki. Jane Birkin je miała, Bianca Censori nie. Może więc to właśnie ten niewielki kawałek materiału oddziela manifest i/lub żart od taniej sensacji? Moda nie lubi dosłowności. I choć często balansuje na granicy dobrego smaku, nigdy jej nie przekracza. Na tym polega sztuka.
Polscy projektanci mody: lista nazwisk, które trzeba znać! I ubrania i dodatki, z których zasłynęli
Polscy projektanci mody w niczym nie ustępują zagranicznym kolegom po fachu. Dowód? Ich projekty noszą gwiazdy światowego formatu. Przedstawiamy najważniejsze nazwiska świata polskiej mody.
W tym artykule: Polska projektantka torebek: Zofia Chylak Ania Kuczyńska, czyli ozdobny minimalizm MMC, czyli Ilona Majer i Rafał Michalak Magda Butrym – polska projektantka mody, której projekty noszą zagraniczne gwiazdy Mariusz Przybylski Ewa Minge Polscy projektanci mody – Paprocki&Brzozowski Polscy projektanci mody – Gosia Baczyńska Polscy projektanci mody – Łukasz Jemioł Polscy projektanci mody – Maciej Zień Polscy projektanci mody – Joanna Przetakiewicz Polska projektantka torebek: Zofia Chylak Choć pewnie niewiele osób o tym dziś pamięta, Zofia Chylak zaczęła od szycia na miarę. Głównie sukienek, w tym także sukni ślubnych. Po stażach w domu mody Proenza Schouler i atelier Nicolasa Caito, było to dla niej naturalne. Chciała projektować na własną rękę i to projektować przez wielkie „P” – zgodnie z zasadami wysokiego krawiectwa. Z czasem jednak zamarzyła także o tym, by w swojej ofercie mieć gotowy projekt. Postawiła na torebki. To był strzał w dziesiątkę. Rozpoznawalność zdobyła, dzięki niedużym workom z naturalnych (włoskich) skór tłoczonych na wzór pytona czy krokodyla. Wykończonych charakterystycznymi frędzlami i zaskakująco pojemnych, a przy tym eleganckich i dopracowanych w najmniejszym szczególe. Nic dziwnego, że redaktorki mody, stylistki i inne warszawskie it-girls (i nie tylko) przez długi czas, w ogóle się z nimi nie. Z czasem coraz częściej sięgając także po inne modele. Marka Chylak szybko stała się rozpoznawalna nie tylko w Polsce, ale i na całym świecie. Między innymi dlatego, że torebki Chylak pojawiły się w sprzedaży na luksusowej platformie shoppingowej Net-a-Porter. com (obok marek, takich jak: Loewe, Gucci, Tom Ford czy Saint Laurent. Z czasem dołączyły do niech także buty: loafersy, baleriny, czółenka, o które marka Chylak poszerzyła swoją ofertę. Wszystkie jej projekty łączy ascetyczny i ponadczasowy design, (nienachalna) zgodność z trendami i wykonanie najwyższej próby. A kampanie marki – nawiązania do folkloru. Ania Kuczyńska, czyli ozdobny minimalizm Jej płócienna torba Shanghai (z charakterystyczną skórzaną metką z logotypem i metalowym oczkiem, będącym znakiem rozpoznawczym wszystkich projektów Ani Kuczyńskiej) została uznana za najbardziej rozpoznawalny markowy dodatek w historii współczesnej polskiej mody po 89. roku. Jej styl przez polską prasę, określony został jako ozdobny minimalizm, bo formy, choć proste, wyróżniają się mistrzowskimi proporcjami i zaskakującymi detalami, takimi jak plisy, marszczenia czy bufki. Oprócz sukienek, koszul, spódnic i spodni w ofercie Ani Kuczyńskiej ważne miejsce zajmują dodatki – nie tylko wspomniane już torby (w tym także modele ze skóry), ale i gumki scrunchie czy wstążki do włosów. Ulubiony kolor projektantki to czarny. Kraj, z którego czerpie inspiracje – Włochy. MMC, czyli Ilona Majer i Rafał Michalak Za marką MMC kryje się duet projektantów: Ilona Majer i Rafał Michalak, którzy markę założyli jeszcze w latach 90. XX – wspólnie ze swoją koleżanką z łódzkiej Akademii Sztuk Pięknych (Małgorzatą Czudak). I choć ta ostatnia, postanowiła pójść własną drogą, nazwa marki, pochodząca od nazwisk założycieli) wciąż jest trzyliterowa. Pokazy MMC od zawsze wzbudzały ogromne emocje (by je zobaczyć podczas odbywającego się przed laty w Łodzi tygodnia mody, w kolejkach ustawiały się tłumy). Nie tylko za sprawą dynamicznej choreografii (za którą stoi przyjaciółka marki, Kasia Sokołowska), ale i równie charakternych projektów. MMC słynie bowiem z nonszalanckich form o doskonałych proporcjach (najczęściej w przeskalowanym wydaniu), ostrych cięć i nowoczesnych tkanin o ciekawych strukturach. Kocha streetwear, dlatego w ofercie marki nie brakuje ubrań do noszenia na co dzień. Flagowy produkt? Obszerna puchówka. Magda Butrym – polska projektantka mody, której projekty noszą zagraniczne gwiazdy Magda Butrym to już nasze dobro narodowe. W jej projektach regularnie pokazują się bowiem gwiazdy światowego formatu: Hailey Bieber, Bella i Gigi Hadid, Rihanna, Beyonce, Margot Robbie, przedstawicielki klanu Kardashian-Jenner, Lady Gaga i…. wymieniać można by jeszcze długo. Równie słynną fanką jest także Iga Świątek. Magda Butrym słynie z ubrań i dodatków z modnym ostatnio motywem róży, drapowanych sukienek i topów, ażurowych dzianin (w tym także bikini robionych na szydełku), przeskalowanych trenczy i koszul. Ultrakobiecych i pełnych seksapilu. Mariusz Przybylski Mariusz Przybylski projektuje nie tylko dla kobiet, ale i mężczyzn. W obu przypadkach słynie z fasonów podkreślających atuty sylwetki, a swoje kolekcje regularnie prezentuje podczas pokazów mody. Lubi prostotę i elegancję, ale niepozbawione finezji. Ważną rolę w jego twórczości odgrywają etyka i ekologia. Ostatnia kolekcja powstała z tkanin z odzysku. Ewa Minge Ewa Minge od lat jest znana i ceniona na całym świecie. Prezentowała swoje kolekcje na wybiegach w Mediolanie, Paryżu, Nowym Jorku, Barcelonie, Moskwie, Wiedniu, Genewie i Montrealu. Autorską markę modową założyła w 1989 roku jako 22-latka. Tworzy oryginalne kolekcje ubrań obejmujące projekty wieczorowe, sportowe, biznesowe, koktajlowe. Jej kreacje były wybierane przez wiele artystek i celebrytek, m.in. Kelly Rowland, La Toyę Jackson, Paris Hilton, Ivanę Trump i Cheryl Cole. Dawniej Minge kreowała również wizerunek pierwszej damy Jolanty Kwaśniewskiej. Obecnie dba o prezencję uczestniczek konkursów Elite Model Look i Miss Polonia. Polscy projektanci mody – Paprocki&Brzozowski Pojektanci mody Marcin Paprocki i Mariusz Brzozowski współpracują już od czasów studenckich. Po zaprezentowaniu swojej kolekcji dyplomowej na Wydziale Tkaniny i Ubioru ASP w Łodzi w 2002 roku zostali laureatami szeregu nagród i szturmem zdobyli polski rynek modowy. Obecnie pełnią rolę jurorów w wielu konkursach dla młodych projektantów. Szyją także kostiumy do filmów i seriali. Paprocki i Brzozowski znani są przede wszystkim z fantazyjnych projektów sukni wieczorowych i ślubnych. Ich kreacje na czerwonym dywanie chętnie prezentują aktorki i dziennikarki, m.in. Kinga Rusin, Katarzyna Figura, Monika Olejnik, Maja Ostaszewska i Joanna Krupa. Polscy projektanci mody – Gosia Baczyńska Gosia Baczyńska odkryła miłość do projektowania mody już w dzieciństwie. Jako 12-latka zaczęła szyć ubrania dla siebie i rodziny według własnych pomysłów. Po studiach na ASP we Wrocławiu wyjechała do Londynu, gdzie nabierała doświadczenia jako krawcowa w profesjonalnym atelier. Po powrocie do Polski założyła własną markę modową. W 2000 roku jej projekty zaczęły pojawiać się na okładkach najbardziej znanych magazynów modowych, takich jak Elle, Glamour czy InStyle. W 2002 roku zorganizowała pierwszy duży pokaz w Warszawie. Baczyńska jako pierwsza Polka została zaproszona do prezentacji swojej linii ubrań podczas Paris Fashion Week. Obecnie jej kobiece i zwiewne kreacje są doceniane nie tylko wśród znawców, ale i przez wiele klientek. Szczególną popularnością cieszą się oryginalne i romantyczne suknie ślubne. W 2017 roku w stylizacji projektu Gosi Baczyńskiej oficjalnie wystąpiła księżna Kate. Polscy projektanci mody – Łukasz Jemioł Projektant mody Łukasz Jemioł to jedno z najgorętszych nazwisk w branży. Jego projekty wyróżniają się prostotą i minimalizmem – głównym założeniem projektanta jest ich użyteczność w życiu codziennym. W swoich kolekcjach nie stroni od dzianiny, denimu i wiskozy. Łukasz Jemioł ukończył studia na ASP w Łodzi. Własną markę założył w 2007 roku. Jest laureatem stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za osiągnięcia w dziedzinie mody i sztuki. Jego ubrania sprzedawane są w salonach w Warszawie i Poznaniu oraz w sklepach internetowych. Projektant zajmuje się zarówno modą damską jak i męską. W kolekcjach jego autorstwa znajdziemy głównie bluzy, koszule, T-shirty, spodnie, kurtki, swetry i sukienki. Częstymi motywami są naszywki, nadruki, krata oraz paski. Stroje Jemioła są niezwykle lubiane przez polskie gwiazdy. Ich wielbicielkami są m.in. Magda Gessler, Jolanta Fraszyńska, Anja Rubik, Małgorzata Kożuchowska i Alicja Bachleda-Curuś. Polscy projektanci mody – Maciej Zień Maciej Zień swoją pierwszą kolekcję zaprezentował już jako 17-latek. Autorską markę założył kilka lat później, w 2000 roku. Jego projekty nawiązujące do paryskiego stylu szybko zdobyły międzynarodowe uznanie, czego owocem była prestiżowa nagroda Belvedere International Achievement Award. Polski projektant mody zaznacza, że celem jego strojów jest podkreślanie piękna kobiecego ciała i wydobywanie zmysłowości. W swojej pracy skupia się przede wszystkim na kreacjach wieczorowych. Wiele uwagi poświęca również zwiewnym i delikatnym sukniom ślubnym, które co roku prezentuje w specjalnej kampanii. Obecnie nazwisko Zienia jest synonimem luksusu i prestiżu. Nic zatem dziwnego, że projektant został wybrany na stanowisko kreatora wizerunku na Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni. W jego sukniach występowały m.in.: Aneta Kręglicka, Magdalena Boczarska, Grażyna Szapołowska, Małgorzata Socha i Agnieszka Dygant. Jego klientką jest także amerykańska aktorka Andie MacDowell. Maciej Zień interesuje się również projektowaniem wnętrz. W 2009 roku rozpoczął współpracę z marką Tubądzin, dla której stworzył linię płyt ceramicznych. Jest również autorem kolekcji dywanów i tkanin dla Fargotex Group oraz linii lamp dla Milagro. Maciej Zień projektuje także obuwie. Polscy projektanci mody – Joanna Przetakiewicz Joanna Przetakiewicz jest dyrektor kreatywną domu mody La Mania, który założyła w 2010 roku. Projektowaniem ubrań interesowała się już w szkole podstawowej. W wywiadach wspomina, że jako 9-latka po raz pierwszy samodzielnie uszyła sztruksowe bojówki. W liceum organizowała pokazy, na których w roli modelek występowały jej koleżanki z klasy. Mimo modowej pasji Przetakiewicz wybrała studia prawnicze – z wykształcenia jest radcą prawnym. W 1992 roku jeszcze jako studentka odkryła w sobie żyłkę przedsiębiorcy i razem z ówczesną szwagierką stworzyła sieć klinik dentystycznych, które w tamtym czasie były w Polsce całkowitą nowością. Kiedy zakładała La Manię, jej celem było podbicie rynku prêt-à-porter, czyli linii ubrań z seryjnej produkcji dostępnych w sklepach. Jej plan się powiódł, gdyż marka szybko zyskała międzynarodowe uznanie i trafiła do butików za granicą. Przetakiewicz w 2014 roku została jurorką programu TVN Project Runaway, który odkrywał młode talenty wśród kreatorów mody. Projektantka znana jest także z promowania udziału kobiet w biznesie. W 2018 roku rozpoczęła akcję Era Nowych Kobiet, która wspiera Polki prowadzące własne firmy.
Kultura na weekend: Serial „Becoming Karl Lagerfeld” odsłania to, co legendarny projektant wolałby ukryć. To m.in. nietypowa historia miłosna [recenzja]
Od 7 czerwca na platformie Disney+ można ogladać serial „Becoming Karl Lagerfeld”. To opowieść o tym, jak wyglądało życie projektanta, zanim stał się legendą. A droga na szczyt wcale nie należała do najłatwiejszych. Podobnie jak życie uczuciowe Lagerfelda.
