„Tkanki tożsamości” to wyjątkowy projekt artystyczny. O kobiecości, pamięci i przekazie międzypokoleniowym
„Tkanki tożsamości” to projekt artystyczny, w którym kobiecy głos i ciało stają się nośnikiem pamięci. To opowieść o tym, jak historia przemocy, nierówności i milczenia wciąż przenika nasze doświadczenie, jak zapisuje się w ciele – w gestach, w oddechu, w sposobie, w jaki patrzymy na siebie i świat.
Projekt artystyczny „Tkanki tożsamości” „Tkanki tożsamości” – spektakl choreograficzny o kobiecości, pamięci i przekazie międzypokoleniowym. Nie da się wymazać historii doświadczonej przemocy ani wyzwolić się całkowicie od ciężaru, który niosły pokolenia kobiet przed nami. Świadomość tego, z czym mierzyły się nasze matki i babki, jest dziś formą uziemienia – punktem odniesienia, z którego wyrastamy. To właśnie ten ciężar paradoksalnie konstytuuje naszą tożsamość, naszą siłę i świadomość. Jednocześnie widzimy zmianę. Młodsze pokolenia kobiet mówią coraz częściej o lekkości, o sprawczości, o możliwości wyboru. O tym, że można już nie tylko przetrwać, ale żyć – w zgodzie ze sobą, w autentyczności. „Tkanki tożsamości” są więc zarówno gestem pamięci, jak i gestem nadziei: opowieścią o długotrwałym procesie uwalniania się z dziedziczonego bólu, o pracy, która prowadzi od ciężaru ku lekkości. Walczymy ze stereotypami, na rzecz autentyczności, na rzecz konstytuowania własnego „ja”. Praca nad równością, nad równymi prawami, nad obalaniem szkodliwych przekonań trwa – ale nie jest działaniem w beznadziei. To praca z miłością, z odwagą i z wiarą, że każda zmiana, nawet najmniejsza, przybliża nas do świata, w którym z ciężaru rodzi się lekkość, a z doświadczenia – sprawczość. Premiera: 7 i 8 grudnia o godz. 19:00 w Hashtag Labie (Warszawa) Występują: Liwia Bargieł-Kiełbowicz i Patrycja Grzywińska Choreografia: Liwia Bargieł-Kiełbowicz we współpracy z Patrycją Grzywińską i Martą Jarnuszkiewicz Kostiumy: Liwia Bargieł-Kiełbowicz Muzyka: Bartłomiej Zajkowski Oprawa wizualna: Marta Jarnuszkiewicz Konsultacje merytoryczne: Weronika Morawiec Produkcja: Zofia Zajkowska Partnerzy: Hashtag Lab, Akademia Teatralna im. A. Zelwerowicza, Open Studio Komuna Warszawa Projekt realizowany dzięki wsparciu m.st. Warszawy.
„Sztuka relaksu”. Wykorzystaj arteterapię i rysuj… na tablecie!
Podróż w głąb siebie to prawdziwa przygoda. Pozwala odprężyć się po ciężkim dniu, a przy okazji odkryć w sobie talent plastyczny. Uważasz, że go nie masz? Po sesji arteterapii zmienisz zdanie. Dowiedz się, jak z jej pomocą nauczyć się rozumieć swoje emocje i poczuć wewnętrzny dobrostan.
Czujesz się zmęczona i masz na głowie mnóstwo obowiązków. Nie jesteś osamotniona. Jak wynika z badań* aż 88% Polaków doświadcza różnych trudności, takich jak podenerwowanie (49%), zaburzenia snu (52%), trudności z koncentracją (43%) czy obniżenie nastroju (43%). Czy da się pokonać te problemy i osiągnąć wewnętrzną równowagę? Tak. Jednym ze sposobów radzenia sobie z napięciem może być rysowanie. Kropkę lub kreskę narysuje każdy Aż 55% z nas uważa, że malowanie czy rysowanie może być odprężające, ale tylko 5% faktycznie próbuje poradzić sobie w ten sposób z napięciem. Z kolei 31% Polaków deklaruje, że zaczęłoby malować, gdyby nie wymagało to specjalnych umiejętności, 20% – gdyby obniżało to poziom stresu, a 21% – gdyby wzbudzało to w nich pozytywne emocje. Jeżeli nie radzisz sobie ze stresem i chciałabyś powiedzieć stop, wypróbuj arteterapię. To doskonała technika, która wykorzystuje sztukę jako narzędzie terapeutyczne. Dzięki niej można lepiej poznać siebie, nauczyć się pokazywać swoje emocje, a także osiągnąć równowagę między ciałem i umysłem. Co ważne, w arteterapii nie liczy się talent plastyczny. Chodzi o chęć wyrażania siebie. Jako dzieci rysowaliśmy swoje emocje i nie zastanawialiśmy się, czy potrafimy to zrobić, czy nie. Próbowaliśmy przekazać, co czujemy, i to nam bardzo pomagało. Sztuka i ekspresja artystyczna są dla każdego. To jest coś w rodzaju katharsis – mówi Anna Sikorska, certyfikowana arteterapeutka i założycielka SensArte. Cyfrowe narzędzia w arteterapii Sesja arteterapii trwa zwykle 50 lub 80 minut. Spotkania mogą odbywać się raz na tydzień lub raz na dwa tygodnie. Można także praktykować arteterapię samodzielnie, np. w domowym zaciszu. Oczywiście to długofalowy proces, dlatego warto być systematycznym. Czasami, aby dotrzeć do jakiejś emocji, trzeba zagłębić się w przeszłość – to pozwala odkryć źródło aktualnych przekonań i mechanizmów działania. Niezależnie od wszystkiego, jest to podróż w głąb siebie, a przy okazji szansa na rozwój artystycznego potencjału. Miałyśmy okazję zobaczyć, jak wygląda sesja arteterapii. Zajęcia odbyły się w Concept 11 w Warszawie, a ich organizatorem była marka Huawei. Uczestnicy korzystali z tabletów Huawei MatePad Pro 12.2” PaperMatte Edition. Są lekkie, poręczne i niezwykle cienkie. Ponieważ mają matowy ekran, nie odbijają światła. Dzięki temu można na nich rysować, jak na prawdziwej kartce. Po uruchomieniu aplikacji GoPaint mieliśmy dostęp do szerokiej gamy narzędzi, takich jak różnorodne pędzle, efekty, warstwy i filtry. Mogliśmy eksperymentować z różnymi stylami oraz technikami, co w tradycyjnej formie wymagałoby dostępu do wielu materiałów plastycznych. W razie potrzeby można też było skorzystać z prostego samouczka oraz gotowych kolorowanek. Tablet, który umie relaksować Zanim zaczęliśmy tworzyć cyfrowe dzieła w tablecie, należało zamknąć oczy i wyobrazić sobie własne emocje. Każdej z nich mógł być przypisany jakiś kolor, ale nic na siłę. Jeżeli ktoś nie potrafił wyobrazić sobie czegoś konkretnego, mógł narysować dowolną rzecz. Trzeba przyznać, że tablet mocno nas zaskoczył – szkicowanie, tworzenie warstw i rozcieranie kolorów okazały się niezwykle przyjemne. Rysunki można było tworzyć za pomocą palca albo czułego rysika Huawei M-Pencil trzeciej generacji. Narysuj teraz pierwszą kreskę na papierze. Jaka ona będzie? Silna i stanowcza, a może delikatna i rozedrgana? Narysuj kolejną. Możesz zmienić w trakcie narzędzie i spróbować innych sposobów, by przelać na obraz to, co czujesz. Jeśli jakaś linia nie spodoba Ci się, możesz strzałką umieszczoną na górnym pasku narzędzi cofnąć ruch pędzla i wrócić do poprzedniej wersji – radzi Anna Sikorska. Połączenie arteterapii z nowymi technologiami to prawdziwa rewolucja. W ten sposób można tworzyć sztukę nie tylko w sposób tradycyjny sposób, na papierze czy płótnie, ale również w formatach cyfrowych. Zagłębiając się w rejony własnej wyobraźni, możemy odkryć w sobie ukryte zdolności. A tablet Huawei MatePad Pro 12.2” PaperMatte Edition jest idealną zachętą. Dlaczego? Ponieważ pomaga wyrażać emocje, zwiększać kreatywność i radzić sobie z codziennym stresem. Pracując na nim, nie trzeba używać farb, pędzli, papieru i innych materiałów, które się zużywają, co redukuje koszty i oszczędza środowisko. Do tego oszczędzamy czas związany z przygotowaniem miejsca do pracy oraz sprzątaniem po sesji. I najważniejsze – utworzone prace można zapisać na tablecie, dzięki czemu nie ma ryzyka, że zniszczą się lub zagubią. Muszę przyznać, że tworzenie cyfrowych dzieł sztuki okazało się bardzo relaksujące. Koncentrowanie się na detalach sprawiło, że na chwilę zapomniałam o codziennych zmartwieniach. Nie sądziłam, że nowe technologie staną się tak ważnym i cennym narzędziem pozwalającym osiągnąć wewnętrzną równowagę. To doskonały sposób, by obudzić w sobie kreatywność, poznać swoje emocje i przede wszystkim spędzić przyjemnie czas. Ty też spróbuj! *Badania Huawei CBG Polska Materiał promocyjny marki Huawei
Kultura na weekend: wystawa „Sztuka Współczesna. Op-art i Abstrakcja geometryczna”
Co robić w ten weekend? Jeśli spędzacie najbliższe dni w Warszawie, proponujemy, by obejrzeć wystawę „Sztuka Współczesna. Op-art i Abstrakcja geometryczna” w DESA Unicum. To prawdziwa uczta dla zmysłów.