W tym artykule: Serial „Becoming Karl Lagerfeld” rzuca światło na życie miłosne projektanta Karl Lagerfeld: Kim był zanim doszedł na szczyt Trudno wyobrazić go sobie bez charakterystycznego siwego kucyka w mocartowskim stylu. Białej koszuli marki Hilditch & Key – z wysokim, sztywnym kołnierzykiem, rowerowych rękawiczek z jagnięcej skóry oraz ciemnych okularów od Chanel. Jednak Karl Lagerfeld nie zawsze tak wyglądał. I, choć dziś trudno nam to sobie wyobrazić, nie zawsze był też dyrektorem artystycznym francuskiego domu mody, który przyniósł mu sławę. Jak jego życie (i on sam) wyglądało wcześniej? O tym opowiada serial „Becoming Karl Lagerfeld”, który od 7 czerwca 2024 roku, można oglądać na platformie Disney+. Serial „Becoming Karl Lagerfeld” rzuca światło na życie miłosne projektanta Niepewny swojego talentu i zakompleksiony z powodu lekkiej nadwagi skrzętnie ukrywanej nie tylko pod dopracowanym do perfekcji strojem, ale i gorsetem zaciskanym pod koszulą (!). Wiecznie porównujący się z Yves Saint Laurentem, swoim największym rywalem, uchodzącym za genialnego artystę (za którego Lagerfeld nie zawsze był wówczas uważany). I próbujący ukryć swoje niemieckie pochodzenie, które w Paryżu nie było zbyt mile widziane (zwłaszcza że Karl Lagerfeld należał do pokolenia „dzieci nazistów”, o czym w serialu przypomina jego matka, zdradzając, że ojciec wykorzystywał w swojej mleczarni pracowników przymusowych). Takiego go poznajemy za sprawą serialu „Becoming Karl Lagerfeld”. I właśnie taki Karl (w tej roli Daniel Brühl) wpada w oko Jacquesowi de Bascherowi (Théodore Pelerin), paryskiemu bon vivantowi. Z wzajemnością zresztą, bo – jak wiadomo – Karl Lagerfeld i Jacques de Bascher byli związani ze sobą przez całe swoje życie (aż do śmierci tego drugiego, który zmarł na AIDS w 1989 roku). Ich związek nie był jednak do końca typowy. Bo choć de Bascher był utrzymankiem projektanta, jego towarzyszem i przyjacielem, nigdy nie skonsumowali oni swojego związku. O czym zapewnił sam Lagerfeld w jednym z udzielonych przez siebie wywiadów. A projektant nie lubił mówić wiele o swoim życiu miłosnym. Wolał zachować je dla siebie. Dlatego mógłby nie być zadowolony, że to właśnie na nim w dużej mierze skupia się serial, który trafił właśnie na platformę Disney+. W tym także na romansie, który na początku lat 70. połączył de Baschera i Yvesa Saint Laurenta, z powodu którego Lagerfeld i tak miał już duże kompleksy. Karl Lagerfeld: Kim był zanim doszedł na szczyt To dlatego, że Yves Saint Laurent (którego również poznajemy bliżej za sprawą serialu, jego i jego relację z Pierrem Berge) uchodził za mistrza haute couture (wysokiego krawiectwa), do którego Lagerfeld długo aspirował. Można wręcz powiedzieć, że bardzo długo, bo dyrektorem artystycznym francuskiego domu mody Chanel został dopiero jako pięćdziesięciolatek. Za sprawą serialu „Becoming Karl Lagerfeld” dowiadujemy się, co robił wcześniej. Widzimy go przede wszystkim jako pracownika marki Chloé, z którą był związany przez lata. A także jako projektanta włoskiego domu mody Fendi, dla którego również projektował (i to aż do śmierci, równolegle piastując najwyższe stanowisko w Chanel). Co zaskakujące jednak, za sprawą disneyowskiej produkcji Lagerfelda poznajemy jako projektanta, który – choć pracowity i pełen pomysłów – wciąż poszukuje jeszcze swojego stylu i swojego miejsca w branży. Serial próbuje pokazać go więc nie jako człowieka-legendę i wizjonera, ale człowieka z krwi i kości. Czy się to udaje? Najlepiej oceńcie sami i same. Bo choć serial rzuca nowe światło na Lagerfeda, podkreślając, że projektant miał prawdziwe emocje, obrazuje również, jak skutecznie umiał utrzymać je na wodzy (nawet w najbardziej tragicznych momentach swojego życia). Przypomina także, że najważniejsza zawsze była dla niego praca – nawet jeśli czasem była tylko ucieczką. I chyba właśnie temu zawdzięcza sukces. „Becoming Karl Lagerfeld” to kolejny serial o wielkim projektancie mody, który w ostatnim czasie pojawił się na platformie Disney+. Poprzedni, „Picasso świata mody”, przybliżający sylwetkę Cristóbala Balenciagi okazał się być sukcesem. Nie mamy wątpliwości, że teraz będzie podobnie.
Ulubiona sukienka Francuzek na lato jak magnes przyciąga męskie spojrzenia. Nie sposób jej się oprzeć
Założysz ją zarówno na plażę, jak i na letnią imprezę w modnym klubie. I zrobisz wrażenie, bo sukienka szydełkowa zawsze wzbudza zainteresowanie. Nic dziwnego, że w swoich szafach mają ją najbardziej stylowe francuskie it-girls.
W tym artykule: Sukienki szydełkowe damskie – hit z lat 70. powraca w wielkim stylu! Sukienka szydełkowa H&M Sukienka szydełkowa Zara Szydełkowa sukienka plażowa Jane Birkin, największa chyba ikona francuskiego stylu lat 60. i 70. (mimo że była Brytyjką), nosiła ją prawie tak często, jak swój ulubiony koszyczek (przynajmniej do czasu, gdy w napadzie zazdrości jej ówczesny partner, Jacques Doillon, nie rozjechał go samochodem). Sukienkę szydełkową, bo właśnie o niej mowa, gwiazda zabierała nie tylko na wakacje nad Lazurowym Wybrzeżem, równie często pojawiała się w niej na ulicach Paryża – z dokładnością do bazarków, na których kupowała owoce i warzywa. Birkin sukienki szydełkowe zakładała zresztą nie tylko na co dzień, ale i na większe wyjścia. Co więcej, to właśnie w sukience szydełkowej w 1965 roku wyszła za mąż za Johna Barry'ego (ona miała wówczas 18 lat, on – 30. ). Sukienki szydełkowe damskie – hit z lat 70. powraca w wielkim stylu! W miłości do sukienek szydełkowych Jane Birkin nie była zresztą odosobniona. W latach 60. i 70. na fali kultu młodości, a także w wyniku fascynacji folklorem i rękodziełem, nosiły ją nie tylko Francuzki, ale i inne kontestatorki surowych norm społecznych, przestrzeganych jeszcze przez ich rodziców. Niezależnie od szerokości geograficznej. Najlepszy przykład? Woodstock. Dziś słabość do sukienek szydełkowych mają również skandynawskie it-girls, z Jeanette Madsen na czele. A także projektanci mody, którzy na sezon wiosna-lato 2024 wyjątkowo chętnie lansowali je na wybiegach. Wystarczy wspomnieć kolekcje marek, takich jak: Stella McCartney, Ulla Johnson, Akris, Bottega Venetta, MSGM, Missoni czy Gabriella Hearst. Trend zostanie z nami zresztą na dłużej, bo Ulla Johnson, The Garment, Frederick Anderson i... długo by wymieniać, sukienki szydełkowe proponują także na nadchodzącą jesień. I słusznie, są nie tylko efektowne, ale i bardzo wygodne. View Burdaffi on the source website Sukienka szydełkowa H&M Sukienki szydełkowe znaleźć można jednak nie tylko w kolekcjach światowej sławy projektantów. W ofercie mają je także polskie marki (Undress Code) oraz popularne sieciówki – Reserved, Mango czy H&M. W tej ostatniej wybór jest naprawdę ogromny. W kolekcji na wiosnę i lato 2024 kupić można zarówno sukienki szydełkowe maksi, jak i midi i mini. W eleganckich piaskowych odcieniach, białe, czarne, ale i w bardziej ekstrawaganckich odcieniach. Dopasowane do ciała oraz oversize. Dla każdego coś miłego – i to dosłownie, bo jako że zrobione z dzianiny, sukienki szydełkowe nie mogłyby być przyjemniejsze w dotyku. Niezależnie od tego, czy na szydełku są zrobione naprawdę czy też tylko tak wyglądają (a efekt uzyskano fabrycznie). Za to także je uwielbiamy. View Burdaffi on the source website Sukienka szydełkowa Zara W oko wpadła nam także przepiękna asymetryczna sukienka szydełkowa z Zary. Ze skromnym, okrągłym dekoltem, za to bez rękawów. Bez podszewki, dzięki czemu z powodzeniem można nosić ją na kostium kąpielowy. Szydełkowa sukienka plażowa Tym bardziej, że szydełkowa sukienka na plażę to jeden z najbardziej stylowych wyborów, jakiego można dokonać. Z powodzeniem zastąpi pareo, a jest od niego o wiele bardziej szykowna. Wystarczy założyć ją więc na kostium, by w przerwie od plażowania wybrać się na obiad do restauracji. Zwłaszcza, że do sukienki szydełkowej pasują nie tylko basenowe klapki, ale i eleganckie sandałki. Torebka-koszyczek będzie jak wisienka na torcie! View Burdaffi on the source website
Boho chic 2.0, czyli jak to się stało, że znów będziemy się ubierać jak Sienna Miller sprzed lat
To nie déjà vu. Styl boho naprawdę powraca. Jeśli więc należycie do millenialsów i w drugiej połowie lat 2000. inspirowałyście się Sienną Miller, nic nie stoi na przeszkodzie, by robić to także i teraz. Skąd ten pomysł? Wyjaśniamy.
W tym artykule: Boho chic 2.0 w kolekcji Chloé na jesień i zimę 2024/25 Ubrania i dodatki w stylu boho 2.0 Ikony stylu boho (sprzed lat) Czym różni się boho 2.0 od stylu przed lat? Trend boho powraca! Oczywiście, jak to już w modzie bywa, w nieco odświeżonym wydaniu. To zasługa Chemeny Kamali, nowej dyrektor artystycznej Chloé i jej debiutanckiej kolekcji dla tego domu mody. Mowa o kolekcji na jesień i zimę 2024/25, zaprezentowanej podczas ostatniego Paris Fashion Week. Boho chic 2.0 w kolekcji Chloé na jesień i zimę 2024/25 „To wynik tęsknoty za pewną nonszalancją, delikatnością i niczym nieograniczoną wolnością” – projektantka wyznała w rozmowie z magazynem Vogue Business. Dodając, że korzeni trendu należy szukać w latach 70., kiedy ludzie buntowali się przeciwko konwenansom – zarówno w życiu codziennym jak i seksualnym. Element wyzwolenia wyraźnie dostrzega się w kolekcji marki. Chemena Kamali kontynuuje bowiem modę na przezroczystości, które są jednym z najsilniejszych trendów także na wiosnę i lato 2024. I na wybiegu lansuje naked dresses z prześwitujących szyfonów i ażurowej koronki. O pokazie Chloé na jesień i zimę 2024/25 głośno zrobiło się jednak wcale nie za sprawą odważnych projektów, ale przede wszystkim z powodu zdjęć i filmów pierwszego rzędu, które, po tym, jak trafiły do sieci, momentalnie stały się wiralem. Wszystko za sprawą bliźniaczo podobnych stylizacji gościń – w szczególności ich butów – identycznych sandałów na koturnie. Kwestią czasu było więc, by stały się produktem flagowym marki i znakiem rozpoznawczym trendu. Zwróćcie uwagę, że w pierwszym rzędzie siedzi między innymi Sienna Miller, wielka fanka trendu sprzed lat. Ale do niej jeszcze tu wrócimy. Ubrania i dodatki w stylu boho 2.0 Ubrania i dodatki w stylu boho, które znów będą modne? Szukając odpowiedzi, warto przyjrzeć się temu, co marka koszule, bluzki i sukienki wykończone falbanami. Przy rękawach, dekoltach czy dolnej krawędzi. Podobne znaleźć można zresztą także w kolekcjach polskich marek. Sprawdźcie w Bizuu oraz w Le Petit Trou. Ale bluzki z falbanami to nie wszystko. Styl boho 2.0. definiują również: patchworkowe jeansy w niebieskim kolorze kozaki z ultrawysoką, marszczoną cholewą frędzle: przy kurtkach, sukienkach, torebkach i butach peleryny i poncha skóra: zamszowa i lakierowana View Burdaffi on the source website Bardzo ważne są także akcesoria, które stanowią dopełnienie trendu. Są to: torebki, które są w stanie zmieścić cały dobytek: XXL albo z niezliczoną ilością kieszeni złote naszyjniki, korale i inna biżuteria w rozmiarze XXL duże okulary przeciwsłoneczne szerokie opaski i kapelusze View Burdaffi on the source website To właśnie ich należy szukać w kolekcjach także bardziej popularnych marek. Ikony stylu boho (sprzed lat) Kompletując stylizacje w stylu boho 2.0 nie wahajcie się zainspirować nie tylko wspomnianą już Sienną Miller, która oklaskiwała pokaz Chloé ubrana w białą slip dress wykończoną koronką, obszerną kurtkę ze skóry oraz słynne już buty na koturnie. A w latach 2000. – jeszcze jako dziewczyna Jude'a Law – nosiła także: dopasowane jeansy, tuniki w kwiaty, zwiewne topy na ramiączkach i inne ubrania i dodatki na pograniczu styli hippie i indie sleaze. Równie dobrą inspiracją są stylówki sprzed lat bliźniaczek Olsen – Ashley i Mary Kate, które dwadzieścia late temu miały słabość do powłóczystych sukienek z koronki, folkowych kamizelek, sznurów korali i kapeluszy. Sentyment do nich mają zresztą do dziś. Czym różni się boho 2.0 od stylu przed lat? Warto jednak zwrócić uwagę, że współczesny styl boho różni się od tego, który popularnością cieszył się przed laty. Można powiedzieć, że jest bardziej dojrzały. Nabrał elegancji i wyrafinowania. Zapomnijcie więc o pstrokatych wzorach i krzykliwych kolorach, nadszedł czas stonowanej kolorystyki – beży, brązów, kości słoniowej. Poprawność polityczna zabrania też bezpośrednich zapożyczeń z innych obszarów kulturowych. Biżuterii nosimy mniej. Nie ubieramy się już też tak bardzo warstwowo. W cenie jest jakość i prostota. Tak, ta ostatnia obroni się nawet, gdy mowimy o stylu boho. WIęcej mody znajdziesz w nowym, kwietniowym numerze Glamour: View Burdaffi on the source website
Cristóbal Balenciaga. „Picasso świata mody”, którego nawet Dior nazywał mistrzem. Powstał serial o legendarnym projektancie
Zaczął szyć już jako dziecko i robił to praktycznie przez całe swoje życie, za każdym razem dążąc do doskonałości. Z sukcesem. To właśnie dlatego Christian Dior nazwał go „mistrzem nas wszystkich”, a Hubert Givenchy „architektem haute couture”. Cristóbal Balenciaga to człowiek-legenda. Nie dziwi więc, że właśnie powstał o nim serial. Premiera 19 stycznia na Disney+.