W tym artykule: Kultura na weekend: Wojciech Fangor, Tamara Bardowska i inny przedstawiciele sztuki współczesnej Wystawa „Sztuka Współczesna. Op-art i Abstrakcja geometryczna” w DESA Unicum Kultura na weekend: Wojciech Fangor, Tamara Bardowska i inny przedstawiciele sztuki współczesnej W minionych tygodniach polecałyśmy wam m.in. trzeci album Mery Spolsky oraz film „Igrzyska śmierci: Ballada ptaków i węży”. Natomiast cykl Kultura na weekend nie byłby kompletny bez wystaw. Tym razem mamy dla was coś absolutnie wyjątkowego. Od dziś można podziwiać dzieła reprezentantów i reprezentantek sztuki współczesnej, w tym m.in. Wojciecha Fangora, Ryszarda Winiarskiego, Juliana Stańczaka czy Tamary Berdowskiej. „Sztuka Współczesna. Op-art i Abstrakcja geometryczna” w DESA Unicum, bo właśnie o tej kolekcji mowa, przedstawia najistotniejsze zjawiska w sztuce optycznej (ze szczególnym naciskiem na czasy powojenne i to, co aktualnie dzieje się w tej dziedzinie). Wibrujące feerie barw i gra z ludzkim okiem w wykonaniu największych artystów lat 60. XX wieku – Wojciecha Fangora, Ryszarda Winiarskiego czy Juliana Stańczaka – brzmi oficjalna zapowiedź wystawy. Osobom zwiedzającym zaprezentowane zostaną m.in. cztery prace autorstwa Wojciecha Fangora (na czele z „M39”, czyli pracą, która w 2018 roku sprzedano za rekordową kwotę), wielkoformatowy obraz Jana Pamuły, kilka propozycji od Victora Vasarely’ego, a także dzieła w wykonaniu abstrakcjonistek – wspomnianej wcześniej Tamary Berdowskiej, Anny Huskowskiej-Młynarskiej, Anny Barlik i Kingi Popieli. Met Gala 2024: temat przewodni ujawniony. Co wiadomo o kolejnej edycji modowych Oscarów? Met Gala 2024 zbliża się wielkimi krokami. Co warto wiedzieć o wydarzeniu? Zdradzamy temat przewodni, dress code i nazwiska prowadzących. Oto wszystko, co wiemy o nadchodzącej edycji jednego z najważniejszych wydarzeń w świecie mody i show-biznesu. Wystawa „Sztuka Współczesna. Op-art i Abstrakcja geometryczna” w DESA Unicum Dzieła zebrane w ramach wystawy „Sztuka Współczesna. Op-art i Abstrakcja geometryczna” będzie można podziwiać od 24 listopada do 7 grudnia 2023 roku w siedzibie DESA Unicum, czyli największego domu aukcyjnego w Polsce. Wstęp jest bezpłatny.
Maciej Musiałowski zorganizował Festiwal Sztuk Zjednoczonych. Oto wszystko, co warto wiedzieć na temat jednego z ciekawszych wydarzeń tego roku, które odbędzie się już w ten weekend
Maciej Musiałowski kupił niedawno zamek w Domanicach. Okazuje się, że aktor oddaje tę przestrzeń artystom i organizuje Festiwal Sztuk Zjednoczonych. Sprawdzamy, na czym polega jego idea oraz jakie gwiazdy będzie można tam zobaczyć.
W tym artykule: Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – czym jest? Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – lokalizacja Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – artyści Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – bilety Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – data Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – czym jest? Festiwal Sztuk Zjednoczonych w Domanicach organizowany jest przez Fundację Rodziny Musiałowskich. Jest to jedyne tego typu wydarzenie, które skupia twórców z różnych dziedzin. Festiwal będzie idealny dla pasjonatów nie tylko muzyki, ale i szeroko pojętej sztuki. Festiwalowi, który tworzę przyświeca idea wskakiwania w świat sztuki na przysłowiową główkę. Poprzez tę niecodzienną formułę festiwalu chciałbym dać ludziom, którzy kochają sztukę i chcą tworzyć, mimo, że na przykład na co dzień zajmują się całkowicie czymś innymi, szansę i przestrzeń do wyrażania siebie, do tworzenia – mówi Musiałowski. Każdy uczestnik i uczestniczka będzie miał/a szansę wziąć udział w wielu koncertach, spektaklach teatralnych, seansach kinowych, warsztatach rzeźbiarskich czy medytacyjnych. Jest to zdecydowanie niepowtarzalne doświadczenie, gdzie widownia będzie mieszała się z artystami i doświadczała sztuki z bliska. Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – lokalizacja Wisienką na torcie jest lokalizacja wydarzenia. Festiwal odbędzie się na zamku w Domanicach na Dolnym Śląsku oraz w otaczającym go parku. Kilka miesięcy temu Maciej Musiałowski kupił zamek, co było jego marzeniem. Aktor traktuje ten zakup jako ukłon w stronę świata sztuki i zdecydował się udostępnić tę przestrzeń innym artystom, aby mogli wyrażać tam siebie. Maciej Musiałowski kupił zabytkowy zamek. Ile kosztuje posiadłość? Maciej Musiałowski spełnił swoje marzenie. Popularny aktor kupił zabytkowy zamek. W mediach pojawiły się informacje o cenie luksusowej posiadłości. Uważam, że zamki i pałace potrzebują artystów, jak rośliny deszczu i potrzebują być wypełnione sztuką, bo same w sobie są sztuką architektoniczną, są świadkiem historii i ewolucji kultury. Zamek w Domanicach ma w sobie ślady historii średniowiecza, renesansu, baroku czy klasycyzmu. Myślę, że właśnie symbolem sztuki jest ten zamek na skale nad rzeką, który wzywał mnie całe życie i który mnie w końcu znalazł – mówi Maciej Musiałowski. Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – artyści Line-up zapowiada się niezwykle interesująco. Zazwyczaj przyzwyczajeni jesteśmy, że na festiwalach będziemy oglądać jedynie piosenkarzy i piosenkarki. Jednak nie w Domanicach. Nazwa Festiwal Sztuk Zjednoczonych nie jest przypadkowa. Kogo więc będzie można zobaczyć na scenach i nie tylko? Na wydarzeniu nie zabraknie topowych polskich artystów, takich jak: Kayah, Igor Herbut czy Magda Umer. Zaśpiewają również Mazolewski, Justyna Szafran, Ofelia, Julia Wieniawa, Szczyl, Michał Szpak czy Piotr Zioła. Dodatkowo Jessica Mercedes wraz z bratem Justinem Kirschnerem poprowadzą jogę, a następnego dnia Dominik Sadoch i Agata Buzek. Wykłady poprowadzą między innymi Beata Drzazga czy Katarzyna Figura. Będzie można również wziąć udział w warsztatach plastycznych, panelach, rozmowach czy spotkaniach autorskich, obejrzeć wystawy różnych artystów, nauczyć się aktorstwa i tańca. No i oczywiście nie zabraknie samego Macieja Musiałowskiego. Zdecydowanie będzie się działo. Maciej Musiałowski zagra, zatańczy, zaśpiewa i wyrecytuje. „Nie chciałbym obudzić się w wieku czterdziestu lat i stwierdzić, że w życiu byłem jedynie aktorem” Młody, zdolny, utalentowany. Maciej Musiałowski wielokrotnie nazywany jest jednym z najbardziej obiecujących aktorów młodego pokolenia. Co wiemy o 28-letnim artyście? Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – bilety Do wyboru dostępne są zarówno karnety trzydniowe, jak i bilety jednodniowe. Co ciekawe Musiałowski dał też możliwość festiwalowiczom i festiwalowiczkom kupna miejsca na polu namiotowym! Poniżej przedstawiamy wszystkie ceny: Karnet trzydniowy – 499 złotych Bilet jednodniowy piątek / sobota / niedziela – 199 złotych Bilet jednodniowy piątek / sobota / niedziela wraz z polem namiotowym – 249 złotych Bilet na pole namiotowe – 49 złotych Festiwal Sztuk Zjednoczonych Macieja Musiałowskiego – data Wydarzenie rozpocznie się już w ten piątek, czyli 25 sierpnia i będzie trwało przez trzy dni, aż do niedzieli 27 sierpnia. Oczywiście wszystko na zamku w Domanicach. Nie może was zabraknąć. Więcej na temat Festiwalu dowiecie się ze strony festiwalsztukzjednoczonych.pl
,,Piknik ze sztuką. Wystawa i plener malarski z żubrem”: wkrocz z Bankiem Pekao w artystyczny świat!
Jako miłośnicy sztuki uwielbiamy takie inicjatywy. Tym razem mieszkańcy wybranych miast mają okazję zapoznać się z reprodukcjami prac wybitnych polskich artystów ze zbiorów bankowej, bogatej kolekcji dzieł sztuki. To wszystko podczas cyklu wydarzeń ,,Piknik ze sztuką. Wystawa i plener malarski z żubrem”.
W tym artykule: Zainspiruj się artystycznym światem z Bankiem Pekao Harmonogram wydarzeń z cyklu „Piknik ze sztuką. Wystawa i plener malarski z żubrem” Zainspiruj się artystycznym światem z Bankiem Pekao Bank Pekao S.A. nie po raz pierwszy angażuje się w inicjatywy oraz wydarzenia kulturalne, których głównym zadaniem jest promocja sztuki. Wydarzenie „Piknik ze sztuką. Wystawa i plener malarski z żubrem” to aktywność propagująca polskie dziedzictwo kulturowe. Podczas tego projektu wszyscy chętni mają okazję zapoznać się z reprodukcjami prac wybitnych polskich artystów. Zaczęło się od „Kolorytu Rozmaitości’’ – czyli pierwszej z wystaw dzieł ze zbiorów Pekao. Miała ona miejsce w Warszawie, w Pałacu Czapskich (siedzibie Akademii Sztuk Pięknych) i trwała od kwietnia do czerwca 2023 roku. Ta inicjatywa cieszyła się ogromnym zainteresowaniem i... zapoczątkowała serię mniejszych wystaw, które bank zdecydował się zorganizować w późniejszym czasie. Reprodukcje wybranych dzieł (które w wersjach oryginalnych można było oglądać podczas warszawskiej wystawy Pekao) przedstawiono zatem w wybranych, polskich miejscowościach, podczas serii projektu „Piknik ze sztuką. Wystawa i plener malarski z żubrem”. Pikniki odbywały się (i odbywają, akcja trwa bowiem od 12 sierpnia do 10 września!) w miejscowościach takich jak: Krasnystaw, Jasło, Jaszczew (gm. Jedlicze), Świętoniowa (gm. Przeworsk), Kolno, Grajewo, Głogów, Wielopole Skrzyńskie oraz Ostróda. W Banku Pekao promujemy sztukę, a jedną z form tej promocji będą plenerowe wystawy zorganizowane w kilku polskich miastach. Na co dzień spotykamy się z mieszkańcami w oddziałach banku, natomiast pikniki ze sztuką pozwolą na mniej formalny kontakt z klientami (...) Współpracujemy z instytucjami będącymi autorytetami w tej dziedzinie, jak np. Akademią Sztuk Pięknych w Warszawie, Muzeum Narodowym w Krakowie, Akademią Sztuk Pięknych w Krakowie czy Muzeum Narodowym w Warszawie. Jako instytucja odpowiedzialna społecznie, staramy się przekazać i zaszczepić pasję do sztuki również klientom banku. Pikniki ze sztuką i wystawy plenerowe im towarzyszące są krokiem w tym kierunku – mówi Marta Szygenda, Dyrektor Departamentu Marketingu w Banku Pekao S.A. Podczas tego projektu prezentowana jest sztuka dawna i współczesna. A jako że zbiory banku są niezwykle bogate, uczestnicy wydarzeń mogą podziwiać dzieła m.in. Stanisława Wyspiańskiego, Jana Stanisławskiego, Zygmunta Waliszewskiego, Stefana Filipkiewicza czy Franciszka Maśluszczaka. Motyw przewodni pikników to „pejzaż’’. Wystawa nie jest jedyną atrakcją, którą zaplanowano. Pomyślano także o najmłodszych. Na piknikach znajduje się także strefa dla dzieci, w której animatorzy pomagają zrobić wakacyjny tatuaż albo przygotować własną, spersonalizowaną koszulkę. A tym, co zainteresuje zarówno dzieci, jak i dorosłych, jest np. wspólne zdobienie donicy, którą lokalni artyści przyozdabiają elementami charakterystycznymi dla danej miejscowości. Pomyślano też o strefie relaksu z leżakami – z myślą o wszystkich tych, którzy potrzebują relaksu w otoczeniu sztuki. Możliwość podziwiania wystawy w formie reprodukcji najwybitniejszych dzieł ze zbiorów Banku Pekao S.A. nie kończy się jednak wraz z zakończeniem pikniku... Jeszcze przez kilka kolejnych dni mieszkańcy danego miasta oraz turyści mogą raczyć się ich widokiem! Jeśli zainteresował cię temat zbioru dzieł sztuki Pekao, odwiedź Wirtualną Galerię Sztuki Banku Pekao S.A. Znajdziesz tam aż 1200 wyjątkowych dzieł! Wśród nich prace znanych klasyków... ale nie tylko. Zbiór ten wzbogacają również prace takich artystów jak: Tadeusz Dominik, Franciszek Maśluszczak, Henryk Ożóg czy Bożenna Biskupska. Bez wątpienia każdy znajdzie tutaj coś dla siebie. Warto też wspomnieć, że zbiór bankowej kolekcji to nie tylko obrazy. Mieszczą się w nim również rzeźby oraz inne elementy sztuki użytkowej z XIX i XX wieku. W wirtualnej Galerii Sztuki znajdziesz wysokiej jakości fotografie dzieł oraz opisy ich twórców Harmonogram wydarzeń z cyklu „Piknik ze sztuką. Wystawa i plener malarski z żubrem” Galerię online współtworzyli eksperci m.in. z Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. To dzięki ich wsparciu ta wirtualna galeria zachwyca nawet największych znawców i fanów sztuki. Poniżej znajdziesz terminarz wydarzeń z cyklu „Piknik ze sztuką. Wystawa i plener malarski z żubrem”. Sprawdź, czy ta inicjatywa odbędzie się również w twojej okolicy. Krasnystaw – 12 sierpnia 2023 roku, Jasło – 13 sierpnia 2023 roku, Jaszczew (gmina Jedlicze) – 19 sierpnia 2023 roku, Świętoniowa (gmina Przeworsk) – 20 sierpnia 2023 roku, Kolno – 26 sierpnia 2023 roku, Grajewo – 27 sierpnia 2023 roku, Głogów – 2 września 2023 roku, Wielopole Skrzyńskie - 3 września 2023 roku, Ostróda – 10 września 2023 roku. Podczas pikników można zobaczyć dzieła następujących artystów: Stanisław Wyspiański ,,Bratki’’, Stanisław Kamocki ,,Pejzaż letni’’, Jan Stanisławski ,,Pejzaż’’, Zygmunt Waliszewski ,,Kopiec Kościuszki’’, Julian Fałat ,,Pejzaż z zaprzęgiem’’, Otto Gambert ,,Pejzaż górski’’, Jan Nepomucen Głowacki ,,Pejzaż tatrzański (Giewont)’’, Stefan Filipkiewicz ,,Rozewie’’, Włodzimierz Nałęcz ,,Wieczorny obłok’’, Wincenty Wodzinowski ,,Pejzaż letni’’, Franciszek Maśluszczak ,,Drzewa’’, Franciszek Maśluszczak ,,Park w Maciejewie’’, Franciszek Maśluszczak ,,Prześwit w lesie’’, Franciszek Maśluszczak ,,Las w Barlinku’’. To co? Do zobaczenia!
Wystawa „Immersive Monet & The Impressionists” przedłużona, wraca wyczekiwana „Retro Warszawa”.
Odbywająca swoje światowe tournée wystawa „Immersive Monet & The Impressionists” po sukcesie w Stanach Zjednoczonych bije rekordy popularności w Europie – w Art Box Experience w warszawskiej Fabryce Norblina. Niezwykły animowany pokaz multisensoryczny z wykorzystaniem aż 438 obrazów impresjonistów wraz z towarzyszącą mu ścieżką dźwiękową będzie można podziwiać do końca września br. To nie jedyna atrakcja przygotowana przez Art Box Experience – latem na ekrany powraca wystawa „Retro Warszawa”, czyli wycieczka po stolicy sprzed 100 lat! Art Box jest pierwszym miejscem na Starym Kontynencie, w którym widzowie mogli doświadczyć wystawy „Immersive Monet”. Przygotowali ją Massimiliano Siccardo wraz z zespołem Lighthouse Immersive i Visioni Eccentriche – to producenci światowej klasy wystaw multisensorycznych. - W Warszawie pokaz zobaczyło już 50 tys. widzów i w związku z licznymi pytaniami, postanowiliśmy przedłużyć wystawę jeszcze na lipiec, sierpień i wrzesień – mówi Joanna Kowalkowska, prezeska Art Box Experience. - Mamy też dobrą wiadomość dla miłośników i miłośniczek uroków dawnej Warszawy – zachęca. Od 2 lipca powracamy z naszym autorskim projektem, przygotowanym przez Piotra Sikorę i współpracujących z nami twórców z Platige Image, wystawą „Retro Warszawa”. To pełna wrażeń podróż w czasie i przestrzeni pozwalająca przenieś się na kilkadziesiąt minut do przedwojennej stolicy, zanurzając widzów w ożywione cyfrowo obrazy, wyraziste kolory, muzykę i dźwięki codziennego życia miasta – dodaje. Kto nie chciałby, chociaż na chwilę, przenieść się do Warszawy z dwudziestolecia międzywojennego, gdy po ulicach jeździły dorożki, po niebie przelatywały dwupłatowce, rozbrzmiewały piosenki Hanki Ordonówny i Mieczysława Fogga? Albo zanurzyć się w paryskim kabarecie i wejść wprost w krajobrazy z dzieł Claude’a Moneta, Augusta Renoira, Edgara Degasa, Paula Cezanne’a czy Eduarda Maneta? Latem i wczesną jesienią wszystko to będzie możliwe w Art Box Experience, gdzie na styku technologii cyfrowej, sztuki, nauki i rozrywki powstają unikalne multisensoryczne widowiska. Na miejscu znajdziemy kawiarnię ze słodkościami, kawą i nietuzinkowymi pamiątkami, a także rozbudowany program wydarzeń towarzyszących, w tym spotkań z edukatorami dla najmłodszych widzów. Na wystawę „Immersive Monet & The Impressionists” wybierzemy się w Art Box od środy do niedzieli. Na zwiedzających czekają tam magiczne Instaspoty: mostek w Giverny i nenufary oraz Paryża i wież Eiffla; sala edukacyjna z wprowadzeniem do wystawy oraz bezpłatna aplikacja mobilna z treściami wzbogacającymi wiedzę o impresjonizmie i najważniejszych artystach. Natomiast do przedwojennej „Retro Warszawy” Art Box zaprasza w poniedziałki i wtorki. Bilety: do nabycia online (Bilety Art Box Experience) i na miejscu (Fabryka Norblina, ul. Żelazna 51/53, drugie piętro; pon.-czw., od godz. 9.00 do 20.00, ostatnie wejście o 19.00; pt. od godz. 9:00 do 21:00, ostatnie wejście o godz. 20; weekend w godz. 10.00-21.00).
„Moda i Sztuka” – wernisaż ilustracji mody w Warszawie
Na warszawskim Żoliborzu odbył się wernisaż plakatów oraz grafik „Moda i Sztuka”. Na tej wyjątkowej wystawie można było zobaczyć pracę młodych i uznanych już twórczyń oraz twórców.
W tym artykule: „Moda i Sztuka” – wernisaż „Moda i Sztuka” – plakaty, grafiki i kolaże Gdzie i do kiedy będzie można obejrzeć prace z wernisażu „Moda i Sztuka”? Wernisaż „Moda i Sztuka” towarzyszył premierze nowej kolekcji plakatów inspirowanych modą. Jej autorami są zdolni polscy rysownicy i rysowniczki oraz kolażyści i kolażystki. Na wystawie zaprezentowano prace stworzone w rozmaitych technikach: od farb akwarelowych i plakatowych, przez tusze, gwasz, wycinanki, aż po ilustrację i kolaż cyfrowy. Autorska selekcja prac tworzy doskonałą symfonię pomiędzy sztuką a domem, zmieniając go w elegancką i przytulną przestrzeń. Zobaczcie same i sami. „Moda i Sztuka” – wernisaż 18 października w Kuchni Żoliborz w Warszawie odbył się wernisaż „Moda i Sztuka”. Tego wieczoru On My Wall zaprezentowało twórczość cenionych ilustratorek i ilustratorów mody. Swoje prace pokazali: Karolina Pawelczyk, Asia Pietrzyk, Weronika Kuc, Barbara Rochowczyk, Magdalena Pankiewicz, Alex Wronowska, Sonia Hensler, Ewelina Dymek i Sebastian Fabrowicz. Na wernisażu znalazły się także prace kolażystek Anety Klejnowskiej oraz Anny Glik, która tego wieczoru stworzyła grafikę we współpracy z uznanym polskim fotografem Piotrem Stokłosą. „Moda i Sztuka” – plakaty, grafiki i kolaże Niektóre prace powstały na wewnętrznych okładkach starych książek z widoczną strukturą starego papieru. W ten sposób artysta Sebastian Fabrowicz podarowuje niechcianym książkom drugie życie. Na pracach znalazły się m.in. sylwetki i portrety kobiece, zjawiskowe suknie i casualowe stylizacje, modele przechadzający się na wybiegu, a także zbliżenia na detale takie jak szpilki i biżuteria. Wystawa skupia mariaż kreatywnych osobowości, z których każdy posiada niepowtarzalny styl i własny język wizualny. Zobaczcie tylko te prace! Za selekcję odpowiedzialny jest dyrektor artystyczny On My Wall Marcin Brzeziński, który tłumaczy: Za sprawą tej kolekcji można przekonać się, jak na modę patrzą młodzi artyści. Naprawdę warto poświęcić jej uwagę, bo jest to spojrzenie ożywcze i inspirujące. Podczas wydarzenia zaprezentowano także szkice najlepszych polskich kreatorek i kreatorów mody. Specjalne rysunki ukazujące wstępne etapy projektowania udostępnili projektanci: Gosia Baczyńska, Lidia Kalita, Anna Kuczyńska, duet MMC, Viola Piekut, Robert Kupisz, duet Paprocki&Brzozowski, Maciej Zień oraz Mariusz Przybylski. Rysunki projektantów można było obejrzeć wyłącznie podczas wernisażu. Tego wieczoru nie zabrakło atrakcji specjalnych – organizatorzy i organizatorki przygotowali dla gości koncert jazzowy zespołu Alex’s Trio, natomiast artystki Barbara Rochowczyk i Alex Woronowska z agencji MAD illustrators portretowały gości na żywo. Gdzie i do kiedy będzie można obejrzeć prace z wernisażu „Moda i Sztuka”? On My Wall to sklep z artystycznymi grafikami, plakatami i kolekcjonerskimi reprodukcjami obrazów, który zorganizował ten wyjątkowy wernisaż. Prace będzie można oglądać do 30 listopada w klimatycznej przestrzeni Kuchni Żoliborz, dawnego studia fotograficznego, które zostało zaaranżowane w wyjątkową restaurację z antresolą. W loftowych wnętrzach byłego studia mają miejsce nie tylko wernisaże, ale i koncerty.