W tym artykule: Balenciaga Cristóbal: „Jedyny prawdziwy couturier” i jego droga na szczyt Cristóbal Balenciaga: Serial Balenciaga: Dalsze losy domu mody Nie przypominam sobie, by którykolwiek z projektantów doczekał się aż tylu obrazowych przydomków, które można by wykorzystać w artykule na temat tego, kim był i co tworzył. Cristóbal Balenciaga jest pod tym względem w absolutnej czołówce. Pewnie by się ucieszył, bo lubił być najlepszy. „Picasso świata mody” – mówił o nim Cecil Beaton, brytyjski scenograf i kostiumograf. To „jedyny couturier w prawdziwym znaczeniu tego słowa” –mawiała o nim Coco Chanel, „architekt haute couture” – dodał projektant Hubert de Givenchy, a jego kolega po fachu, Christian Dior podsumował: „jest mistrzem nas wszystkich”. Nic dziwnego, był nie tylko doskonałym krawcem, ale i innowatorem w świecie mody, którego przekonanie, że moda nie powinna być ograniczeniem dla kobiecego ciała, na zawsze zmieniło sposób patrzenia na nie także przez innych projektantów. Dzięki wykorzystaniu przestrzeni miedzy ciałem a ubraniem, „tworzył doskonałe stroje dla niedoskonałych ciał. Dzięki czemu i one stawały się piękne” (tak z kolei powiedział o nim historyk Eloy Martinez de la Pera), przy okazji zamieniając ubranie w prawdziwe dzieło sztuki. O jego drodze na szczyt opowiada serial „Cristóbal Balenciaga”, który od 19 stycznia oglądać można na Disney+ (o czym za chwilę). Balenciaga Cristóbal: „Jedyny prawdziwy couturier” i jego droga na szczyt Można powiedzieć, że umiejetność szycia wyssał z mlekiem matki. Cristóbal Balenciaga urodził się bowiem 21 stycznia 1895 roku jako syn szypra oraz szwaczki, Martiny Eizaguirre. To właśnie w jej niewielkiej pracowni krawieckiej uszył swoje pierwsze ubranie – kubraczek dla kota, by niewiele później skopiować (za jej zgodą) strój spacerowy markizy de Casa Torres, znamienitej klientki matki. Tak zaczęła się jego, trwająca całe życie, przygoda z szyciem i projektowaniem ubrań dla elit. Choć był Hiszpanem – pochodził z nadmorskiej miejscowości Getaria w Kraju Basków, w północnej części kraju – kwestią czasu było tylko, by podbił Paryż, stolicę ówczesnej mody. Pomimo tego, że z sukcesami prowadził działalność w Hiszpanii (początkowo pod nazwą C. Balenciaga, później – Balenciaga y CompañÍa, Cristóbal Balenciaga czy EISA Costura), przeniósł się bowiem do Francji po wybuchu hiszpańskiej wojny domowej. Dom mody przy Avenue George V założył w lipcu 1937 roku wspólnie ze swoim partnerem życiowym (o polskich korzeniach) Władziem Jaworowskim d'Attanville oraz inwestorem, Nicolasem Bizcarrondo. Cristóbal Balenciaga: Serial To właśnie na latach, które Hiszpan spędził w Paryżu koncentruje się serial „Cristóbal Balenciaga”, który swoją premierę ma 19 stycznia 2024 roku na Disney+. To nie tylko opowieść o tym, jak Balenciaga zdołał przekonać do siebie prasę i francuską klientelę , ale przede wszystkim portret psychologiczny artysty, który początkowo wcale się nim nie czuł, dopiero poszukując własnego stylu. Być może, wcale go nie polubicie, bo serial odsłania także mroczne strony osobowości Balenciagi. Jego chorobliwy wręcz perfekcjonizm, który choć niewątpliwie przyczynił się do sukcesu projektanta, bywał uciążliwy nie tylko dla otoczenia, ale i dla niego samego. Aspołeczność, przez którą jego twarz pozostawała nierozpoznawalna, mimo że nazwisko znał każdy. A także konformizm – boleśnie obnażony w odcinku poświęconym okupacji Paryża przez nazistów). Ale być może tym bardziej warto obejrzeć serial, by przekonać się, że Cristóbal Balenciaga był człowiekiem z krwi i kości. W tle oczywiście najsłynniejsze projekty mistrza (w tym suknia ślubna dla królowej Belgów, Fabioli), a także życie paryskich elit od czasów wojny po schyłek lat 60. Będzie więc okazja, by nie tylko bliżej poznać Cristóbala Balenciagę, ale i innych projektantów: Christiana Diora, Coco Chanel czy Huberta de Givenchy. Przyjrzeć się ich wzajemnym relacjom i zależnościom (szczególnie przyjaźni z ostatnią dwójką), które do oczywistych nie należały. „Balenciaga był prawdziwym artystą. Tworzył coś wyjątkowego i niepowtarzalnego” – powiedziała nam kostiumografka serialu, Bina Daigeler (nominowana do Oscara m.in. za film aktorski „Mulan”), zdradzając przy okazji kulisy powstawania kostiumów (replik kreacji projektanta). To była prawdziwa odpowiedzialność. Czułam niepokój, bo zależało mi nie tylko, żeby jak najdokładniej oddać projekty mistrza, ale i pokazać, jak wielką sztuką jest haute couture i ile serca projektanci wkładają w powstawanie projektów, które w dzisiejszych czasach są już na wymarciu. Ale trema minęła, kiedy tylko weszłam w cały ten kreatywny proces. Dodała także: „Różnica między byciem artystą, a byciem kostiumografem, jest taka, że nie tworzę tylko dla siebie. Moja praca musi spełniać oczekiwania reżysera, być wyrazem tego, co on chce zobaczyć, ale i pomóc aktorowi wejść w skórę bohatera. Pracuję w zespole. Muszę być też więc trochę psychologiem”. Balenciaga: Dalsze losy domu mody Jeśli obejrzycie serial, dowiecie się, że Cristóbal Balenciaga nie chciał, by jego dom mody funkcjonował po jego śmierci. Zadbał o to nawet, zamykając go w 1968 roku i przechodząc na emeryturę. Jak wiadomo jednak, życie napisało inny epilog tej historii. Projektant zmarł zaledwie cztery lata po zamknięciu domu mody (23 marca 1972 roku), a po jego śmierci spadkobiercy Balenciagi postanowili sprzedać prawa do marki. W 1978 roku sprzedano ją niemieckiej firmie farmaceutycznej Hoechst AG, jednak 7 lat później trafiła w ręce grupy perfumeryjnej Jacques Bogart, która postanowiła powrócić do tradycji krawieckich, zatrudniając na stanowisku głównego projektanta Michela Gomę. Początkowo jednak, również wbrew samemu Balenciadze, dom mody poszedł z duchem czasów i postawił na prêt-à-porter. Kolejnym dyrektorem artystycznym był Josephus Melchior Thimister, którego w 1997 roku na stanowisku zastąpił Nicolas Ghesquière. To właśnie on, mimo że miał wówczas jedynie 25 lat, sprawił, że o marce znów zrobiło się głośno. Między innymi za sprawa torebek „First” oraz „City”. Ghesquière w 2012 roku przeniósł się jednak do Louis Vutton. Marka Balenciaga była już wówczas częścią grupy Gucci, należącej do koncernu Kering. Stery objął Alexander Wang, który miał wnieść do firmy „ducha nowoczesności”. Prawdziwą rewolucję dom mody Balenciaga przeszedł jednak po tym, jak dyrektorem artystycznym został Gruzin Demna Gvasalia, który stanowisko piastuje do dziś. To przewrotne, że to właśnie on decyduje teraz o estetyce Balenciagi, trudno bowiem o większe przeciwieństwo mistrza. Zdekonstruowane projekty i toporne sneakersy nie są tym, pod czym podpisać chciałby się Cristóbal Balenciaga. Chcecie wiedzieć więcej o Cristóbalu Balenciadze? Sięgnijcie po książkę „Balenciaga”, która pod koniec ubiegłego roku ukazała się nakładem Wydawnictwa Arkady. Ta nieduża, ale bogato ilustrowana książeczka to solidna porcja wiedzy na temat projektanta w pigułce. Przydała mi się w pracy nad artykułem i zapewniła rozrywkę na kilka zimowych wieczorów.
Soft girl style - na czym polega cute estetyka prosto z TikToka? Podpowiadamy, jak ubrać się w tym stylu
Soft girl style to więcej niż moda. To słodka, dziewczęca rewolucja, która znalazła swoje miejsce nie tylko w szafach, ale także w sercach młodych entuzjastek tego stylu dzięki aplikacji TikTok. Prześledźmy razem, jak stylizować się i malować, aby stać się częścią tej uroczej subkultury.
W tym artykule: Czym jest styl soft girl? Jak być „soft dziewczyną"? Skąd wziął się styl soft girl? Osobowość soft girl Stylizacje w stylu soft girl Makijaż w stylu soft girl Soft girl style zdobył serca młodych kobiet, wprowadzając do ich życia nutkę słodyczy, delikatności, kreatywności i romantycznej nostalgii. Należy jednak zaznaczyć, że to nie tylko styl ubierania się, ale prawdziwa filozofia życia. Czerpiąc inspirację z lat 90., japońskiego Kawaii i popkultury, soft girl tworzy unikalną estetykę, która nie tylko odzwierciedla się w ubiorze i makijażu, ale także w postawie i wyrażaniu siebie przez sztukę. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej na temat tego dziewczęcego stylu. Czym jest styl soft girl? Soft girl style (znany również jako softie) to subkultura młodzieżowa, która po raz pierwszy pojawiła się wśród nastolatek mniej więcej od połowy do końca 2019 roku. Soft girl to nie tylko moda, która rozprzestrzeniła się viralowo dzięki popularnej aplikacji. To również styl życia, popularny wśród młodych kobiet, który swój sukces zawdzięcza mediom społecznościowym. Największą popularność zawdzięcza aplikacji TikTok, gdzie filmy pod hashtagiem „soft girl" obejrzano już 2.8 biliona razy. Jeżeli choć raz w ostatnim czasie włączyłaś TikToka, na pewno słyszałaś trendujący dźwięk. W słowach Julii Fox I know the influence. I know the impact and i know the vibes and girlies loves the vibe" a wszystko to zawiera trend soft girl, więc nic dziwnego, że pokochały go dziewczyny na całym świecie. View oEmbed on the source website Jak być „soft dziewczyną"? Soft girl to słodki i bardzo dziewczęcy styl, który opiera się na uroczym wyglądzie i postawie. Stereotypowa soft girl ubrana jest od stóp do głów w pastelowe kolory, a jej zaróżowione policzki pokryte są domalowanymi piegami. Jej włosy zdobią spinki z motylkami. Można powiedzieć, że estetyka soft girl to odpowiedź na japońskie Kawaii, jednakże soft girl style bardziej stonowany i minimalistyczny. Ten styl ma swoją reprezentację we współczesnej popkulturze. Popularyzację estetyki „soft dziewczyny" przypisuje się piosenkarce i autorce tekstów Arianie Grande. Popularne soft girls z których stylu możesz czerpać inspiracje pełnymi garściami: Ariana Grande, Sydney Sweeney, Taylor Swift. Pozowały w skąpych ubraniach i sugestywnych pozach. Były symbolem kobiecej urody, a mężczyźni nie mogli oderwać od nich wzroku Styl pin-up - zastanawiasz się, czym jest i jakie są jego charakterystyczne elementy? A może wybierasz się na imprezę w tym stylu i nie wiesz co na siebie włożyć? O nic się nie martw. Choć lata jego świetności przypadają na lata 50-te i 60-te XX wieku, do dziś cieszy się popularnością i bez problemu skompletujesz stylizację w tej estetyce. W tym artykule przedstawimy wszystko, co musisz wiedzieć o stylistyce pin-up girls. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej. Skąd wziął się styl soft girl? Trudno wskazać dokładne źródło estetyki „soft girl". Niektórzy znawcy przypisują narodziny tego stylu lalkom Bratz, ukochanym zabawkom dziewczyn, które miały budować ideę feminizmu, przyjaźni i różnorodności. Nie moglibyśmy mówić o estetyce soft girl, nie wspominając wyjątkowych, barwnych postaci znanych z popkultury takich jak Cher Horowitz z Clueless i Reginie George z Mean Girls (choć w tym drugim przypadku, niekoniecznie możemy mówić o charakterze „soft girl"). Nie mniej jednak, obie dziewczyny swoim stylem znakomicie wpisują się w tę estetykę. W swoich stylizacjach stawiają na jasne, a jednocześnie delikatne kolory, takie jak błękit nieba, różowy i pastelowy żółty, które stanowią idealną podstawę każdego procesu tworzenia stroju w stylu soft girl. Ostatecznie „soft girl aesthetics" to połączenie uroku osobistego ze stonowanym, casualowym stylem w dziewczęcej odsłonie. Osobowość soft girl Należy pamiętać, że soft girl style to nie tylko estetyka. To również słodka, delikatna i wrażliwa osobowość, więc bądź uśmiechnięta i wykazuj pozytywne podejście do życia. Soft girl to również bycie wrażliwą na potrzeby innych, okazywanie empatii i chęć niesienia pomocy innymi. W tym stylu ważna jest również kreatywność. Wyrażaj swoją poprzez sztukę - rysunek, malarstwo, grafikę, muzykę, czy nawet pisarstwo. W modzie trend ten obejmuje głównie pastelowe kolory, powrót do Y2K, anime, K-pop oraz ubrania inspirowane latami 90., a także urocze i nostalgiczne nadruki z pluszowymi zwierzętami, puszyste poduszki i inne miękkie, przytulne przedmioty. Stylizacje w stylu soft girl Stylizacje w stylu soft girl obejmują szeroką gamę elementów odzieżowych, kolorów i dodatków, które współgrają z uroczym i dziewczęcym wyglądem. Oto kilka charakterystycznych elementów stylizacji soft girl: Pastelowe kolory Soft girl kocha pastelowe odcienie, takie jak róż, mięta, fiolet, błękit, czy jasny żółty. W tym stylu dominują delikatne, łagodne kolory. Nostalgiczne ubrania Styl soft girl w dużej mierze zainspirowany jest latami 90. Spotkasz w nim takie elementy jak koszulki i bluzy z nadrukami z epoki, spódnice ołówkowe, a także kraciaste wzory. Słodkie nadruki Ubrania z nadrukami pluszowych zwierząt, kwiatów, motyli, bańkami mydlanymi, a także postaciami z kreskówek czy mangi to częste motywy powtarzające się w tym stylu. Koronki i tiule Elementy z koronki, tiulu czy falbanek dodadzą stylizacji w stylu soft girl delikatności i dziewczęcego uroku. Akcesoria Słodkie akcesoria, takie jak kolorowe gumki do włosów, spinki do włosów z postaciami z kreskówek, czy ozdoby do włosów w kształcie kwiatów lub motyli to znak rozpoznawczy soft girl. Kolczyki i biżuteria Soft girl rozpoznasz po delikatnych kolczykach w formie kwiatów, serc czy motywów zwierzęcych. Cienka biżuteria w postaci łańcuszków czy bransoletek to również częsty wybór. Pamiętaj, że kluczowym elementem stylu soft girl jest indywidualność i wyrażanie siebie poprzez modę. Warto eksperymentować z różnymi elementami i dostosować je do własnego stylu, tworząc unikalne i urocze stylizacje. Styl grunge – czym jest, jak się ubrać i wykonać makijaż w tym stylu Styl grunge to nie tylko muzyczna retrospekcja do lat 90. i dyskografia Nirvany, ale również sposób na wyrażenie swojej indywidualności i niezależności. Nieważne, czy sięgasz po flanelowe koszule, wyblakłe jeansy czy charakterystyczne martensy – kluczowe jest, aby wyrazić swój własny, niekonwencjonalny styl. Oto kompletny przewodnik po subkulturze grunge. Makijaż w stylu soft girl Styl soft girl to również charakterystyczny makijaż, który podkreśla naturalne piękno i wygląda bardzo dziewczęco. To tak naprawdę kolejna wariacja obok „clean girl look" na temat makijażu „no-makeup makeup". Oto jak wykonać makijaż w tym stylu krok po kroku: Krok 1.Delikatna baza Skóra w makijażu soft girl wygląda świeżo i naturalnie, dlatego nie zakrywaj jej ciężkim podkładem. Sięgnij po lekki lub lub krem BB, aby naturalnie wyrównać koloryt i rozświetlić skórę. Ilość pudru ogranicz do minimum, aby zachować naturalny, zdrowy blask cery. Krok 2. Pastelowe cienie do powiek Powieki podkreśl cieniami w pastelowych odcieniach, takimi jak róż, fiolet, błękit czy zielenie. Mają być delikatne, ale cały czas ich zadaniem jest zdefiniowanie spojrzenia, dlatego na powiekach narysuj kreskę w stylu Ariany Grande. Dodaj delikatnie połyskujący cień w wewnętrznych kącikach oczu, aby oczy wydawały się bardziej otwarte. Krok 3. Róż na policzkach Delikatnie zaaplikuj róż na kościach policzkowych i nosie, aby uzyskać uroczy, zdrowy wygląd zarumienionej twarzy. Krok 4. Dziewczęce akcenty W przypadku makijażu soft girl, cały urok tkwi w szczegółach. Aby przemienić się w soft girl, w swoim makijażu dorysuj delikatne piegi. Krok 5. Naturalne brwi Brwi w stylu soft girl mają naturalny kształt i są tylko delikatnie podkreślone cieniem do powiek. Możesz je wyczesać bezbarwnym żelem do brwi, aby nadać im optymalną formę. Krok 6. Naturalne usta Soft girls używają delikatne, naturalne odcienie pomadek lub błyszczyków, które podkreślają ich kolor. Kolejny ceniony produkt do ust w tej estetyce to olejek. Podsumowując, styl soft girl to nie tylko moda, ale również sposób wyrażania siebie i swojej osobowości poprzez delikatne, dziewczęce elementy. Inspirując się latami 90., japońskim Kawaii i popkulturą, soft girl tworzy unikalną estetykę, która zdobyła ogromną popularność, szczególnie wśród młodych kobiet. Jednak styl soft girl to nie tylko zewnętrzna prezencja - to również pozytywna postawa, empatia i chęć wyrażania siebie poprzez sztukę. Czy już wiesz, co oznacza bycie soft girl?