Aktywistki oblały zupą „Słoneczniki" van Gogha. „Co jest ważniejsze – sztuka czy życie?” – krzyczały
Aktywistki klimatyczne oblały zupą słynne na całym świecie „Słoneczniki" van Gogha, które wiszą w National Gallery w Londynie. Sprzeciwiały się działaniom rządu oraz koncernów paliwowych.
W ubiegły piątek (14 października) doszło do niecodziennego zdarzenia w National Gallery w Londynie. Dwie aktywistki klimatyczne z ruchu Just Stop Oil oblały zupą wiszące tam „Słoneczniki” van Gogha, a następnie przykleiły się do ściany. Co jest ważniejsze – sztuka czy życie? Jest ważniejsza niż jedzenie? Sprawiedliwość? Bardziej przejmujecie się ochroną obrazu niż ochroną naszej planety i ludzi? – krzyczały. Obie zostały aresztowane. Aktywistki oblały zupą „Słoneczniki" van Gogha Aktywistki poruszyły temat kryzysu klimatycznego i rosnących cen ogrzewania czy przygotowywania jedzenia. Sprzeciwiały się rządowi, a także koncernom paliwowym. Całość została zarejestrowana przez wspomniany już ruch. W tej galerii pokazywana jest ludzka kreatywność i błyskotliwość, ale nasze dziedzictwo jest niszczone przez niezdolność naszego rządu do przeciwdziałania kryzysowi klimatycznemu i rosnącym kosztom życia – czytamy w opisie filmu, który został opublikowany na oficjalnym profilu Just Stop Oil na Twitterze. View oEmbed on the source website Z materiału dowiadujemy się, że zachowanie aktywistek zaskoczyło i oburzyło zgromadzone w galerii osoby. Wezwano strażników, a następnie – jak wynika z relacji brytyjskich mediów – policję. Serwis „Daily Mail” poinformował, że kobiety zostały odczepione od ściany i aresztowane. Usłyszały zarzuty. Dieta planetarna: czy nasze wybory żywieniowe naprawdę mogą uratować Ziemię? Odpowiadają ekspertki z WWF Polska O tym, że każdy z nas ma narzędzia do zmiany świata na lepsze w zasięgu własnego widelca, mówią Ewa Chodkiewicz i Magdalena Wieczerzyńska z Fundacji WWF Polska. I dodają, że musimy działać teraz! Warto dodać, że „Słoneczniki” van Gogha nie zostały zniszczone. Obraz, którego wartość szacuje się na 84 miliony funtów, znajduje się za szybą, co tym razem ochroniło go przed zupą z puszki. Drobne uszkodzenia są widoczne jedynie na ramie. Okazuje się, że nie była to jednorazowa akcja. Jak podały brytyjskie media, na czele z „The Guardian”, już od dwóch tygodniu Just Stop Oil organizuje protesty w Wielkiej Brytanii. Co więcej, członkinie i członkowie organizacji zapowiedzieli kolejne „akty oporu”.
ECCO we współpracy z islandzką artystką, Kristjaną S Williams: kultowy model ECCO Soft 7 w nowej, zaskakującej odsłonie
Współpraca marki ECCO i cenionej artystki, Kristjany S Williams, musiała zaowocować sektakularnymi efektami. Z okazji 7. urodzin najchętniej kupowanego modelu – ECCO Soft 7, stworzono specjalną edycję „Poczuj więź z naturą”. Nowe ECCO Soft 7 to najlepszy dowód na to, że da się zgrabnie połączyć funkcjonalność i genialny design.
W tym artykule: ECCO Soft 7: kultowe obuwie idealne na spacer, randkę czy do pracy ECCO x Kristjana S. Williams: wyjątkowa współpraca z okazji 7. urodzin ECCO Soft 7 ECCO Soft 7: kultowe obuwie idealne na spacer, randkę czy do pracy Jeśli dotąd uważałaś, że wygoda i dobry styl nie idą w parze, a żeby skomponować stylizację idealną czasem trzeba pocierpieć, z przyjemnością wyprowadzimy cię z błędu i obalimy ten (jakże krzywdzący) mit. Możesz wyglądać świetnie i świetnie się czuć. Kultowy model obuwia ECCO Soft 7, czyli najchętniej kupowany model z asortymentu marki ECCO, jest tego najlepszym dowodem. Ich pierwsza wersja pojawiła się na rynku w 2015 roku. Z okazji 7. urodzin modelu ECCO Soft 7, marka przygotowała nową odsłonę tych – uwielbianych przez klientów – butów. ECCO Soft 7 to jednak projekt, który zachwyca nie tylko ze względu na wizualne aspekty. To obuwie jest także świetnym wyborem, kiedy cenisz sobie codzienną wygodę. Z powodzeniem wkomponujesz je w stylizację do pracy, na spacer, randkę czy kawę z przyjaciółką. Model jest uniwersalny, ale nie nudny. Prawdopodobnie stąd właśnie wynika jego ogromna popularność. Technologia ECCO FLUIDFORM™ sprawia, że podeszwa jest lekka, elastyczna i bardzo wytrzymała. Wyściółka powstała z przewiewnej tkaniny tekstylnej, z kolei cholewkę i wyjmowaną podeszwę wewnętrzną wykonano ze skóry licowej. Szukasz butów, które (w myśl idei #lesswaste) będą ci towarzyszyć przez wiele sezonów? Oto one. Cena za parę tych ultrawygodnych, wielosezonowych butów wynosi 599 zł. ECCO Soft 7 są dostępne w różnych kolorach, dzięki czemu w asortymencie marki każdy znajdzie coś dla siebie. Wybieraj: klasyczna czerń, uniwersalna biel, zachowawczy beż, a może (nieco odważniejsza) wersja złota, srebrna czy z printem (czyli ta, która powstała we współpracy z Kristjaną S Williams)? Zarówno minimalistki, jak i maksymalistki powinny być zadowolone. ECCO x Kristjana S. Williams: wyjątkowa współpraca z okazji 7. urodzin ECCO Soft 7 Warto wspomnieć, że marka ECCO nie bez powodu zdecydowała się na współpracą z islandzką artystką. Kristjana S Williams to (wielokrotnie nagradzana) utalentowana ilustratorka, która ma imponujące portfolio. Współpracowała m.in. z Louboutinem, Paulem Smithem, Harrodsem czy zespołem Coldplay. Między innymi ze względu na powyższe zdecydowano się powierzyć jej odpowiedzialne zadanie, jakim było zaprojektowanie printowanego modelu ECCO Soft 7. Efekty? Mówią same za siebie. Inspiracją do stworzenia tego modelu była różnorodna, niesamowita natura. Nic więc dziwnego, że owoce tej współpracy robią wrażenie – Kristjana S Williams ma korzenie islandzkie, nie musiała zatem daleko szukać źródeł swojego natchnienia. W tle? Jesienne kwiaty i owoce, grzywy, owady i ptaki – istny tajemniczy ogród! Oryginalny print i niebanalne połączenie kolorów sprawiają, że obok modelu ECCO Soft 7 nie da się przejść obojętnie. Sprawdzi się zarówno w miejskiej dżungli, jak i w otoczeniu pięknego, nieskażonego działalnością człowieka środowiska. Po raz kolejny to natura okazała się największą bazą niemal baśniowych inspiracji. Wszystkie modele ECCO Soft 7 znajdziesz na stronie marki. Produkcja: Agata Brodzka (BRODZKA) i Klaudia Pieczora Zdjęcia: Grzegorz Pastuszak
Glamour Girlboss Podcast: Maja Michalak, czyli twórczyni Poza Ramami i historyczka sztuki
Bohaterką nowego odcinka Glamour Girlboss Podcast jest Maja Michalak, czyli twórczyni Poza Ramami oraz historyczka sztuki. Jak wygląda jej praca na co dzień?
Od ponad dwóch lat Maja Michalak tworzy Poza Ramami – start-up, w ramach którego opowiada o sztuce, a jednocześnie zachęca do poznawania jej. Prowadzi warsztaty, szkolenia i webinary. Tłumaczy, jak interpretować dzieła z różnych epok, oswaja z pracami wielkich mistrzów, a także udowadnia, że wyjście do muzeum czy galerii może być naprawdę fascynujące. To wszystko w atmosferze spotkania ze znajomymi i celebracji życia – w pięknej przestrzeni na warszawskim Żoliborzu, w towarzystwie pysznego jedzenia, kawy oraz wina. Posłuchajcie nowego odcinka Glamour Girlboss Podcast, w którym Maja Michalak opowiada o miłości do sztuki, a także o swojej pracy na co dzień. Cała rozmowa jest dostępna na Glamour.pl (poniżej) i na platformie Spofity. Posłuchaj odcinka Glamour Girlboss Podcast z Mają Michalak: Glamour Girlboss Podcast: Zosia Sikora o pracy i życiu w Paryżu Zosia Sikora mieszka i pracuje w Paryżu. W związku z tym często jest porównywana do bohaterki serialu „Emily w Paryżu”. W podcaście Glamour Girlboss opowiedziała m.in. o swoich początkach we Francji, karierze w branży mody oraz planach na przyszłość. Cała rozmowa z Mają Michalak jest dostępna także tutaj: -- W Glamour.pl na co dzień informujemy was o trendach, stylu życia, rozrywce. Jednak w tym trudnym czasie część redakcji pracuje nad treściami skupionymi wokół sytuacji w Ukrainie. TUTAJ dowiecie się, jak pomagać, sprawdzicie, gdzie trwają zbiórki i przeczytacie, co zrobić, żeby zachować równowagę psychiczną w tych trudnych okolicznościach.
Artyści w służbie równości, wolności i różnorodności. Te nazwiska warto znać!
Rita Zimmermann, Anna Halarewicz, John Lee „Gaston” White – to tylko wybrani artyści, których prace mogliśmy oglądać podczas wystawy „79 Art Space” poświęconej tak ważnemu dziś tematowi równości. Wydarzenie odbyło się z inicjatywy Fundacji Liberty Art, biżuteryjnej marki Aurum Bloom oraz Galerii Tetmajera 83 w Krakowie. Poznajcie ich twórczość bliżej.
Artyści w służbie równości, wolności i różnorodności – Nazwiska, które warto znać Nie potrafią tworzyć w oderwaniu od rzeczywistości. Nie potrafią przejść obojętnie obok dyskryminacji – czy to ze względu na płeć, kolor skóry czy orientację seksualną. Są zaniepokojeni sytuacją społeczno-polityczną na świecie, na sercu leży im też los środowiska. Dlatego postanowili zabrać głos. Tak, jak potrafią najlepiej – poprzez swoją sztukę. Poznajcie artystów, którzy tworzą w służbie równości, wolności i różnorodności. Ich prace mogliśmy oglądać ostatnio na wystawie „79 Art Space”, która odbyła się w krakowskiej Galerii Tetmajera 83 – z inicjatywy Galerii, Fundacji Liberty Art oraz Aliyi Riz, mecenas sztuki, bizneswoman i założycielki biżuteryjnej marki Aurum Bloom. A może już ich znacie? Rita Zimmerman Jej kolaży – najczęściej czarno-białych – nie sposób nie zauważyć. Bo choć przedstawiają kobiece ciało, robią to w zupełnie inny sposób niż zdążyły nas do tego przyzwyczaić środki masowego przekazu. Przegięty, przerysowany, zaskakujący. Pokazywane przez nią kobiety niejednokrotnie nie mają głów, sprowadzone zostają do roli ciał – plątaniny nóg, biustów i pup, wystawionych pod debatę publiczną. Wszystko po to, by zwrócić uwagę na problem uprzedmiotowienia i przypomnieć, że kobiece ciała to nie obiekt seksualny. Co nie zmienia faktu, że Rita Zimmermann nie boi się otwarcie mówić o kobiecej seksualności. Jej twórczość doceniły nie tylko najbardziej prestiżowe magazyny na świecie, ale i luksusowe domy mody. Rozpoznawalność przyniosła jej między innymi współpraca z Gucci czy Moncler. John Lee „Gaston” White Na problem braku równości zwraca także uwagę John Lee „Gaston” White, który na krakowską wystawę przyjechał z Ameryki. Czarnoskóry poeta nie raz sam doświadczył dyskryminacji, dlatego doskonale wie, o czym mówi (i pisze). I to właśnie jej postanowił w pełni poświęcić swą twórczość, podchodząc do tematu szeroko – nie ogranicza się do dyskryminacji rasowej, solidaryzuje się także z kobietami, a także wszystkimi innymi, którzy kiedykolwiek doświadczyli nierównego traktowania i wykluczenia. Osobisty manifest, który wygłosił podczas wernisażu, nie mógł być bardziej poruszający. Artysta zachęca bowiem do tego, by szczerze spojrzeć wgłąb siebie i zastanowić się, kim jesteśmy naprawdę i... dokąd zmierzamy. Anna Halarewicz Nie mogło zabraknąć także prac znanej polskiej ilustratorki Anny Halarewicz, która w Krakowie zaprezentowała cykl „Ciało”. Podobnie jak w przypadku prac Rity Zimmermann tematem głównym jest tu kobieta, ale już całkiem inna – nie wyidealizowana i „słodka” lecz prawdziwa – w pełni akceptująca siebie i swoją kobiecość, a także otwarta na zmiany, jakie zachodzą w jej ciele pod wpływem lat. To właśnie jest dla artystki synonimem wolności. Nakłania więc, by spojrzeć na siebie „bez filtra” – „życzliwie, ale realnie”. Dima Cube i Zhenia Volodin Kobiece ciało na warsztat wzięli także fotograficy Dima Cube i Zhenia Volodin, którzy zaprezentowali m.in. swoją wersję Wenus. Bardziej współczesną, bardziej prawdziwą, piękną, ale nie wyidealizowaną. „Społeczeństwo, moda, przestrzeń internetowa nieustannie dyktują nam to, jacy powinniśmy być. Jesteśmy obserwowani przez miliony spojrzeń kamer, które bacznie pilnują tego, byśmy nie wyszli poza ramy dozwolonego kanonu piękna. A przecież każdy z nas jest piękny w swojej wyjątkowości” – mówią o swojej pracy (zdjęcie główne). Iwona Demko Naszą uwagę przykuła też praca Iwony Demko – „Nigdy nie będziesz szła sama”, a konkretnie transparent, który zaangażowana społecznie artystka stworzyła na potrzeby Strajku Kobiet. Daje nadzieję! Koniecznie zajrzyjcie na Instagram artystki, która poważne tematy podejmuje z charakterystycznym dla siebie dystansem. Pomagając nam oswoić lęk, by odważnie walczyć o swoje prawa. Gleb Solntsev Naszą uwagę przykuły także prace moskiewskiego twórcy Gleba Solntseva, który na warsztat wziął symbol równości i nieskończoności. A na co dzień za sprawą swoich grafficiarskich ilustracji (docenionych m.in. przez magazyn „Esquire”) komentuje niewygodną rzeczywistość – problem nadprodukcji, rozbuchanego konsumpcjonizmu, nadmiernej eksploatacji środowiska i kryzysu wartości. Wykorzystując do tego m.in. rozszerzoną rzeczywistość. Podczas wydarzenia obejrzeliśmy także poświęcone równości płci, rasy czy seksualności filmy autorstwa nowojorskiego artysty Ruslana Pelykha, pokaz tańca współczesnego z wykonaniu Anny Reichert i Damiana Rusyna, a także performance w wykonaniu dwóch kreatywnych artystów – tancerza Mateusza Mieli oraz projektanta Tomasza Karcza. Wystawie towarzyszył pokaz biżuterii Aurum Bloom, która powstała m.in. właśnie pod wpływem inspiracji tematyką równości i różnorodności.
Sztuka jest kobietą – jak ciało inspiruje artystów? Wystrój wnętrz w duchu body positive
Z tabu związanym z kobiecym ciałem można walczyć na wiele sposobów. Jednym z nich może być oswajanie z jego widokiem za pośrednictwem sztuki.
W tym artykule: Body positive we wnętrzach – Zapach kobiety Celebracja kobiecego ciała w sztuce użytkowej – Femme fatale Kobiece ciało w sztuce bez tabu – Girl power! Ciałopozytywna sztuka – Seks edukacja Wyjątkowa i niepowtarzalna w sztuce i życiu – Bogini ognia Kobiece ciało inspiruje artystów od wieków. Obserwując jak zmieniał się jego wygląd od Wenus z Willendorfu przez bohaterki obrazów Petera Paula Rubensa aż po współczesne dużo szczuplejsze wizje, widzimy jak na przestrzeni lat zmieniały się ideały piękna. Teraz sztuka inspirowana kobiecym ciałem to coś więcej niż tylko sposób na przedstawienie aktualnego kanonu. W czasach, kiedy kobiety muszą upominać się o swoje prawa, ozdoby mogę stać się manifestem i symbolem nie tyle piękna co siły. Po demonstracji podczas pokazu Chanel na wiosnę-lato 2015 i pokazie Diora na sezon wiosna-lato 2017, którego najmocniejszym punktem stały się T-shirty z feministycznymi hasłami, przyszła pora na kolejny sposób afiszowania poglądów i tę rolę przyjęła sztuka użytkowa. Kobiece ciało nie jest już czymś czego trzeba się wstydzić, teraz możemy je podziwiać w całej okazałości we wnętrzach. Body positive we wnętrzach – Zapach kobiety Mówi się, że potrzeba jest matką wynalazków i tak było w przypadku słynnych wazonów Anissy Kermiche. Projektantka biżuterii nie planowała rozwijać kariery w kierunku dodatków do wystroju wnętrz. Na pomysł stworzenia pierwszego wazonu wpadła dopiero, kiedy nie mogła znaleźć w sklepach nic, co pasowałoby do jej paryskiego apartamentu. Można powiedzieć, że do siedmiu razy sztuka, bo właśnie tyle prób potrzebowała do stworzenia wymarzonego dzieła, które teraz znamy pod nazwą „Love Handles”. „Kiedy pracujesz w 3D, drobny szczegół może zmienić wszystko. Nie mogę zakończyć projektu, póki go nie pokocham i nie znajdę w nim idealnych proporcji” – powiedziała w rozmowie z brytyjskim „Vogue’iem”. Krągła pupa, w której artystka trzymała bukiety, za każdym razem wzbudzała zainteresowanie jej gości, więc z czasem Anissa Kermiche zdecydowała się na stworzenie limitowanej edycji, a następnie na wprowadzenie własnej linii z dekoracjami do domu. Poza krągłymi pośladkami znanymi jako „Love Handles” w kolekcji artystki można aktualnie znaleźć także wersję dla miłośników Wenus z Willendorfu, ta figuruje pod nazwą „Popotelée Pot”, tułów „Jugs Jug”, piersi „Breast Friend”, a także zgrabne nogi „Legs Eleven”. O ich powstaniu artystka w rozmowie z brytyjskim „Vogue’iem” powiedziała tak – „chcieliśmy wnieść do wnętrza element wielofunkcyjności. W jednej pozycji siedzi elegancko opanowana ze skrzyżowanymi nogami i kwitnącymi od pasa kwiatami. Jeżeli masz ochotę na bardziej efektowną atmosferę, możesz przewrócić ją do góry nogami i przymocować świece do jej stóp”. Z drugiej strony zainteresowanie ciałem zainspirowało artystkę także do wsparcia tych kobiet, które tego potrzebują. W efekcie narodziła się kolekcja stworzona we współpracy z organizacją charytatywną Breast Cancer Now, z której część dochodu przeznaczono na zwiększanie świadomości na temat raka piersi. Celebracja kobiecego ciała w sztuce użytkowej – Femme fatale „Kiedy idę ulicą, nie mogę się powstrzymać od uśmiechu na myśl, że wszyscy są nadzy pod ubraniem” – powiedziała Jude Jelfs w rozmowie z „T Magazine”. Twórczość artystki jednak nie opiera się jedynie na poczuciu humoru. Zanim zaczęła tworzyć wazony z jak to mówi „latającymi cyckami” i gliniane dzbanki z szeroko rozwartymi nogami, doznała artystycznego objawienia, które stało się drogowskazem dla jej twórczości. Wszystko zaczęło się, gdy jako nastolatka podczas podróży do Florencji odwiedziła Galerię Uffizi i zobaczyła nagie boginie Sandro Botticellego. W następnych latach sposób w jaki patrzyła na kobiece