Styl grunge – czym jest, jak się ubrać i wykonać makijaż w tym stylu
Styl grunge to nie tylko muzyczna retrospekcja do lat 90. i dyskografia Nirvany, ale również sposób na wyrażenie swojej indywidualności i niezależności. Nieważne, czy sięgasz po flanelowe koszule, wyblakłe jeansy czy charakterystyczne martensy – kluczowe jest, aby wyrazić swój własny, niekonwencjonalny styl. Oto kompletny przewodnik po subkulturze grunge.
W tym artykule: Czym jest jest styl grunge? Muzyka grunge Grunge jako styl życia i moda Grunge jako manifestacja buntu Jak ubierać się w stylu grunge? Makijaż w stylu grunge Czym jest grunge? czytaj dalej, by dowiedzieć się więcej. Czym jest jest styl grunge? Styl grunge to subkultura i styl muzyczny, który narodził się w latach 80. i 90. XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Jego korzenie można odnaleźć w alternatywnej scenie muzycznej, zwłaszcza w Seattle w stanie Waszyngton. Grunge stał się ważnym elementem kultury młodzieżowej, przynosząc ze sobą nie tylko nowe brzmienia muzyczne, ale także specyficzny styl życia, modę i postawę. Niekwestionowanym liderem tego stylu był Kurt Cobain, frontman kultowego zespołu Nirvana. Był ikoną lat 90., a jego stylem inspirowali się nastolatkowie na całym świecie. Styl grunge to nie tylko pewien sposób ubierania się czy brzmienie muzyczne, ale także subkultura, która ewoluowała w opozycji do mainstreamowej kultury lat 80. i wczesnych lat 90. Grunge był reakcją na komercjalizację muzyki i przemysłu modowego, promując prostotę, nonszalancję i autentyczność. Muzyka grunge Grunge jako subkultura jest nierozerwalnie związany z muzyką. Muzyczni przedstawiciele tego gatunku to zespoły, które wyłoniły się z tzw. „Seattle Sound”. Do najbardziej znanych grup, tworzących w nurcie grunge, należą Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam i Alice in Chains. Charakterystyczną cechą grunge'owej muzyki jest brudne brzmienie, wykorzystanie gitarowego distortion oraz surowe i emocjonalne teksty, które często poruszały tematy związane z alienacją społeczną, frustracją czy ze sprzeciwem wobec konwencji społecznych. Motywy poruszane w muzyce grunge: Frustracja i zagubienie w życiu zawodowymi i społecznym, brak sensu życia, alienacja społeczna, poczucie odłączenia i obcości wobec społeczeństwa, krytyka norm społecznych, które są często uważane były za fałszywe lub opresyjne, ból emocjonalny i trauma, depresja i lęk, problemy ze zdrowiem psychicznym, uzależnienia, krytyka niesprawiedliwości społecznych, korupcji i nierówności, ostrzeżenie przed utratą wartości na rzecz materializmu i egoizmu, odrzucenie komercjalizmu i konsumpcjonizmu, krytyka nadmiernej komercjalizacji alternatywnej sceny muzycznej. Te tematy stanowiły integralną część tekstu piosenek grunge, tworząc głębokie i często mroczne narracje, które rezonowały z doświadczeniami młodego pokolenia w latach 80. i 90. XX wieku. Grunge jako styl życia i moda Grunge wyrażał się nie tylko poprzez muzykę, ale także specyficzny styl życia i modę. Młodzi ludzie identyfikujący się z tą subkulturą odrzucali konwencjonalne normy społeczne i kulturowe. Ich styl ubierania był zazwyczaj nonszalancki, surowy i nieformalny. Popularne stały się rozciągnięte swetry, zniszczone dżinsy, flanelowe koszule i ubrania przypominające te z drugiej ręki. Młodzież grunge'u przeciwstawiała się modowym trendom dominującym w tamtym okresie. Grunge jako manifestacja buntu Styl grunge był również manifestacją buntu przeciwko establishmentowi i mainstreamowej kulturze lat 80. Przedstawiciele tej subkultury odrzucali konwencje społeczne, komercjalizację muzyki oraz masową kulturę konsumencką. Ruch grunge'owy był jednym z przejawów niezadowolenia artystycznego i społecznego, a teksty piosenek często krytykowały społeczeństwo, system polityczny czy konserwatywne wartości. Wpływ stylu grunge na kulturę Grunge miał ogromny wpływ na kulturę lat 90. i wpłynął na rozwój innych gatunków muzycznych, a także na modę i sposób myślenia młodego pokolenia. Mimo że jako zjawisko kulturowe styl grunge osiągnął szczyt popularności w latach 90., jego wpływ jest nadal obecny w dzisiejszych czasach, zarówno w muzyce, jak i w modzie czy postawach społecznych. Jak ubierać się w stylu grunge? Garderoba w stylu grunge jest odzwierciedleniem nieformalnego stylu, pozornej niedbałości, ale jednocześnie wyraża pewną autentyczność. Oto charakterystyczne elementy garderoby w tym stylu: Flanelowe koszule Flanelowe koszule są ikonicznym elementem stylu grunge. Noszone luzem, przeważnie rozpięte, tworzą swobodny i niedopracowany look. Wyblakłe, sprane jeansy Jeansy w stylu grunge to te, które już przeszły pewien proces zużycia. Wyblakłe, przetarte i noszone z nonszalancją odzwierciedlają ducha tamtej epoki. Oversize Nadmiar tkaniny i luźne kroje to kluczowe cechy stylu grunge. Ubrania oversize, dużo warstw i luz - to recepta na idealny grunge'owy outfit. Buty typu martensy Buty te stały się jednym z symboli stylu grunge. Solidne i charakterystyczne, idealnie pasują do surowego wyrazu tego stylu. Jeżeli nie chcesz zakładać ciężkich butów, znakomite będą również klasyczne, czarne trampki. Kurtki typu „flannel” lub „bomber” Kurtki flanelowe lub bomberki to doskonałe dopełnienie stylizacji grunge. Niedopracowane detale i wyrazisty charakter podkreślają esencję tego stylu. Rozciągnięte swetry Rozciągnięte swetry to ikoniczny element stylu grunge zaczerpnięty prosto z szafy frontmana Nirvany, Kurta Cobaina. Cobain był znany nie tylko ze swojego niekonwencjonalnego podejścia do muzyki, ale także z charakterystycznego stylu ubierania, który wyrażał nonszalancję i luz. Jego preferencja do noszenia rozciągniętych swetrów, które zdawały się być kilka rozmiarów za duże, stała się kluczowym elementem w modzie grunge. View Burdaffi on the source website Grunge nie tyle był tylko modą, również wyrazem indywidualności, buntu i rezygnacji z konwencji. Kurt Cobain nie tylko definiował brzmienie tego gatunku muzycznego, ale także wpływał na sposób, w jaki młodzież wyrażała się poprzez swój wygląd, przekształcając rozciągnięte swetry w symbol niezależności i postawy artystycznej. To dzięki niemu ten element garderoby stał się nieodłącznym elementem ikonografii muzycznej i kultury subkulturowej lat 90. Makijaż w stylu grunge Makijaż w stylu grunge przeczy perfekcyjnemu wykończeniu, za to znakomicie podkreśla naturalność i nonszalancką niedbałość. Aby wykonać ten makijaż w stylu lat 90. unikaj zbyt skomplikowanych technik i pozostaw miejsce na pewną dozę niedoskonałości. Postaw na delikatne, stonowane kolory, rozmyty eyeliner i podkreślone usta. Inspirując się makijażem Courtney Love, dziewczyny Kurta Cobaina, warto skupić się na kilku kluczowych elementach, aby osiągnąć lekko zaniedbany, grunge'owy efekt makijażu: Postaw na delikatny podkład i korektor, które subtelnie ujednolicą koloryt skóry, nie ukrywając jej naturalnych niedoskonałości. Wybierz stonowane cienie do powiek w odcieniach ziemi, takie jak brązy, beże i szarości. Unikaj mocnych, intensywnych kolorów. Kredka do oczu rozmyta w nieco niedbały sposób. Rzęsy mogą być delikatnie podkreślone tuszem, ale bez przesadzonej ilości lub sztucznych rzęs – postaw na naturalny, nieformalny wygląd. Pomaluj usta na czerwono lub użyj bezbarwnej pomadki lub błyszczyka. Nadaj policzkom odcień delikatnego, naturalnego rumieńca. Nie dbaj zbytnio o precyzję w makijażu brwi, pozostaw je naturalne, delikatnie podkreśl tylko w miejscach, gdzie to konieczne. Unikaj zbyt perfekcyjnego makijażu. View Burdaffi on the source website W dzisiejszych czasach styl grunge kontynuuje swoje dziedzictwo, wpływając na współczesne trendy mody i kultury. To nie tylko chwilowy przebłysk stylu, ale także trwały sposób na manifestację niezależności i kreatywności. Współczesny grunge to wyraz buntu, który wciąż inspiruje do tworzenia unikalnych, indywidualnych stylizacji.
Glam rock – na czym polega ten styl? Oto jak ubrać się w stylu gwiazd rocka lat 70.
Glam rock to styl, który powstał w latach 70. XX wieku. To nie tylko gatunek muzyczny, ale pełna blasku subkultura przeplatająca muzykę, modę i sztukę. Artyści tego okresu przedefiniowali muzyczne brzmienie i stworzyli symboliczną dla dekady estetykę. Ekscentryczne stroje, błyszczące akcenty, androgyniczne wizerunki – to tylko niektóre z elementów, jakie na zawsze zapisały glam rock na kartach historii i do dziś mają wpływ na popkulturę. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej na temat tego stylu.