ciało, pozwalali jej kształtować za pośrednictwem swoich prac Alberto Giacometti, Pablo Picasso, Henry Moore i Henri Matisse. Artystka wiązała swoją przyszłość z rzeźbą lub malarstwem, które studiowała. Dopiero przyszły mąż sprawił, że zwróciła się ku sztuce użytkowej. „To była miłość od pierwszego wejrzenia. Zarówno z gliną jak i garncarzem, za którego wyszłam za mąż” – wspominała w rozmowie z „T Magazine”. Lata spędzone przy wyrabianiu naczyń na kole sprawiły, że Jude Jelfs zaczęła dostrzegać w swoich wyrobach antropomorficzne cechy – „ramię” wazonu lub „stopę” miski. Dzięki tym spostrzeżeniom zaczęła wracać do korzeni swojej twórczości, które były skupione wokół kobiecego ciała i przenosić je na przedmioty codziennego użytku. Każda forma najpierw powstaje na papierze, a następnie zostaje przeniesiona na glinę. „To bardzo podobne do ubierania się” – podkreśla artystka, co jest dość zabawnym porównaniem zważywszy na to, że bohaterki jej projektów są nagie. Kobiece ciało w sztuce bez tabu – Girl power! Sonia Rose skupiła się przede wszystkim na kobiecych piersiach, które są ozdobą kubków, doniczek, wazonów i innych glinianych przedmiotów, które wychodzącą spod jej dłoni. Duże i małe, okrągłe i spiczaste, sterczące i obwisłe, asymetryczne i w wielu innych wydaniach, bo przecież nie ma dwóch identycznych par. Zresztą kobiety różni o wiele więcej niż sam kształt piersi, więc artystka różnicuje je także odcieniami koloru skóry. Dodaje też detale w postaci plam bielaczych czy kolczyków w sutkach. W kolekcji Rose Grown pojawiła się też wersja z blizną i jedną piersią oraz z dwoma bliznami jako wyraz wsparcia dla wojowniczek po mastektomii. Dzięki temu, że sposób w jaki zmieniają się piersi po karmieniu dzieci lub chorobie nowotworowej w twórczości Sonii Rose nie są tematem tabu, artystka szybko zyskała ogromne uznanie w sieci. Jej prace to uhonorowanie kobiecości w pełnej krasie, takiej jaka ona jest bez zbędnego upiększania. „Każdy przedmiot jest wyjątkowy i kobiety mogą osobiście reagować na te formy i odczuwać wspólnotę z innymi klientkami. Ludzie oznaczą swoich przyjaciół i piszą – „to ja jestem tą po lewej” – odnosząc się do kubka, który zrobiłam. Widziałam, jak w moich komentarzach pojawiały się rozmowy między użytkownikami takie jak – „to ja po karmieniu piersią!”. Otrzymywałam również maile od kobiet, opisujące, jak zmagały się ze swoimi piersiami przez całe życie, a moja praca w jakiś sposób poprawia ich samopoczucie. To niesamowite i satysfakcjonujące” – powiedziała Sonia Rose w rozmowie z „The Creative Independent”. Skoro ulgę w walce ze swoimi kompleksami może przynieść tak prosta rzecz jak kubek ozdobiony piersiami, to oby pojawiało się więcej podobnych projektów. Ciałopozytywna sztuka – Seks edukacja Artystka Laurie Melia w swojej twórczości skupia się głównie na kobietach i ich ciałach. W jej pracach nie ma tematów tabu, więc dla niektórych mogą się one wydać kontrowersyjne. Jednak intencją autorki wcale nie jest szokowanie kogokolwiek. Jako nastolatka w czasach przed erą internetu, choć była świadoma swojej budowy, to odczuwała pewien niedosyt materiałów, które pokazywałyby, jak różnią się między sobą kobiety. Postanowiła więc, że jej prace będą nie tylko ozdobami, ale również pomogą w budowaniu samoświadomości i akceptacji. Artystka nie wzięła od razu na warsztat cipki, ale jej pierwsze ceramiczne formy i większa część twórczości to akty i inne przedstawienia kobiecego ciała. „Początkowo czułam się trochę zestresowana dzieleniem się ceramicznymi wulwami, były one bardzo osobiste. Nie byłam pewna, jaka będzie reakcja, ale poczułam się szczęśliwa, kiedy ludzie przyjęli je z taką miłością i entuzjazmem” – powiedziała Laurie Melia w rozmowie z „Pink Things”. Czy wiesz, jak wygląda twoja wulwa? „Sex Education” i The Vulva Gallery edukują na temat cielesnej różnorodności we wspólnym projekcie. Musicie to zobaczyć! Czy wiesz, że cipki wspaniale różnią się od siebie? I że wszystkie są super? Przy okazji premiery 3. sezonu hitu Netflixa „Sex Education” została uruchomiona strona, która pięknie pokazuje cielesną różnorodność. <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/60/2024/10/9f48431798232890880c9db18bdc890afe657c90-bb82d41.jpeg" width="948" height="474" alt="Czy wiesz, jak wygląda twoja wulwa? „Sex Education” i The Vulva Gallery edukują na temat cielesnej różnorodności w świetnym wspólnym projekcie. Musicie to zobaczyć!" title="Czy wiesz, jak wygląda twoja wulwa? „Sex Education” i The Vulva Gallery edukują na temat cielesnej różnorodności w świetnym wspólnym projekcie. Musicie to zobaczyć!" /> „Jest wiele różnych kształtów i rozmiarów cipek i pomyślałam, że będzie to interesujące do zbadania” – zdradziła brytyjskiemu portalowi „Metro”. W efekcie w kolejnych dropach Laurie Melia prezentuje podstawki pod kadzidła, talerzyki na biżuterię, wazony i inne ozdoby, które skupiają się na różnorodności tej części kobiecego ciała. Tak jak w przypadku każdej z nas, tak i w twórczości artystki każda wagina jest unikalna, różni się odcieniami skóry, wielkością warg sromowych czy ilością owłosienia. Laurie Melia skupia się nie tylko na ich realnym odwzorowaniu. W jej kolekcji znajduje się wiele form, które pokazują wulwę w bardziej artystycznym wydaniu np. w wersji kosmicznej. Każda z nich w równym stopniu ma symbolizować kobiecą siłę i oddawać tak bliskie osobistym przekonaniom artystki wartości feministyczne. Wyjątkowa i niepowtarzalna w sztuce i życiu – Bogini ognia Sztuka użytkowa, choć powstaje głównie z myślą o jej praktycznym zastosowaniu, ma to do siebie, że czasami przyjmuje rolę jedynie dekoracji. Przykładem, który obrazuje tę tendencję, są świeczki z kolekcji Emone. Małe dzieła sztuki, które przybierają kształty kobiecego ciała, jak zauważają sami twórcy, często są kupowane głównie z myślą o ozdobieniu mieszkania. Pomimo że wosk, z którego są odlane, jest ekologiczny, biodegradowalny oraz wegański i te same właściwości dotyczą również zatopionego w nim knota, to wiele osób nigdy nie dopuszcza, żeby zaczął się topić. Zamiast tego cieszą się widokiem pięknego nagiego ciała. Z drugiej strony rozgrzany cieknący wosk może sprawić, że świeczka zyska dodatkową ozdobę i stanie się jeszcze bardziej unikalna i spersonalizowana. Każda woskowa figurka jest wykonywana ręcznie, co gwarantuje, że jest wyjątkowa i niepowtarzalna jak każda kobieta. Ewentualne niedoskonałości mają nadawać im charakteru i odzwierciedlać piękno rękodzieła. Twórcy świeczek nie przyjęli jednego kanonu piękna, przygotowali różne typy figury i kilka odcieni koloru skóry, tak żeby można było znaleźć tę idealną. W ich kolekcji są dostępne zarówno szczupłe ciała, jak i te obdarzone dodatkowymi krągłościami i fałdkami. To kolejny ciałopozytywny przekaz, którym można się dzielić za sprawą przyjemnej dla oka ozdoby.
Stradivarius wspiera artystów i artystki z całego świata! Na czym polega akcja Stradivarius Meets Art?
Stradivarius będzie wspierać artystów oraz artystki z całego świata w ramach nowej inicjatywy Meets Art. Na czym polega? I co zrobić, aby wziąć udział w wyjątkowej akcji?
Moda i sztuka mają ze sobą wiele wspólnego. Doskonale wie o tym Stradivarius, czyli jedna z marek z hiszpańskiej rodziny Inditex, która we wrześniu tego roku (a konkretnie podczas wyjątkowego wydarzenia w Fundació Miró w Barcelonie) zainaugurowała projekt Stradivarius Meets Art. W ramach nowej inicjatywy brand będzie wspierać wschodzących artystów i artystki z całego świata. Nadal można wziąć w niej udział. Stradivarius Meets Art: marka z grupy Inditex wspiera artystów i artystki z całego świata! Stradivarius Meets Art to długoterminowy projekt, w ramach którego hiszpańska marka udostępni swoje platformy online, a także przestrzenie w wybranych sklepach stacjonarnych artystom i artystkom z całego świata. W pierwszej fazie projektu Stradivarius postanowił wesprzeć parę florystów, ceramiczkę, ilustratorkę, a także artystkę, która tworzy obrazy za pomocą bawełnianych nici. „Stradivarius wierzy w sztukę, wspiera talenty i chce przełamywać granice. Marka zrzesza młodych artystów z całego świata i z różnych dziedzin” – komunikuje marka Stradivarius. Warto również dodać, że marka z grupy Inditex zaprosiła do współpracy Rachel Valdes. Kubańska artystka sztuk współczesnych będzie pełniła rolę kuratorki projektu Stradivarius Meets Art. To znaczy, że wraz z marką będzie co miesiąc wypełniała kolejne talenty, które dołączą do inicjatywy, a tym samym zyskają przestrzeń do zaprezentowania swoich prac na arenie międzynarodowej. Dodatkowo brand współpracuje z Raúlem del Sol, czyli doradcą artystycznym. Jego prace cieszą się zainteresowaniem nie tylko w Hiszpanii, ale również poza granicami kraju. Co więcej, artysta należy do grona wewnętrznych talentów marki. Są tu młodzi artyści oraz artystki? Jeśli odpowiedź brzmi „tak”, z całą pewnością zainteresuje was fakt, że wciąż można się zgłaszać do akcji Stradivarius Meets Art. To bardzo proste. Wystarczy odwiedzić oficjalną stronę internetową marki, a następnie wysłać swoje prace za pośrednictwem specjalnego formularzu zgłoszeniowego – zaproszenia.