Skąd wziął się styl glam rock? Glam rock to gatunek muzyczny i subkultura, która narodziła się w Wielkiej Brytanii w latach 70. XX wieku. Ten odważny i ekstrawagancki styl wyrażał się zarówno w muzyce, jak i w wizerunku artystów. Początki glam rocka związane są z artystami takimi jak David Bowie i T. Rex, którzy wprowadzili nowy rodzaj teatralności do muzyki pop. Ich ekscentryczne stroje, androgyniczne wizerunki i kontrowersyjne teksty przyciągnęły uwagę młodzieży i wywołały rewolucję kulturową, przyczyniając się do powstania stylu, który dziś nazywamy glam rockiem. Artyści stylu glam rock Queen, David Bowie, Prince, Alice Cooper, Elton John, KISS, New York Dolls. Moda glam rock Glam rock to nie tylko muzyka, to także pełnoprawna subkultura, która przekłada się na wyrazisty styl i modę. Artystyczne ubrania, lśniące tkaniny, platformy i wręcz nadmiar błysku to charakterystyczne elementy mody glam rockowej. Stroje tego okresu były często odważne, seksowne i zmysłowe, a artyści nie wstydzili się eksponować swojej androgynicznej strony. Niektórzy z nich, na przykład David Bowie, mieli swoje własne linie odzieżowe. Co więcej, współpracowali z wybitnymi projektantami, aby stworzyć kostiumy, które do dziś są rozpoznawalne na całym świecie. Ikoniczne kostiumy Davida Bowiego były zaprojektowane przez Freddiego Burrettiego, włączając słynny strój „Ziggy Stardust”. Projektanci stylu glam rock Wśród ikonicznych projektantów czasów świetności glam rocka należy również wymienić Ossiego Clarka. Ten brytyjski projektant mody znany był z projektowania skąpych, kolorowych strojów popularnych wśród artystów tamtych czasów. Jego kreacje były odważne i nie bały się eksponować ciała. Sklep odzieżowy Biba w Londynie był mekką mody glam rockowej. Jego właścicielka, Barbara Hulanicki, projektowała ubrania, które były modne, ekstrawaganckie i przesiąknięte duchem tego okresu. Nie możemy również zapomnieć o Vivienne Westwood. Chociaż Westwood stała się bardziej znana w latach 80. dzięki swojemu wkładowi w ruch punk, to jej wczesne projekty były zainspirowane glam rockiem. Jej odważne i kontrowersyjne ubrania wpłynęły na modę i styl tego okresu. Elementy garderoby w stylu glam rock W garderobie w stylu glam każdy element stroju odgrywa ważną rolę, tworząc wspólną, teatralną całość – od falban i błyszczących kurtek po platformy i kapelusze. To wybór odważnych i ekscentrycznych elementów, definiuje nie tylko ten styl, również postawę życiową. Przechodząc przez kluczowe elementy tej niezapomnianej estetyki, widzimy jak glam rock nieustannie inspiruje dzisiejsze pokolenia miłośników mody, tworząc unikalny język wyrażania siebie. Jeśli chcesz ubrać się w stylu glam rock, oto kilka niezbędnych elementów garderoby: Koszule z falbanami, obcisłe spodnie rurki, błyszczące kurtki i kamizelki. buty na platformie, czapki i kapelusze, kombinezony ze spandexu, brokat, skórzane lub jedwabne kurtki. Wszystkie te elementy garderoby łączą się, tworząc niezapomniany wizerunek, który jest jednocześnie odważny i elegancki. Styl glam rock to więcej niż tylko ubrania – to manifestacja kreatywności i odwagi, która trwa i nadal inspiruje kolejne pokolenia miłośników mody. View Burdaffi on the source website Makijaż w stylu glam rock Makijaż w stylu glam rock jest niezwykle charakterystyczny i odważny. Makijaż w stylu glam rock to wyraz artystycznej ekstrawagancji, a jego odważne elementy stanowiły nie tylko dopełnienie całego wizerunku, ale również wyrażenie twórczej wolności i buntu. Ten styl nadal inspiruje miłośników mody i makijażu, którzy chcą eksperymentować i tworzyć oryginalne, efektowne looki. Oto co go wyróżnia: Wyrazisty makijaż oczu Glam Rock Głównym punktem makijażu w tym są oczy. Artystyczne i wyraziste makijaże oczu w stylu glam rock ma im nadać wyrazisty i dramatyczny charakter. Aby osiągnąć ten efekt, malowano intensywną kreskę na powiece. Często była to kreska w kształcie kociego kota, rozciągnięta w kierunku skroni, aby stworzyć efekt migoczących oczu. Często sięgano po kolorowe cienie do powiek. Najpopularniejsze były jaskrawe odcienie, takie jak niebieski, fioletowy, złoty lub srebrny. Stosowano je zarówno na górnej, jak i dolnej powiece, aby zintensyfikować odcień źrenicy. View Burdaffi on the source website Makijaż ust w stylu glam rock W makijażu w stylu glam rock podkreślano nie tylko oczy – stawiano również na wyraziste usta. Artystki i artyści tego okresu często malowali usta na jaskrawe kolory lub je ozdabiali brokatem, aby uzyskać jak najbardziej spektakularne efekty. Czerwone, różowe, pomarańczowe lub purpurowe pomadki cieszyły się ogromną popularnością. Makijaż ust miał być intensywny i przyciągający uwagę. Dla jeszcze większego rozmachu, usta przyozdabiano brokatem. W przypadku makijażu w stylu glam rock więcej znaczy więcej. Fryzury w stylu glam rock Styl glam rock był nie tylko znany z ekstrawaganckiego makijażu i odważnych strojów, ale także z charakterystycznych fryzur, które pomagały artystom wyrazić swoją osobowość i podkreślić indywidualność. Te kultowe fryzury glam rocka odzwierciedlały ducha tego okresu, który zachęcał do odważnych wyborów i kreatywności w zakresie stylizacji włosów. Były one nie tylko znakiem rozpoznawczym artystów, ale również symbolem całej subkultury glam rockowej. Oto lista kultowych fryzur związanych z glam rockiem: Fryzura mullet, czyli krótsza góra i dłuższa tylna część, zarówno u kobiet jak i u mężczyzn, Długie, falujące włosy, lakierowane i stylizowane w sposób, który nadawał im objętości, Nastroszone włosy w stylu punk, Krótka grzywka, Ekscentryczne fryzury, Afro, Fryzury androgyniczne. Fryzury z odważnymi kolorami – różowe, niebieskie czy zielone włosy. Glam rock to więcej niż tylko muzyka – to styl życia i wyraz artystycznej ekstrawagancji. Błyszczące stroje, odważne fryzury i intensywny makijaż to tylko niektóre z elementów, które sprawiają, że ten styl jest niezapomniany i nadal inspiruje dzisiejsze pokolenia artystów i miłośników mody. Styl glam rock – wpływ na kulturę Glam rock nie tylko zrewolucjonizował modę, ale także wpłynął na sposób, w jaki ludzie wyrażają swoją tożsamość i indywidualność. Styl ten przekraczał granice płciowe, co było szczególnie widoczne w androgynicznych wizerunkach artystów. David Bowie, będący ikoną glam rocka, był jednym z pionierów w łamaniu norm dotyczących ubioru i wyglądu, co miało ogromny wpływ na kształtowanie się późniejszych trendów i mody. Jednak glam rock to nie tylko kwestia wyglądu, ale także postawy życiowej. Subkultura ta promowała odwagę, bunt i wolność wyrażania siebie. Artystyczne eksperymenty, nietypowe połączenia w modzie oraz kontrowersyjne teksty piosenek były manifestacją artystycznej niezgody na status quo oraz chęci odrzucenia konwencji społecznych. Glam rock współcześnie Dziedzictwo glam rocka trwa nadal. Ten styl cały czas ma wpływ na trendy muzyczne, modę i kulturę. Odwaga i skłonność do artystycznych eksperymentów epoki glam rock stały się inspiracją dla wielu współczesnych twórców, którzy w tej stylistyce poszukują środków wyrazu i indywidualności. Glam rock to nie tylko chwilowy przebłysk mody i dźwięku, to manifestacja odwagi, buntu i wolność wyrażania siebie, która trwa nie tylko na scenie, ale także w sercach tych, którzy cenią kreatywność ponad konwencje. W dzisiejszych czasach możemy dostrzec elementy glam rocka w wielu współczesnych trendach mody, zwłaszcza w tych, które eksplorują granice i nie boją się wyrażać oryginalności. To potwierdza trwałe dziedzictwo tego ekstrawaganckiego stylu. Styl glam rock przekroczył granice czasu i cały czas na wpływ na kulturę popularną. Śmiały, oryginalny i nieustraszony charakter tego stylu nadal inspiruje kolejne pokolenia do przełamywania konwencji i wyrażenia swojej indywidualności. Dziedzictwo glam rocka to nie tylko zbiór ikonicznych utworów muzycznych czy niezapomnianych strojów, ale także filozofia artystycznego buntu, która nadal podtrzymuje płomień kreatywności. Jego wpływ na społeczeństwo nie ogranicza się jedynie do wyglądu czy dźwięku; to również manifestacja postawy wolnościowej, która wciąż zachęca do śmiałości w wyrażaniu swojej autentyczności. Czy już wiesz, czym jest styl glam rock?
„Brzydkie buty” podbiły serca gwiazd i entuzjastek mody. Co stoi za fenomenem Tabi, czyli najbardziej kontrowersyjnych butów ostatnich sezonów?
Budzą skrajne emocje, a wielbicielek mają niemalże tyle samo, co przeciwniczek. Choć ostatnio robi się o nich coraz głośniej, mają na swoim koncie już 30-letni staż w świecie mody i kilkusetletnią historię. Tabi, czyli kontrowersyjne buty przypominające kopyta, cieszą się obecnie niemałą popularnością wśród gwiazd. Dlaczego?
W tym artykule: Tabi – od japońskich robotników do wybiegów czołowych domów mody Zendaya, Dua Lipa, Rosalía – gwiazdy kochają Tabi W modzie obuwniczej nie od dziś znane jest hasło ugly shoes. W ten sposób opisywane były (i są) m.in. dad sandals, czyli szerokie sandały z dwoma paskami na rzepy i szeroką podeszwą, które po prostu przypominają buty noszone przez naszych ojców. Tym samym określeniem jeszcze nie tak dawno opisywano sneakersy o charakterystycznym sportowym wyglądzie (przykładem mogą tu być New Balance 530), które dziś są uważane za absolutne must have w szafie każdej entuzjastki mody. Od lat niemałe poruszenie i skrajne emocje budzą także tabi, czyli rozcięte między palcami buty, o konstrukcji nadającej stopie wygląd kopyta. Na czym polega ich fenomen? Tabi – od japońskich robotników do wybiegów czołowych domów mody W świecie mody po raz pierwszy pojawiły się w 1988 roku w debiutanckiej kolekcji Martina Margiela. Pierwsze modele autorstwa belgijskiego projektanta oblane były czerwoną farbą, by kroczące po wybiegu modelki odciskały niepowtarzalny kształt przypominający kopyto. W końcu Tabi słyną właśnie z niecodziennej formy, która oddziela duży palec stopy od pozostałych, sprawiając, że obuwie przypomina racice. Końcówka lat 80. XX wieku to jednak nie pierwszy raz, gdy świat usłyszał o kontrowersyjnych i budzących skrajne emocje butach. Korzenie Tabi sięgają bowiem aż XV wieku. To właśnie wówczas na masową skalę zaczęto w Japonii produkować skarpetki, te jednak nie do końca pasowały do tradycyjnych japonek, które oddzielają duży palec od pozostałych. W związku z tym powstały dwupalczaste skarpety i nazwano je właśnie „Tabi”, co niemalże natychmiast stało się absolutnym fenomenem w Japonii i spotkało się z ogromnym entuzjazmem społeczeństwa. Jako że był to czas kompleksowych struktur i klasizmu, natychmiast wprowadzono kolorystyczną regulację skarpet, która odpowiadała określonym grupom społecznym. Kolorowe nosili artyści, niebieskie zwykli śmiertelnicy, białe zarezerwowane były natomiast na wyjątkowe okazje. Kilkaset lat później do obiegu w Japonii trafiły tenisówki Jika-tabi, których gumowa podeszwa, podobnie jak w przypadku skarpet, rozdzielała palce stóp. Jak japońskie buty trafiły do amerykańskiego mainstreamu? Za sprawą japońskiego maratończyka Shigeki Tanaka, który w 1951 roku zwyciężył Maraton Bostoński właśnie w podszytych gumą butach Tabi, które zostały wyprodukowane przez firmę dziś znaną pod nazwą Asics (niegdyś Onitsuka). Potem pojawiły się na wybiegu wspomnianego już Martina Margieli, a w 1996 roku firma Nike wypuściła własny model Tabi, który dumnie nosiła m.in. Madonna. Po mieszanym odbiorze obuwia w świecie mody nastała cisza i wydawać by się mogło, że japoński nietypowy fason odejdzie w zapomnienie. Dziś nic nie wskazuje na to, by świat mody zapomniał o awangardowym pomyśle Japończyków. Wręcz przeciwnie. Kilka lat temu Balenciaga w kolaboracji z włoską marką Vibram wypuściła buty na obcasach z „przegródkami” na wszystkie pięć palców. Matthew Williams w debiutanckiej kolekcji dla Givenchy zaprezentował natomiast rozwiązanie z trzeba palcami. Co więcej, racicopodobne obuwie w ostatnim czasie cieszy się niemałą popularnością wśród zagranicznych gwiazd. Zendaya, Dua Lipa, Rosalía – gwiazdy kochają Tabi Obecne od trzydziestu lat buty Tabi nie tracą na swoim awangardowym potencjale. Ba, w ostatnim czasie zyskują na wartości. Po budzący sprzeczne uczucia, kontrowersyjny model coraz chętniej sięgają zagraniczne gwiazdy. Na początku lipca na balerinki marki Maison Margiela postawiła Zendaya, która założyła ugly shoes na randkę z Tomem Hollandem, zestawiając je z czarnymi garniturowymi spodniami raz długą tuniką z rozcięciem po boku. Tabi ankle-strap balerina shoes, bo tak nazywają się kontrowersyjne baleriny, pojawiły się także w stylizacji Dua Lipy, która ubrała je do białej klasycznej koszuli i jeansów z prostą nogawką. Rosalía stawia na Tabi w eleganckim wydaniu z czarną sukienką i prześwitującym topem, Cardi B lansowała je natomiast zarówno w casual wersji z podartymi dżinsami i białym gorsetem, jak i bardziej sportowym looku z dresami oraz dużym T-shirtem Supreme. Wygląda na to, że gwiazdy nie boją się eksperymentować z kontrowersyjnymi butami, które mają niemalże tyle samo zwolenniczek, co przeciwniczek. Za co kochają Tabi? Trudno powiedzieć, jednak odpowiedź na to pytanie może kryć się w wypowiedzi Dominika Halas ze sklepu The Real Real (czyli second-handu z markami luksusowymi) w rozmowie z serwisem Highsnobiety, który stwierdził, że ekscentryczne, przekraczające granice wcześniej uznanych kanonów projekty Martina Margieli, Rei Kawakubo czy Yohjiego Yamamoto pomogły zredefiniować estetykę świata mody, zakwestionować kanony piękna i wprowadzić na wybiegi często awangardowe pomysły. To właśnie m.in. buty Tabi o niecodziennej, niespotykanej i budzącej skrajne emocje formie stały się symbolem kwestionowania estetycznych kanonów w modzie. Czym jest Skinny Boy Era? Timothée Chalamet i spółka wyznaczają nowy wzór męskości? Czy samiec alfa odchodzi do lamusa? A wraz z nim patriarchat? Czy to koniec toksycznej męskości? Mamy taką nadzieję, patrząc na chłopaków, którzy realizują męskość na najróżniejsze sposoby, nie wstydzą się uronić łzy, stawiają na emocje, wyrażają je, zamiast dusić w sobie i prężyć muskuły, malują paznokcie i noszą spódnice, jeśli mają na to ochotę. Wśród nich nasi crushe: Timothée Chalamet, Harry Styles, Damiano David, Pete Davidson...
Sarah Jessica Parker, Kim Kardashian i inne gwiazdy mody spotkały się, by świętować 25-lecie ulubionej torebki Carrie Bradshaw!
To jedna z najbardziej ikonicznych torebek na świecie. „Bagietka” włoskiego domu mody Fendi nie dość, że odegrała ważną rolę w „Seksie w wielkim mieście” i do dziś jest ulubienicą gwiazd, to jeszcze stała się inspiracją dla innych marek do stworzenia ich własnych wariacji na jej temat. „Baguette” Fendi właśnie obchodzi swoje 25. urodziny i właśnie z tej okazji w Nowym Jorku odbył się pokaz domu mody, na którym spotkały się największe nazwiska branży. Kto? I co dokładnie się działo? Jest o czym opowiadać!
W tym artykule: „Baguette” Fendi świętuje 25-lecie powstania! Jak wygląda? Plejada gwiazd na pokazie Fendi na wiosnę-lato 2023 zorganizowanym z okazji jubileuszu torebki „Baguette” Pokaz Fendi na wiosnę-lato 2023: W finale Marc Jacobs i Linda Evangelista Na pewno doskonale ją pamiętacie. W końcu to właśnie jej poświęcony był jeden z najbardziej emocjonujących odcinków „Seksu w wielkim mieście”. Tak, ten w którym Carrie została napadnięta na jednej z bocznych nowojorskich uliczek. „To nie jest zwykła torebka” – felietonistka próbowała powiedzieć złodziejowi, kiedy ten zażądał jej oddania. Co, jak pewnie wiecie, wcale nie poprawiło sytuacji. Torebka, którą Carrie miała wówczas przy sobie, dziś jest jednym z najbardziej ikonicznych modeli. Do czego niewątpliwie obecność w kultowym serialu zdołała się przyczynić. Tym bardziej, że model „Baguette” włoskiego domu mody Fendi powstał niewiele wcześniej, bo w 1997 roku. Nietrudno więc obliczyć, że właśnie mija 25 lat od jego powstania. I właśnie z tej okazji, 9 września 2022 roku, w Nowym Jorku (a nie jak zwykle w Mediolanie) odbył się wyjątkowy pokaz mody Fendi. Bo choć była to także prezentacja kolekcji na wiosnę i lato 2023, w centrum uwagi była właśnie „bagietka”. A na jej „urodziny” przyszła cała plejada gwiazd – z Sarą Jessiką Parker i Kim Kardashian na czele. Słynne fashionistki siedziały zresztą obok siebie w pierwszym rzędzie. Każda oczywiście z kultową torebką u boku. „Baguette” Fendi świętuje 25-lecie powstania! Jak wygląda? Niedużą torebkę na ramię o charakterystycznym wydłużonym kształcie, któremu model zawdzięcza swą nazwę, zaprojektowała jedna z sióstr, stojących za marką Fendi – Silvia Venturini. Inspiracją były właśnie bagietki, z którymi najbardziej stylowe paryżanki często chodziły po mieście, trzymając je pod pachą. To właśnie dlatego „Baguette” Fendi wyposażona jest w niezbyt długi pasek – praktyczny i wygodny, ale umożliwiający trzymanie torebki dokładnie w tym miejscu. I słusznie, bo dzięki temu model sprawdza się nie tylko na co dzień, ale i podczas większych wyjść – na przykład na imprezie (z torebką pod pachą swobodnie możecie tańczyć!). Wylansowana przez Fendi „bagietka” szybko stała się inspiracją także dla innych domów mody, a także popularnych marek. By stać się szczęśliwą posiadaczką torebki-bagietki nie musicie więc wydawać majątku. Stworzone na jej wzór modele bez trudu znajdziecie w kolekcjach polskich marek (takich jak choćby Mako czy L37), a nawet w sieciówkach (CCC, Mango, Reserved). Do wyboru, do koloru! Tym bardziej, że bagietki od kilku sezonów znów są jednym z najmodniejszych modeli, uwielbianych przez gwiazdy, takie jak: Kendall Jenner (nie rozstaje się z tą torebką na ramię!), Bella Hadid, Hailey Bieber czy Kim Kardashian. <a name="Plejada+gwiazd+na+pokazie+Fendi+na+wiosn%C4%99-lato+2023+zorganizowanym+z+okazji+jubileuszu+torebki+%E2%80%9EBaguette%E2%80%9D+Pokaz+Fendi+na+wiosn%C4%99-lato+2023%3A+W+finale+Marc+Jacobs+i+Linda+Evangelista" id="Plejada+gwiazd+na+pokazie+Fendi+na+wiosn%C4%99-lato+2023+zorganizowanym+z+okazji+jubileuszu+torebki+%E2%80%9EBaguette%E2%80%9D+Pokaz+Fendi+na+wiosn%C4%99-lato+2023%3A+W+finale+Marc+Jacobs+i+Linda+Evangelista">Plejada gwiazd na pokazie Fendi na wiosnę-lato 2023 zorganizowanym z okazji jubileuszu torebki „Baguette” Pokaz Fendi na wiosnę-lato 2023: W finale Marc Jacobs i Linda Evangelista Ta ostatnia zresztą była jedną z gwiazd, która pojawiła się na wspomnianym jubileuszowym pokazie Fendi, który odbył się właśnie podczas nowojorskiego tygodnia mody. Nie ona jedyna – na show zaproszono całą plejadę gwiazd! Obok Kim w pierwszym rzędzie zasiadła Sarah Jessica Parker, której – z wiadomych powodów – nie mogło zabraknąć podczas wydarzenia. Ich wspólne zdjęcie (główne) robi zresztą furorę w internecie. Podobnie jak zdjęcia z finału pokazu, na którym pojawiła się dawno niewidziana na wybiegu topmodelka – Linda Evangelista (tak, to właśnie ona ubolewała ostatnio, że została oszpecona na skutek operacji plastycznych, co spowodowało u niej głęboką depresję i wycofanie z życia publicznego). Na wybiegu nie zabrakło także Belli Hadid (w końcu i ona jest wielką fanką torebki). A wśród gości pojawiła się także sama papieżyca mody – Anna Wintour. Kolejna ciekawostka? Na pokazie pojawił się także Marc Jacobs. Słynny amerykański projektant został poproszony o zaprojektowanie kilku sylwetek na potrzeby show! Nie dziwi więc, że wydarzenie spotkało się z ogromnym zainteresowaniem ze strony branży. A samą „Baguette” odmieniano przez wszystkie przypadki. Kultowa torebka na wybiegu pojawiła się między innymi w formie mufki,torebki-nerki, plecaka a nawet naszyjnika (w wersji mikro)! Niebieską wersję – w odcieniu „Tiffany blue” stworzyła także legendarna biżuteryjna marka, którą także zaproszono do współpracy. Przekonajcie się zresztą, zaglądając do naszej galerii.
Słynną sukienkę Carrie Bradshaw można teraz kupić w popularnej hiszpańskiej sieciówce! To nawiązanie do jednego z najbardziej ikonicznych projektów w historii mody
Na pewno pamiętacie tę sukienkę. Carrie Bradshaw pojawiła się w niej aż dwukrotnie – najpierw w 17. odcinku sezonu 3. „Seksu w wielkim mieście”, później – drugiej części filmu na bazie serialu. Newspaper dress, bo właśnie o niej mowa, to jeden z najbardziej legendarnych projektów w historii mody. Właśnie zainspirowała się nim hiszpańska marka Stradivarius.
W tym artykule: Newspaper dress – kultowa sukienka Carrie Bradshaw z „Seksu w wielkim mieście” to projekt Johna Galliano Newspaper dress z sieciówki? Teraz kupicie ją w Stradivariusie! Newspaper dress – Jak nosić? [pomysły na stylizacje] Są tu fanki Carrie Bradshaw? A zwłaszcza jej garderoby? Mamy dla was dobrą wiadomość. Jedną z legendarnych sukienek nowojorskiej felietonistki można kupić teraz w popularnej sieciówce. No, może nie całkiem identyczną, ale łudząco podobną. To inspiracja nie tylko „Seksem w wielkim mieście”, ale i (a może przede wszystkim) jednym z ikonicznych projektów w historii mody. Newspaper dress – kultowa sukienka Carrie Bradshaw z „Seksu w wielkim mieście” to projekt Johna Galliano Sarze Jessice Parker, a także stylistce „Seksu w wielkim mieście”, Patricii Field, sukienka podobała się tak bardzo, że Carrie Bradshaw pokazała się w niej dwukrotnie. Po raz pierwszy w 17. odcinku 3. sezonu kultowego serialu, a następnie w drugim filmie pełnometrażowym nakręconym na podstawie produkcji. Za każdym razem robiąc tak samo dobre wrażenie. Nic dziwnego, wyglądała absolutnie obłędnie! I niezwykle oryginalnie, bo sukienkę zdobił bardzo charakterystyczny print inspirowany... gazetą codzienną. Na białym tle nadrukowane były więc fragmenty artykułów i zdjęcia. Nie bez przyczyny sukienka dostała nazwę Newspaper dress (w wolnym tłumaczeniu – sukienka gazetowa) i... przeszła do legendy. Nie tylko zresztą za sprawą Carrie Bradshaw, ale przede wszystkim jej twórcy – Johna Galliano, ktróry zaprojektował ją dla domu mody Christian Dior. Newspaper dress, czyli zadrukowana na wzór wymyślonej na potrzeby projektu gazety „Christian Dior Daily” sukienka na ramiączkach, była gwiazdą kolekcji francuskiego domu mody na jesień-zimę 2000/2001 roku. To właśnie ona – obok tiulowej sukienki Carrie z finałowego odcinka serialu, szpilek od Manolo Blahnika oraz torebki-bagietki Fendi, stały się znakiem rozpoznawczym najsłynniejszej z czterech przyjaciółek, przyczyniając się do stworzenia jej niezapomnianego, eklektycznego stylu. Newspaper dress z sieciówki? Teraz kupicie ją w Stradivariusie! Chcecie poczuć się jak Carrie? Teraz to możliwe. Sukienka łudząco podobna do newspaper dress dostępna jest teraz w sprzedaży w jednej z popularnych sieciówek, a konkretnie – hiszpańskim Stradivariusie. To wynik powrotu mody z lat 2000., która przeżywa właśnie renesans popularności. A to jeszcze nie koniec dobrych wiadomości. By stać się posiadaczką „gazetowej” sukienki ze Stradivariusa nie trzeba wydawać majątku, bo nie kosztuje nawet 100 zł. Kupicie ją już za 89,90! Jeśli wpadła wam w oko, śpieszcie się. W sklepie online marki zostały już tylko dwa rozmiary – XS i S, większych (M i L) trzeba już poszukać w sklepach stacjonarnych, bo w sieci zdążyły wyprzedać się co do sztuki. Nic dziwnego. Sukienka ma nie tylko świetny krój, ale i ultramodną w tym sezonie długość mini. A także eleganckie satynowe wykończenie. Newspaper dress – Jak nosić? [pomysły na stylizacje] Newspaper dress, zgodnie z sugestią sieciówki można nosić do metalicznych sandałków na szpilce i złotych kolczyków-kół, które także (znów) mają swoje 5 minut. Można zainspirować się także influencerką Juliette Foxx, która do podobnego modelu założyła sandały z transparentnego plastiku, marynarkę oversize – również w gazetowy print oraz niedużą torebkę w pepitkę. My natomiast do newspaper dress włożymy ciężkie martensy (ewentualnie japonki na platformie) oraz torebkę-bagietkę także w stylu Carrie. Efekt wow gwarantowany!
W latach 2000. nosiły ją Paris Hilton, Jessica Simpson i Christina Aguilera. Teraz kontrowersyjna spódnica powraca!
Mikromini (tak, dobrze czytacie) to jedna z najmodniejszych spódnic na lato 2022. I kolejny przykład na to, że wciąż mamy sentyment do mody z lat 2000. Przed laty ultrakrótką spódniczkę mini nosiły Paris Hilton, Britney Spears czy Christina Aguilera, dziś robią to znane z Instagrama fashionistki. Dołączycie do nich?
W tym artykule: Mikromini: Trend z lat 2000. powraca! Jak nosić mikromini? Pomysły na stylizacje Pamiętacie, jak pisaliśmy, że influencerki masowo kopiują look z pokazu Miu Miu na wiosnę-lato 2022? Jeśli tak, na pewno pamiętacie, że jego bazą była spódniczka mini. A właściwie mikromini, bo wąski pasek tkaniny z charakterystycznymi zakładkami z przodu i dwiema kieszeniami z tylu ledwo zakrywał pośladki (do tego stopnia, że kieszenie wystawały spod spódniczki). Co było tym bardziej kontrowersyjne, bo włoski dom mody zestawił mikrominispódniczkę z równie krótką koszulą i sweterkiem – całkiem odsłaniającymi brzuch. Nie zmienia to faktu, że zestaw nie tylko się przyjął, ale i stał się wiralem. W efekcie hitem stała się także sama spódniczka. Nic dziwnego, w ślad Miu Miu poszły też inne marki (w tym popularne sieciówki), które mikromini również wprowadziły do swoich kolekcji. A wszystko to na fali powrotu mody z lat 2000. Po spodniach-biodrówkach, crop topach i spódnicach jeansowych to kolejna rzecz z epoki, która w sezonie wiosna-lato 2022 powróciła w wielkim stylu! Mikromini: Trend z lat 2000. powraca! W latach 2000. mikromini nosiły wszystkie ówczesne ikony stylu: Paris Hilton i jej młodsza siostra Nicki, Nicole Richie, Jessica Simpson, Britney Spears i jej największa konkurentka Christina Aguilera, a także top modelki – Cindy Crawford i Kate Moss. Mikromini wcale nie musiała być jednak plisowana. Hitem były skąpe dżinsówki, wysadzane nitami spódniczki skórzane, mikromini typu cargo (w militarnym stylu), a także modele zdobione falbankami. Gwiazdy najczęściej nosiły do nich przyciasne T-shirty, topy na ramiączkach w stylu boho albo dopasowane do ciała (i ledwo dopinające się na brzuchu) żakieciki albo – jak Christina Aguilera na rozdaniu MTV Music Awards w 2002 roku – topy z dekoltem typu halter. I wiecie co? Jeśli dziś pójdziecie w ich ślady, wcale nie będzie to modowym faux pas. Wręcz przeciwnie – wykażecie się znajomością najgorętszych trendów. Podziękujcie przedstawicielom generacji Z, którzy pod wpływem fascynacji lekką nutką żenady, trendy z lat 2000. przywrócili do łask za pośrednictwem TikToka. Jak nosić mikromini? Pomysły na stylizacje Przyklasnęły im zresztą także współczesne influencerki. Do mikromini – nie tylko tej od Miu Miu, ale i Blumarine – słabość mają: Bella Hadid, Rihanna, Willow Smith czy Megan Fox. Które podpowiadają, że warto założyć do nich klasyczny, prosty tank top z prążkowanej dzianiny (najlepiej w białym kolorze), crop top (czyli dokładnie jak w latach 2000.) albo krótki kardigan z trudem dopinający się na wysokości biustu. Nic nie stoi jednak na przeszkodzie, by – na zasadzie kontrastu – mikromini zestawić z T-shirtem oversize. I zarzucić na niego jeansową katanę albo marynarkę oversize. Dopełnieniem stylizacji niech będą ciężkie buty – botki albo (w gorące dni) japonki na platformie, kowbojki albo martensy. A także nieduża torebka-bagietka, która także pamięta lata 2000. W końcu latem można pozwolić sobie na odrobinę ekstrawagancji!
Trend z lat 90. powraca! Torebki, do których słabość miała Carrie Bradshaw znów noszą dziś największe fashionistki
Bagietki – małe torebki na ramię, które były wszechobecne w późnych latach 90., powracają w wielkim stylu. Przed laty nosiła je Carrie Bradshaw, teraz wśród fanek są Kendall Jenner, Bella Hadid i Jessica Mercedes. Gdzie kupić torebki bagietki? Wskazujemy najpiękniejsze modele.