Doda przeszła do historii internetu. Jako pierwsza na świecie sprzedała swoje ciało w tokenach
Brzmi abstrakcyjnie? Polska wokalistka, jako pierwsza w historii internetu sprzedała wirtualne części swojego ciała i to zaledwie w 30 sekund! Wyjaśniamy, o co chodzi.
W tym artykule: Czym są tokeny? Doda sprzedała ciało w NFT Kultowy mem wystawiony na sprzedaż Jeśli nazwa „tokeny” nie wiele wam mówi, to nic dziwnego. Tokeny, czyli NFT (non-fungible token) powstały w 2017 roku, ale zrobiło się o nich głośno dopiero 2021. Obecnie w sieci pojawia się co raz więcej ofert wirtualnych sprzedaży, które osiągają co raz bardziej astronomiczne ceny. Wielki boom na NFT wykorzystała Doda, która jest nie tylko wokalistką, ale i prawdziwą bizneswoman. Jako pierwsza sprzedawała swoje ciało w 3D, o czym piszą światowe media. Czym są tokeny? Często używa się nazwy „token” jako zamiennik krytptowaluty, choć nie jest to do końca prawda, bo mówiąc najprościej ten pierwszy jest żetonem, coin – monetą. W praktyce dzięki niewymienialnym tokenom można kupować wirtualne prawa do unikalnych, cyfrowych dóbr, czyli rzeczy istniejących online – np. gify, utwory muzyczne, posty na platformach społecznościowych, dzieła sztuki, wirtualne nieruchomości (np. istniejące w grach), które wraz z upływem czasu mogą zyskać na wartości. W zależności od przypadku można je więc zakwalifikować je do papierów wartościowych. Mike Winkelmann, tworzący pod pseudonimem Beeple, sprzedał swój obraz w NFT, a raczej certyfikat zaświadczający o posiadaniu oryginalnego dzieła, za 69 milionów dolarów. Innym przykładem jest klub piłkarski Juventus, który wypuścił kolekcjonerskie karty sportowe z wizerunkami piłkarzy. Doda sprzedała ciało w NFT Niektórzy mówią, że szaleństwo na punkcie tokenów zapoczątkowanych przez artystów jest bańką, która pęknie, ale na tę chwilę ma się świetnie, czego przykładem jest Doda. Jako pierwsza w historii internetu postanowiła zeskanować swoje ciało w 3D i podzielić je na 400 kawałków. Każdy z nich wystawiła na sprzedaż w NFT. Licytacja zaczęła się od 200 dolarów za jeden element, przy czym dane fragmenty ciała miały różne ceny, co udało się dokonać w 30 sekund! O tym wydarzeniu pisał brytyjski „Daily Mail”, a także informowała amerykańska stacja CNN. Dorota tłumaczy, że zawsze stara się być o krok przed wszystkimi i wyznaczać trendy. Dodaje również, że: Nie obchodzą mnie kontrowersje, tylko fani. Kocham ich i każdemu chcę dać trochę siebie. Czasem muzyka to za mało, dlatego poszłam krok dalej. Kultowy mem wystawiony na sprzedaż Popularność NFT postanowiła wykorzystać również mama Chloe – dziewczynki z kultowego mema "Side Eyeing Chloe". Klatka z filmu nakręconego przez jej rodziców, na którym Chloe ma zniesmaczoną minę stała się niepodważalnym hitem w sieci. Mama dziewczynki uznała, że to alternatywne źródło inwestowania może przysłużyć się edukacji córek. Pieniądze ze sprzedaży zdjęcia w tokenach chce przeznaczyć na naukę w college’u dla Chloe i jej siostry. W końcu bycie studentem w amerykańskim uniwersytecie, zwłaszcza cieszącym się renomą, jest niezwykle kosztowne. Co prawda, teraz już, 10-latka wolałaby kupić za nie konia lub stworzyć świat Walta Disney’a, ale może po studiach będzie mogła sobie na to pozwolić! „Dziewczyny z Dubaju” - wszystko, co trzeba wiedzieć o filmie Dody [OBSADA, ZWIASTUN, DATA PREMIERY, NETFLIX] Rzadko zdarzało się, aby jakiś polski film wzbudzał tak duże zainteresowanie zarówno w kraju, jak i za granicą i to na dodatek jeszcze przed swoją oficjalną premierą. Skąd tyle szumu wokół „Dziewczyn z Dubaju”? Zobacz zwiastun, sprawdź datę premiery i poznaj kulisy powstawania tej niezwykle kontrowersyjnej produkcji.
Co „Lupin” ma wspólnego z Krakowem? Nie zgadniecie, ale będziecie zachwyceni!
Z okazji premiery 2. sezonu serialu „Lupin”, główny bohater sporo namieszał w... Krakowie! A głos w tej sprawie zabrał nawet sam Omar Sy. O co chodzi?
Jeśli jesteście z Krakowa, to na pewno wychwyciliście plakat wiszący na gmachu Muzeum Narodowego. Trudno go nie zauważyć, gdyż rozmiarem porównywalny jest z billboardem, a na nim znajduje się słynna „Dama z gronostajem” autorstwa Leonardo da Vinci, którą na co dzień można oglądać w tamtejszej placówce. Jednak kto zna ten jeden z najpiękniejszych portretów na świecie, a zarazem najważniejszy i najcenniejszy obraz w polskich zbiorach, bez wątpienia zauważy brak charakterystycznego naszyjnika na szyi sportretowanej przez da Vinci Cecylii Gallerani. „Kto się połasił?” – pyta w mediach społecznościowych muzeum. Okazuje się, że palce maczał w tym popularny złodziejaszek z serialu Netflixa, Lupin. Na post opublikowany przez Muzeum Narodowe w Krakowie odpowiedział wcielający się w bohatera serialu aktor Omar Sy: „Lupin nie jest złodziejem. Jest pani fanem”. A cała akcja to oczywiście promocja najnowszych pięciu odcinków produkcji, które można traktować jako 2. sezon, a oglądać od 11 czerwca można na platformie Netflix. View oEmbed on the source website Pierwszych pięć premierowych epizodów, które ujrzał światło dzienne na początku stycznia 2021 roku, cieszyło się ogromną popularnością i pozostawiło u widzów wielki niedosyt. Kontynuacja na pewno nie zaspokoi wszystkich oczekiwań, dlatego już pojawiły się pytania o 3. część. Chociaż Netflix jeszcze jej oficjalnie nie potwierdził, taką informację podał Omar Sy, więc komunikat z takim doniesieniem to czysta formalność. Co więcej, rezultatów można spodziewać się już w przyszłym roku! View oEmbed on the source website „Lupin” – o czym jest serial Netflixa? Lupin opowiada historię mężczyzny posiadającego podwójną tożsamość. To Assan Diop (Omary Sy), syn emigranta z Senegalu, który wychowywał się w Paryżu. Jako nastolatek stracił ojca – ten, oskarżony o kradzież drogocennego naszyjnika należącego do pracodawcy, wpływowego Huberta Pellegriniego (Hervé Pierre), trafił do więzienia, gdzie odebrał sobie życie. Przed śmiercią Assan otrzymał od ojca wyjątkowy prezent – książkę o przygodach złodzieja dżentelmena, Arsène Lupin. Lektura znacząco wpłynęła na Assana, stając się wręcz jego życiowym kompasem. Tak, Assan jest złodziejem – szalenie inteligentnym, sprytnym i zwinnym. A jego najważniejszą operacją jest wykradzenie wspomnianego naszyjnika podczas licytacji w Luwrze, która staja się przepustką do odkrycia prawdy o swoim ojcu. Po piętach nieudolnie depcze mu paryska policja, ale tylko jeden z funkcjonariuszy, Youssef Guedira (Soufiaene Guerrab), podejrzewa, że Assan to Lupin. Koniec dzielenia się kontem ze znajomymi? Netflix testuje nową funkcję, która ma to ograniczyć Współdzielenie konta Netflixa nie będzie już takie proste. A nawet w ogóle niemożliwe. Platforma pracuje nad nową funkcją, która ma ukrócić udostępnianie konta użytkownikom, którzy nie mieszkają razem. Co się zmieni?
Pandemioza? Wszyscy jesteśmy trochę zaburzeni. Ten interaktywny audiobook bezlitośnie to obnaża, odsłaniając prawdę o nas
Nie oglądajcie tego, jeśli macie dość pandemii. „Pandemioza” – interaktywny audiobook Wojtka Jeżowskiego przenosi nas bowiem do czasów ścisłego lockdownu. I zamyka nas w czterech ścianach z rodziną. Pozornie zwyczajną, a jednak nie do zniesienia. Na szczęście, wciąż możemy samodzielnie podejmować decyzje. A może to tylko iluzja?