W tym artykule: Torebka bagietka – ulubienica Carrie Bradshaw powraca w wielkim stylu! Torebka bagietka – historia i ciekawostki Bagietki – modne torebki na lato 2022! Gdzie je kupić? Torebka bagietka – ulubienica Carrie Bradshaw powraca w wielkim stylu! Scena, w której Carrie Bradshaw musi ją oddać złodziejowi w jednym z odcinków Seksu w wielkim mieście to jeden z najgorszych momentów w historii serialu. Zwłaszcza dla głównej bohaterki. „To nie jest zwykła torba!” – próbuje tłumaczyć, ale tylko pogarsza sprawę. Bo niewielka torebka na ramię, którą ma przy sobie to projekt Fendi – legendarnego już włoskiego domu mody. A konkretnie model Baguette, który, mimo że powstał stosunkowo niedawno, bo w 1997 roku, na dobre zapisał się na kartach historii mody i dziś uchodzi już za kultowy. View oEmbed on the source website Torebka bagietka – historia i ciekawostki Projekt Silvii Venturini, jednej z sióstr Fendi stojącej za marką, powstał pod wpływem inspiracji paryżankami, które przemykały po mieście z bagietką pod pachą. Stąd zresztą nazwa torebki, a także jej podłużny kształt. No i niezbyt długi pasek umożliwiający zawieszenie torebki na ramieniu – właśnie tuż pod pachą. Choć pomysł wydawał się zbyt ekstrawagancki, jak na ówczesne czasy, jednak się przyjął. Tylko w ciągu pierwszego roku od pojawienia się modelu na rynku, torebka sprzedała się w ponad stu tysiącach egzemplarzy! Rozpropagował ją nie tylko Seks w wielkim mieście, ale i gwiazdy. Z „bagietką” pod pachą paradowały Jennifer Lopez, Julia Roberts, Naomi Campbell, Paris Hilton i... można by wymieniać jeszcze długo. Wszystkie kobiety, które na przełomie lat 90. i 2000. interesowały się modą miały w swoich szafach „bagietki”. Zwłaszcza, że podłużne torebki na ramię do swoich kolekcji wprowadziły także inne marki, a nazwą „bagietka” określa się już nie tyle model co właśnie fason. W grudniu 2020 roku te nieduże, na pozór niepraktyczne torebki powróciły. Nie tylko za sprawą domu mody Fendi, który postanowił reaktywować model, pokazując go na wybiegu oraz w kampanii, do której zaangażowano Sarę Jessikę Parker (bo kogoż by innego), ale i za sprawą innych topowych marek – na czele z Bottega Veneta. Nie dziwi więc, że znów noszą je gwiazdy. W swoich szafach mają je między innymi Kendall Jenner i Bella Hadid, Chiara Ferragni, a także Jessika Mercedes. Które torebki-bagietki pod pachą noszą już kolejny sezon z rzędu. I nic nie wskazuje na to, by w niedalekiej przyszłości miało się to zmienić. Bagietki – modne torebki na lato 2022! Gdzie je kupić? Torebki typu baguette znajdziecie wśród najnowszych propozycji światowych, ale i rodzimych marek. Ten model ma w swojej kolekcji chociażby Zosia Chylak. Warto w niego zainwestować, bo bagietka wykonana z wysokiej jakości skóry będzie wam służyć przez lata! Szeroki wybór torebek bagietek znajdziecie także w CCC – w niezliczonej ilości kolorów do wyboru. Bagietki dostępne są zresztą także w innych sieciówkach, na przykład Mango czy Reserved. Kilka z nich szczególnie wpadło nam w oko. Może wam też się spodobają?
Indie sleaze powraca! Szalony styl z lat 2000. kochały Kate Moss, Sienna Miller i Blake Lively w „Plotkarze”. Pamietacie?
Nonszalancki styl indie sleaze, który w drugiej połowie lat 2000. stanowił obowiązujący dress code letnich festiwali, powraca! To jeden z najsilniejszych trendów na sezon wiosna-lato 2022. Czym się charakteryzuje? Przypominamy!
W tym artykule: Indie sleaze – styl z lat 2000. powraca! To silny trend na lato 2022 Ubrania w stylu indie sleaze Ikony stylu indie sleaze Nie sądziłam, że kiedykolwiek to powiem. A już na pewno nie sądziłam, że nastąpi to tak szybko, ale... to były czasy! Słuchałam The Kooks, Arctic Monkeys, The Lumineers, a potem jeszcze moich ukochanych Mumfordów (Mumford & Sons), dla których specjalnie przyjechałam na jednego z Openerów. Regularnie bywałam zresztą wtedy na letnich muzycznych festiwalach. Oczywiście odpowiednio ubrana, tym bardziej, że moda festiwalowa płynnie przenikała wówczas także do codziennej miejskiej garderoby. Była druga połowa lat 2000., a welurowe dresy, spodnie biodrówki i etui na smartfony zdobione kryształkami Swarovskiego przebił styl indie. Nonszalancki, rock'n'rollowy, seksowny. Nic dziwnego, że wszyscy stracili dla niego głowę. A przynajmniej wszyscy hipsterzy, ale to właśnie oni wyznaczali wówczas, co jest „in”, a co już nie. Teraz znów możemy brać z nich przykład, bo indie sleaze właśnie powraca! Wystarczy zobaczyć, co już dzieje się na Instagramie. Czym dokładne jest indie sleaze i jak ubrać się w tym stylu? Zapraszamy na podróż sentymentalną. Indie sleaze – styl z lat 2000. powraca! To silny trend na lato 2022 O indie sleaze przypomnieliśmy sobie pod koniec ubiegłego roku za sprawą TikTokerki Mandy Lee (@OldLooserOfBrooklyn). To właśnie ona użyła po raz pierwszy tego terminu (wcześniej mówiło się raczej – „hipsterski styl”) i przewidziała jego wielki powrót, który nastąpić miał między innymi za sprawą... pandemii. A właściwie tego wszystkiego, za czym w czasie izolacji tęskniliśmy. „Ludzie są spragnieni kontaktów społecznych i przejawów kreatywności” – zauważyła TikTokerka, podkreślając, że obowiązujący 15 lat temu nurt indie sleaze idealnie wyrażał to, czego teraz tak bardzo nam brakuje. Świat kręcił się bowiem wówczas wokół ludzi, sztuki i muzyki – to nas wszystkich łączyło i napędzało. Charakterystyczny styl był temu podporządkowany. Narzucili go zresztą początkowo sami muzycy, którzy – pomimo młodego wieku nie stronili od ubrań i dodatków znalezionych w szafach swoich dziadków. Ale stylizowali je po swojemu, zestawiając je z rzeczami typowo imprezowymi albo fasonami podkreślającymi sylwetkę. Jakimi? Już wyjaśniamy. Ubrania w stylu indie sleaze Do charakterystycznych elementów stylu indie sleaze zaliczyć można: obszerne koszulki z zespołami (w których lubowali się chłopcy z lekko przetłuszczonymi, półdługimi włosami, którzy byli wówczas uznawani za najbardziej hot, by następnie skrócić włosy i zapuścić brody i stać się jeszcze bardziej pożądani), rozciągnięte swetry z dziurami, jakich nie powstydziłby się Kurt Cobain, luźne koszule w kratę zestawiane z dopasowanymi rurkami (albo noszone jako sukienka), garniturowe kamizelki, marynarki podkreślające sylwetkę (nierzadko obszyte cekinami) i cieniutkie długie szaliczki, które dodawały całości elegancji i ducha lat 70. Tworząc zgraną parę z klasycznymi ramoneskami. Wśród dodatków hitem były (i znów są) także koronkowe podkolanówki lub białe babcine skarpety, czarne legginsy, loafersy (obowiązkowo na solidnej podeszwie), perły, naszyjniki z motywem krzyża i opaski na głowę z kokardą. No cóż, powinniśmy ostrzec, że będzie trochę kiczowato. Styl indie sleaze z założenia ma być bowiem mocno eklektyczny, balansując na granicy spektakularnych imprezowych looków i „domowego rozmemłania”. Budząc niejednoznaczne, ale zawsze silne emocje. Ikony stylu indie sleaze Do ikon indie sleaze obok wspomnianej już Kate Moss i jej ówczesnego chłopaka Pete Doherty'ego, którzy tak ubrani w tym stylu regularnie pokazywali się na Festiwalu Glastonbury, zaliczyć można także Siennę Miller czy Alexę Chung (mistrzynię noszenia rurek). W tym duchu utrzymane były także wybrane stylizacje Blake Lively z „Plotkary” – kraciasta minispódniczka, legginsy, obcisła skórzana kurtka i luźno zawiązany krawat na szyi są tego najlepszym przykładem. Teraz estetykę lansowaną na przełomie lat 2000. i 2010. m.in. przez dom mody Saint Laurent, pokochały także marki, takie jak Gucci czy Isabel Marant. Co sprawiło, że powrót stylu indie sleaze możemy uznać za oficjalny.
4 stylizacje z lat 90., które są absolutnym hitem w tym sezonie! Banalnie proste do odtworzenia
Szukacie pomysłu na modne stylizacje na lato 2022? Zainspirujcie się latami 90. XX wieku! Tym bardziej, że wszystko, co potrzebne, by odwzorować najlepsze looki na pewno już macie w swoich szafach.
Kate Moss i Johnny Depp, Gwyneth Paltrow i Brad Pitt, Justin Timberlake i Britney Spears, Bruce Willis i Demi Moore... Lata 90. bez wątpienia należały do najwspanialszych par (za którymi dziś trochę tęsknimy). Ale to także czas świetnych ubrań. Może i trochę kiczowatych, choć nie tak jak dekadę wcześniej, ale na pewno niepozbawionych charakteru. A przy tym prostych w formie, a co za tym idzie – bardzo wygodnych. Nie dziwi więc, że współcześni projektanci wspominają je z sentymentem. I przywracają do łask. To właśnie na bazie ubrań i dodatków z lat 90. XX wieku stworzyć można 4 stylizacje, które w sezonie wiosna-lato 2022 są absolutnym hitem. Są banalnie proste do odtworzenia, tym bardziej, że wszystko co potrzebne już możecie mieć w swoich szafach. Zainspirujcie się stylem gwiazd sprzed lat! Dziś naśladują je współczesne ikony stylu: Kendall Jenner, Bella Hadid czy Emily Ratajkowski. Te trendy wciąż są cool! 4 stylizacje z lat 90. modne na lato 2022 Stylizacje z lat 90. modne na lato 2022: Biały crop top, proste jeansy i (dla odważnych) torba w drapieżny wzór Za sprawą gwiazd, takich jak Hailey Bieber czy Kendall Jenner do łask powróciła jedna z ulubionych stylizacji największej gwiazdy modelingu lat 90., Kate Moss. I wcale nas to nie dziwi, bo ze względu na swoją wygodę jest idealna do noszenia na co dzień. Podstawę stanowi biały tanktop (albo crop top) – najlepiej z prążkowanej dzianiny. Nie musi mieć dziur, jak ten noszony przez Kate Moss, grunt by był dopasowany do ciała. Chodzi o to, by kontrastował ze stosunkowo luźnymi spodniami – a konkretnie jeansami w niebieskim kolorze. Topmodelka stawiała na jeansy z prostymi nogawkami i delikatnie obniżonym stanem, ale do białego topu równie dobrze pasują wysokie wide-leg jeans. Zwieńczeniem stylizacji niech będzie torebka w zwierzęcy wzór. Moss miała (i ma!) szczególną słabość do cętek, ale zebra czy nawet krowie łaty będą równie dobrym wyborem. Stylizacje z lat 90. modne na lato 2022: Slip dress i sandały na obcasach W latach 90. szczególną popularnością cieszyła się także bieliźniana sukienka na ramiączkach, czyli tzw. slip dress. Z delikatnie połyskującej satyny, jedwabiu a nawet transparentnych tkanin. Ascetyczna i prosta albo wykończona delikatną koronką. Na co dzień nosiło się do niej ciężkie buty, np. martensy. Na większe wyjście – jak Gwyneth Paltrow – sandały z cienkich pasków. Obowiązkowo na solidnym obcasie. Latem 2022 roku trend wciąż obowiązuje! W chłodniejsze letnie wieczory na sukienkę radzimy zarzucić obszerną skórzaną ramoneskę, czyli najbardziej kultową kurtkę z epoki. Dobrym pomysłem będzie też marynarka oversize, która sprawdzi się w bardziej formalnych sytuacjach. Stylizacje z lat 90. modne na lato 2022: Ogrodniczki i crop top Kolejny trend z lat 90., który powraca latem 2022 roku? Ogrodniczki! To właśnie te jeansy (i nie tylko) upodobały sobie ostatnio m.in. Blake Lively czy Jennifer Lopez. Wcześniej fanką ogrodniczek była zaś Britney Spears, która w swojej szafie miała klasyczny niebieski model z metką Tommy'ego Hilfigera. Co do nich? W tym sezonie najlepiej crop top albo dopasowany do ciała T-shirt z kolorowym nadrukiem. A na stopy – chodaki albo sneakersy. Stylizacje z lat 90. modne na lato 2022: Sukienka mini Do łask wróciły także sukienki mini – o prostej albo trapezowej formie. W latach 90. nosiła je m.in. Naomi Campbell, teraz pokochały także słynne influencerki – na czele z francuskimi it-girls! Krótkie sukienki można także nosić do chodaków, ale i do kowbojek, balerin (one też znów są modne) czy – jak w latach 90. – czółenek na szpilce. Wiele zależy od tego, z jakiej tkaniny sukienka jest uszyta. Nie bójcie się jednak eksperymentować. W końcu w tym wszystkim chodzi o dobrą zabawę! W Glamour.pl na co dzień informujemy was o trendach, stylu życia, rozrywce. Jednak w tym trudnym czasie część redakcji pracuje nad treściami skupionymi wokół sytuacji w Ukrainie. TUTAJ dowiecie się, jak pomagać, sprawdzicie, gdzie trwają zbiórki i przeczytacie, co zrobić, żeby zachować równowagę psychiczną w tych trudnych okolicznościach.
Projektant słynnej sukienki Marilyn Monroe oburzony tym, że Kim Kardashian założyła ją na Met Galę. „To wielki błąd” – twierdzi
Choć od ostatniej Met Gali minęły już ponad dwa tygodnie, wciąż głośno jest o sukience Marilyn Monroe, którą miała na sobie Kim Kardashian. I wybrzmiewają głosy krytyczne. Wśród osób, które uważają, że celebrytka nie powinna tego robić jest Bob Mackie, czyli twórca legendarnej kreacji. Dlaczego nie spodobał mu się ten pomysł?
Kiedy Kim Kardashian pojawiła się na ostatniej Met Gali w sukience, która przed laty należała do Marylin Monroe, a dokładnie w kreacji, w której w 1962 roku ówczesna seksbomba zaśpiewała „Happy Birthday” prezydentowi Stanów Zjednoczonych, Johnowi F. Kennedy'emu z okazji jego 45. urodzin, w sieci zawrzało. Po pierwsze dlatego, że to jedna z najbardziej legendarnych sukienek Monroe. Po drugie dlatego, że była żona Kanye'go Westa, by się w nią zmieścić musiała w zaledwie trzy tygodnie schudnąć aż 7 kilogramów (jak wiemy – z sukcesem). Kim bez wątpienia wzbudziła entuzjazm wśród fanów, tym bardziej, że do Marilyn upodobniła się także, farbując włosy na platynowy blond, ale pojawiły się też głosy niezadowolenia. Wśród krytykujących pomysł znalazł się między innymi Bob Mackie, czyli pomysłodawca słynnej złotej kreacji. Dlaczego założenie przez Kim sukienki Marilyn sprzed lat było według niego złym pomysłem? Oto co powiedział na ten temat. Bob Mackie krytycznie o Kim Kardashian w sukience Marilyn Monroe na Met Gali 2022 To właśnie na podstawie szkicu Boba Mackiego, który wówczas, tj. w latach 60. XX wieku, pracował jeszcze jako asystent kostiumografa Jeana Louisa (zanim zaczął tworzyć na własną rękę, między innymi dla takich gwiazd jak: Cher czy Diana Ross), powstała legendarna już „naga sukienka” Marilyn Monroe, która za sprawą głośnego występu gwiazdy na zawsze zapisała się na kartach historii mody. Jej pomysłodawca wcale nie jest jednak zadowolony, że po 60 latach od tamtego wydarzenia o kreacji znów jest głośno. A konkretnie, że głośno jest o niej właśnie w tym kontekście. „To wielki błąd” – powiedział Bob Mackie po tym, jak Kim Kardashian założyła sukienkę seksbomby sprzed lat. Wtórując tym samym historykom mody, kostiumografom i konserwatorom zabytków, którzy również wypowiedzieli się na ten temat krytycznie. Kim Kardashian zarzuca się brak szacunku nie tylko dla Marilyn Monroe i jej spuścizny, ale i dla samej sukienki, która narażona została na uszkodzenia (pomimo tego, że Kardashianka miała ją na sobie zaledwie przez kilka minut, by następnie zamienić ją na replikę stroju). „Ta sukienka powinna wisieć w muzeum, a nie pojawić się na czerwonym dywanie” – komentowali historycy mody. I Bob Mackie jest tego samego zdania. Choć robiąc szkic złotej sukienki, Bob Mackie nie wiedział, na jaką okazję założy ją Marilyn Monroe, projektował ją z myślą o niej. „Była dla niej stworzona” – wspomina w rozmowie z magazynem „Entertainment Weekly”, dodając, że nikt nie wyglądał tak dobrze na zdjęciach jak gwiazda. „Nikt inny nie powinien nigdy pokazać się w tej sukience” – podkreślił dobitnie, tym samym wbijając szpilę w Kim Kardashian. Nie tylko z szacunku do Marilyn, tłumaczy Mackie, ale i ze względu na samą sukienkę. To, że została założona ponownie „ingeruje w jej integralność konstrukcyjną i pogarsza jej stan” – tłumaczy. Tym bardziej, że wpływ na to ma choćby zetknięcie się sukienki z tlenem, a co dopiero noszenie jej przez inną osobę. A jak wiemy, Kim musiała mocno się postarać, by w ogóle ją założyć. Przecież sama Marylin miała z tym problem – by suknia leżała tak pięknie musiała zostać zszyta już na aktorce! „Wolałbym, by Kim od razu założyła replikę” – podsumował Bob Mackie. Jakby się nad tym zastanowić, niewiele by to zmieniło dla ogólnego wrażenia, a legendarna kreacja pozostałaby nienaruszona. By móc cieszyć kolejne pokolenia. Zgadzacie się? W Glamour.pl na co dzień informujemy was o trendach, stylu życia, rozrywce. Jednak w tym trudnym czasie część redakcji pracuje nad treściami skupionymi wokół sytuacji w Ukrainie. TUTAJ dowiecie się, jak pomagać, sprawdzicie, gdzie trwają zbiórki i przeczytacie, co zrobić, żeby zachować równowagę psychiczną w tych trudnych okolicznościach.
Ten płaszcz to już klasyka. A w tym sezonie jest także ultramodny. W sam raz na deszczową pogodę!
Najbardziej uniwersalny i najbardziej ponadczasowy płaszcz? Trencz! Klasyczny, ale nie nudny. Zwłaszcza, że projektanci mody lubią sobie z nim poeksperymentować. W jakim wydaniu trencz na sezon wiosna-lato 2022 pojawiał się na wybiegach najczęściej? Podpowiadamy, gdzie kupić najmodniejsze modele. Warto, bo to inwestycja na lata.
W tym artykule: Trencz – modny płaszcz na wiosnę 2022 Trencz – historia klasyka Ten płaszcz powinna mieć w szafie każda kobieta. Gdzie kupić trencz? Trencz: Jak nosić ten ponadczasowy płaszcz? [pomysły na stylizacje] Trencz – modny płaszcz na wiosnę 2022 Alexander McQueen, Proenza Schouler, Rejina Pyo, Balenciaga... To tylko wybrane domy mody, które na sezon wiosna-lato 2022 trencz lansowały na wybiegu. Najczęściej w wydaniu XXL – bo właśnie takie – obszerne i przeskalowane są w tym sezonie najmodniejsze. Zwłaszcza, gdy dodatkowo mają ogromne poły, mocno podkreślone ramiona albo bufiaste rękawy. Modne trencze na wiosnę 2022 są naprawdę szalone – zdekonstruowane i wyróżniające się przemyślanymi detalami. Co nie znaczy, że klasyczne wersje odchodzą do lamusa. To nigdy się nie zdarza. Najlepszy dowód? Instagram. Pod hasztagiem #trenchcoat kryje się ponad milion trzysta tysięcy zdjęć, pod hasztagien #trench – dwa miliony dwieście! I liczby te rosną z roku na rok. Trencz – historia klasyka Trencza nie zabrakło go więc także u Burberry, brytyjskiej marki, która płaszcz powołała do życia. Historia trencza sięga 1879 roku. To właśnie wtedy założyciel marki Burberry, Thomas Burberry, odkrył gabardynę – nieprzemakalną tkaninę, która, choć solidna, pozwalała skórze swobodnie oddychać. Skąd nazwa „trencz”? Pochodzi ona od angielskiego słowa trench oznaczającego okopy, bo po raz pierwszy płaszcz został uszyty na zamówienie wojska – armia brytyjska zamówiła go na potrzeby I Wojny Światowej. Stąd właśnie pagony na ramionach i okazałe klapy, które do dziś są znakiem rozpoznawczym płaszcza. Który ze względu na praktyczny charakter i świetny design szybko pokochali także cywile. I noszą do dziś. Trencz to płaszcz, który w swojej szafie powinna mieć każda kobieta – tego zdania są nie tylko fashionistki, ale i paryżanki, które na przełomie sezonów nie wyobrażają sobie bez niego życia. A by sprostać ich oczekiwaniom, projektanci co roku proponują nowe modele. W tym roku wprost oszaleli na punkcie płaszcza. Najlepszy przykład. Polska marka Elementy, która kultowy trencz oferuje w kilku krojach i odcieniach do wyboru. Zresztą zobaczcie sami: Ten płaszcz powinna mieć w szafie każda kobieta. Gdzie kupić trencz? W tym sezonie projektanci lansują nie tylko najpopularniejsze, piaskowe modele, ale i płaszcze w kolorach: brązowym, zielonym i khaki. W tym trencze o zaskakujących formach. Projektanci i marki nie boją się eksperymentów i nie tylko bawią się proporcjami, ale i przerabiają płaszcze na sukienki (trencz u Proenza Schouler łudząco przypomina szmizjerkę), robią z nich peleryny albo wszywają w rękawy wstawki z innych, najczęściej kontrastowych tkanin. Trencze szyją także ze skór lub ich imitacji. W ślad za największymi domami mody idą popularne sieciówki: Reserved, Mohito, Mango, Monki, Zara, H&M... Można by zresztą wymieniać długo. Teraz jest więc idealny moment na to, by zainwestować w trencz. Gwarantujemy, że nie pożałujecie wydanych pieniędzy, bo trencz to płaszcz, który nigdy nie wychodzi z mody, a do tego pasuje niemalże do wszystkiego! Trencz: Jak nosić ten ponadczasowy płaszcz? [pomysły na stylizacje] W sezonie wiosna-lato 2022 topowe influencerki trencz będą nosiły do jeansów z szerokimi nogawkami (piaskowy odcień świetnie komponuje się ze spodniami z denimu). Pod spód sprawdzi się biała góra – romantyczna koronkowa bluzka albo po prostu T-shirt w śnieżnobiałym kolorze. Trencz z powodzeniem założyć można także do obszernych garniturowych spodni z kantem, satynowej spódnicy midi, a nawet dzianinowej sukienki. Botków na solidnej platformie, sneakersów czy szpilek. Jest tak uniwersalny, że nie sposób zaliczyć wpadki. To właśnie między innymi dlatego tak bardzo go kochamy. Zwłaszcza, że jest także bardzo elegancki, a jednocześnie swobodny. I bardzo wygodny w noszeniu.
Historia pierścionków zaręczynowych: 5 najciekawszych faktów na temat tej symbolicznej ozdoby
Historia pierścionków zaręczynowych jest bardzo bogata. Kultywowanie tradycji oświadczyn z ich udziałem przez tak długi czas rzeczywiście imponuje. Niewiele osób wie, że ten piękny dowód miłości skrywa wiele interesujących tajemnic. W artykule przybliżamy najważniejsze informacje na temat tej ozdoby.
W tym artykule: Historia pierścionków zaręczynowych Pierścionki zaręczynowe: diament, najlepszy przyjaciel kobiety Historia pierścionków zaręczynowych Historia pierścionków zaręczynowych jest nie tylko długa, ale też złożona. Znalazłyśmy 5, naszym zdaniem, najistotniejszych i najciekawszych faktów na temat tego pięknego, symbolicznego elementu biżuterii. 1. Zwyczaj wręczania ukochanej pierścionka zaręczynowego rozpoczął się już w Starożytnym Egipcie, kontynuowano go w Starożytnej Grecji i Rzymie, zdobiąc często pierścień grawerem np. z motywem klucza. I choć początkowo biżuteria ta wyglądała nieco inaczej (najpierw wykonywano ją z drutów, a następnie brązu, złota czy kości słoniowej), pewne rzeczy nie zmieniły się do dziś. Nie bez powodu pierścionek noszono, i wciąż w wielu krajach nosi się, na serdecznym palcu lewej dłoni. Zabieg ten ma bowiem symbolizować bycie bliżej serca ukochanej. Co ciekawe, swoim wybrankom - w ramach deklaracji miłości - wręczano dawniej monetę ze szlachetnego kruszcu. 2. Papież Innocenty III w XIII wieku ustanowił prawo, które mówiło o tym, że pomiędzy zaręczynami a ślubem musiał nastąpić okres narzeczeństwa. Była to forma przygotowania do sakramentu ślubu. Pierścionek zaręczynowy miał zatem symbolizować ten wyjątkowy czas oczekiwania przyszłych małżonków. Był także potwierdzeniem, że serce kobiety jest już zajęte. 3. Pierwszy pierścionek, który kształtem przypominał dzisiejsze wzory, otrzymała księżna Burgundii, Luksemburga oraz Brabancji, Maria Burgundzka. Był to prezent od arcyksięcia Maksymiliana I Habsburga z Austrii. Te słynne zaręczyny z 1477 roku stały się symbolicznym, przełomowym momentem, po którym na popularności zyskały pierścionki zaręczynowe z brylantem (oczywiście w przypadku zamożnych osób, ponieważ te drogocenne kamienie sprowadzane były wówczas z Indii). 4. W Ameryce, w latach 30. XX wieku, mężczyźni wręczali zazwyczaj swoim wybrankom pierścionek o wartości ich miesięcznej pensji. Od tego czasu teorii na temat sugerowanej ceny pierścionka zaręczynowego było już co najmniej kilka. Jedne mówiły o tym, że aby kupić zaręczynową ozdobę, dżentelmeni powinni pracować przez minimum 2 miesiące. Jeszcze inne, że 3. Obecnie ten sztywny trend ulega jednak osłabieniu. Dziś pierścionki zaręczynowe to oczywiście nie tylko wzory zdobione drogocennymi diamentami (choć te wciąż uchodzą za klasyki i są najczęściej wybierane). W ofercie wielu sklepów, oprócz diamentów, możemy znaleźć pierścionki zaręczynowe przyozdobione rubinami, szmaragdami, szafirami, ametystami, tanzanitami lub perydotami (od jakiegoś czasu w modzie są też, wyjątkowo stylowe, czarne diamenty). Co ciekawe, rubiny symbolizowały dawniej pasję, szafiry - niebo, prawdę, zaangażowanie i boskość, a diamenty - niezłomną siłę. 5. Nakreślając historię pierścionków zaręczynowych, nie da się pominąć roku 1886 i najsłynniejszego modelu wszech czasów. Ten z oszlifowanym brylantem, który osadzono w gnieździe z 6 zębami, z pewnością kojarzy każda z nas. Mowa oczywiście o marce Tiffany&Co. Zabieg zamocowania kamienia nie był oczywiście przypadkowy - dzięki temu pierścionek mógł zjawiskowo lśnić, uwidaczniając swój blask. O takim pierścionku zaręczynowym, do dnia dzisiejszego, marzy bardzo wiele kobiet, utożsamiając biżuterię tej firmy z luksusem, klasyką i ponadczasowością. Zachwyt nad modelem z tym lśniącym kamieniem, trwa nieprzerwanie do dziś. Pierścionki zaręczynowe: diament, najlepszy przyjaciel kobiety Pierwszym, słynnym modelem z diamentem, był więc, wręczony Marii Burgundzkiej w 1477 roku, pierścionek ozdobiony literą „M”. Wykonano ją z niewielkich, przezroczystych brylantów. Od tego momentu romantyczny gest arcyksięcia stał się swego rodzaju wzorcem dla zamożniejszych mężczyzn. Niewątpliwie przełomowym momentem w historii pierścionków zaręczynowych było wydobycie pokaźnych złóż diamentów w Republice Południowej Afryki w XVIII wieku. To dzięki temu diamenty, mimo że wciąż bardzo kosztowne, stały się trochę bardziej dostępne. Dziś te wieczne kamienie bez wątpienia uchodzą za największy symbol nieśmiertelnej miłości.