„Pandemioza” – ineraktywny audiobook Wojtka Jeżowskiego o psychologicznych skutkach pandemii – z przymrużeniem oka, choć nie całkiem na wesoło To nie jest film dla ludzi o słabych nerwach. W zasadzie nie jest to także film. „Pandemioza” w reżyserii Wojtka Jeżowskiego to raczej dzieło sztuki interdyscyplinarnej. Choć sami twórcy mówią o nim audiobook lub słuchowisko, oprócz fonii mamy tu także wizje – animacje na bazie czarno-białych ilustracji Zosi Jemioło. Trudno uniknąć także skojarzeń z grą komputerową, bo słuchając i oglądając musimy podejmować decyzje (zaznaczając opcję A lub B), od których zależą losy głównej bohaterki. Aneta, bo właśnie o niej mowa, to dojrzała kobieta, matka dwójki nastoletnich dzieci i żona mężczyzny, z którym, jak sama mówi „już dawno nie tworzy rodziny tylko układ podatkowy”. Kobieta, jakich wiele, którą – jak nas wszystkich – w czterech ścianach zamknęła pandemia. Oczywiście z rodziną, która, choć całkiem zwyczajna, staje się nie do zniesienia, kiedy trzeba z nią przebywać non stop. Zwłaszcza, że pod wpływem związanej z izolacją frustracji, coraz dobitniej zaczynać wychodzą różnice pokoleniowe i światopoglądowe (Aneta ma na przykład syna geja i męża konserwatystę), a także nierówny podział obowiązków. Zaczyna się niepisana wojna o zasoby, takie jak choćby ostatnia kapsułka kawy, a także o możliwość zaspokojenia swoich najbardziej podstawowych potrzeb (łazienka!). Sytuacji nie ułatwiają sąsiedzi, u których ciągle płaczą dzieci albo... odbywa się remont. Znacie? No właśnie. To jest w tym wszystkim najgorsze. Bo choć w produkcji zaciera się granica między prawdziwym życiem a wyimaginowanymi obrazami jak po zażyciu LSD, i nie brak w niej także humoru (czarnego, ale zawsze), śmiejemy się trochę przez łzy. W końcu wszyscy doświadczyliśmy tego samego i jeszcze nie zdążyliśmy wylizać ran. W zasadzie nie wiemy nawet, co będzie dalej. Jeśli chodzi o „Pandemiozę” także nie wiemy, bo na razie ukazał się pierwszy odcinek (i zwiastun) audiobooka, który możecie obejrzeć na stronie pandemioza.pl. Planowane jest więcej, dlatego inicjatywę warto śledzić także na Facebooku (Pandemioza) i Instagramie (@pandemioza_pl). Przygotujcie się na sporą dawkę silnych emocji. Warto wspomnieć, że w audiobooku usłyszeć możemy głosy najwybitniejszych polskich gwiazd, począwszy od Magdy Schejbal, która wcieliła się w główną bohaterkę, po Rafała Zawieruchę i Piotra Gąsowskiego. Scenariusz napisał Bartosz Szpak. Najlepiej zresztą zobaczcie zwiastun: PANDEMIOZA start! http://pandemioza.pl Czekamy na Wasz feedback :D grajcie i udostępniajcie! Reż Wojtek... Opublikowany przez P a n d e m i o z a Środa, 5 maja 2021
Podcast 20 minut mody: Czy moda jest „tylko” odzwierciedleniem nastrojów społecznych czy sama w sobie może też zmieniać świat?
Czy moda może zmieniać świat czy wszelkie proekologiczne i prospołeczne inicjatywy marek to tylko działania marketingowe? Pretekstem do rozmowy stał się mural stworzony przez młodych polskich artystów: Karolinę Góźdź, Barteckiego i Barrakuz pod patronatem Converse. Posłuchajcie. Zaprasza Magdalena Zawadzka.
Czy moda zmienia świat? Posłuchajcie nowego odcinka podcastu „20 minut mody” Pojawił się w Warszawie na rogu ulic Brackiej i Kruczej z inicjatywy marki Converse, która do współpracy przy jego tworzeniu zaprosiła członków społeczności All Stars – polskich artystów młodego pokolenia: Karolinę Góźdź, Bartka Kolczykiewicza – w sieci znanego jako @Bartecky, a także Barrakuz (Beatę Śliwińską) – mentorkę projektu. Temat? Poszukiwanie własnego „ja” i koloru, który pozwala wyrazić siebie – mural jest bowiem częścią kampanii Converse Breaking Barriers zatytułowanej True Colors. Od razu przyciągnął uwagę – barwny i nieoczywisty wyłamuje się wszelkim schematom. Nic dziwnego, powstał, by zachęcać do przełamywania barier – w nas samych, ale i tych, które stawiamy sobie jako społeczeństwo. W dodatku został namalowany farbami, które oczyszczają powietrze z zanieczyszczeń – i to z mocą 321 drzew! To właśnie on skłonił nas do rozmowy o tym, czy tego typu proekologiczne i prospołeczne działania domów mody i marek odzieżowych to tylko chwyty marketingowe czy naprawdę mogą zmieniać świat na lepsze? Posłuchajcie, co na ten temat mają do powiedzenia Karolina Góźdź i Bartecky, czyli artyści, którzy stoją za powstaniem muralu, a także Basia Kryńska, Converse Marketing Manager na Europę Środkowo-Wschodnią. Warto, bo przy okazji zastanawiamy się: czy bycie „dziecinnym” to wada, czy moda to tylko „ubieranie się w ładne ciuszki”, czy ocenianie ludzi po wyglądzie zawsze jest złe, czy to, jakiej jesteśmy płci determinuje, jak jesteśmy postrzegani, i dlaczego sztuka powinna wyjść do ludzi. Zaprasza Magdalena Zawadzka (@kroljestnagi). View Ediplayer on the source website
Wystawa „Równorodność” to lustro, w którym powinni przejrzeć się wszyscy Polacy. Sprawdź, jakim jesteś typem!
Kim są współcześni Polacy? To pytanie było punktem wyjścia do stworzenia wystawy Tomasza Armady „Równorodność” dla warszawskiego Muzeum Etnograficznego. Wystawy, będącej lustrem, w którym powinien przejrzeć się każdy z nas.
Wystawa „Równorodność. Kolekcja Tomasza Armady” w Muzeum Etnograficznym w Warszawie – Dlaczego warto ją zobaczyć (także online)? Wystawa „Równorodność” Tomasza Armady, zorganizowana w warszawskim Muzeum Etnograficznym, to lekko przekrzywiony (a może nie?) obraz Polski ostatnich 30 lat. A właściwie portret Polaków podzielonych (to słowo klucz) na 13 typów różniących się od siebie pod względem pochodzenia, mentalności, poglądów społeczno-politycznych i wyglądu. Są tu wszyscy, których nie chcielibyśmy spotkać na ulicy, a mimo to spotykamy codziennie. A więc: Kiepscy – większość wolnego czasu (którego mają całkiem sporo) przesiadujący na ławce na podwórku blokowiska, z rozwrzeszczanym „bombelkiem” w wózeczku, ubrani w ortalionowe dresy w nie mniej pstrokatych od bloków kolorach, Beneficjent 500+ – pasożyt systemu, zalegający na tapczanie, amator kiełbasy, wódki, ale i kebaba, mimo, że „obcych” nie lubi, Emerytka z Gazetką z Dyskontu – dewotka w moherowym berecie, goniąca za promocjami, Patusiara/Królowa życia – patoinfluenserka, która z tęsknoty za bliskością i akceptacją, zrobi wiele, by stać się zauważoną, nawet jeśli miałoby to oznaczać udział w „Warsaw Shore”, Tradycyjna Pani Domu – zaniedbana Matka Polka, praktyczna i twardo stąpająca po ziemi, domatorka w szlafroku, która kiedy nie sprząta ogląda słabe seriale kostiumowe, Prawdziwy Mężczyzna – który niczego się nie boi, nawet dzikich zwierząt, takich jak króliczki czy sarenki, na które tak chętnie poluje, jak na twardziela przystało, Ukrainiec – „niewidzialny” konserwatysta z zacofanego kraju, którym nikt by się nie przejmował, gdyby nie „zabierał nam pracy”, są także (jakby z drugiej strony barykady): Fajnopolak/Europolak – zawsze uśmiechnięty i zawsze „do przodu” majętny pracownik korporacji, który spory procent pensji przeznacza na kredyt we frankach, gładziutki i ładniutki jak jego nowy garnitur, nowoczesny obywatel świata, który pragnie, żeby i w Polsce było wreszcie „normalnie”, Autorytet z Wykształciuchem, którzy sądzą, że pozjadali wszystkie rozumy i roszczą sobie prawo do mówienia innym, co i jak mają robić (w końcu wiedzą lepiej, bo należą do elity) Korpolaska – goniąca za trendami i luksusem bizneswoman, uzależniona od nadmiernej konsumpcji i nieskazitelnego wyglądu, który ma jej pomóc przypodobać się facetom, mimo iż deklaruje, że jest feministką, Alternatywka – kolorowowłosa przedstawicielka generacji Z uzależniona od mediów społecznościowych i innych, jeszcze bardzij szkodliwych używek, a także Modni Geje – „zniewieściali” esteci, uwięzieni w tęczowym pasiaku z pokrzywy, Jest też Odmieniec, postać najbardziej enigmatyczna ze wszystkich (i alter ego samego twórcy wystawy, Tomasza Armady), którą trudno zaliczyć do którejś z tych grup – być może dlatego, że łączy w sobie cechy każdej z nich? Wszyscy wydają się żenująco śmieszni. Śmiejemy się więc, kpimy, obrzucamy epitetami, a potem okazuje się, że... patrzymy w lustro. I choć początkowo mina nam rzednie, warto w nie spojrzeć jeszcze raz, i jeszcze, i jeszcze. By stopniowo odkrywać filtry, jakie nałożyły na nas media i popkultura: prasa, internet, seriale i programy śniadaniowe, a także jakie my sami na siebie nakładamy, utrwalając stereotypy powtarzane z pokolenia na pokolenie, których prawdziwość potwierdzamy sobie sami, rozmawiając wyłącznie z najbliższym otoczeniem – osobami takimi samymi jak my. A przecież wszyscy jesteśmy „równoróżni”, co wystawa dobitnie pokazuje. „Równorodność” to cięty komentarz do obecnej sytuacji w Polsce (choć mam wrażenie, że i to jest uproszczeniem, bo problem zdaje się być niestety bardziej uniwersalny) – podziałów, braku tolerancji, ale i klasizmu. Bo jak się okazuje nie ma znaczenia, po której stoimy stronie barykady. „Ludzie z bańki neoliberalnej, szczególnie ze świata sztuki i teatru mają arystokratyczne zapędy i pogardzają tymi «roszczeniowymi», «niezaradnymi» z hołoty i ciemnogrodu. Ja jestem szczególnie na to wyczulony, bo znam wiele osób, które nie miały szczęścia urodzić się ustawieni na całe życie w inteligenckich lub bogatych mieszczańskich domach. W środowiskach inteligenckich dużo mówi się o tolerancji, ale nie dotyczy to najniższych klas społecznych, o których można mówić to, co najgorsze. Liczę na to, że kiedyś będzie to równie oburzające jak seksistowskie i rasistowskie żarty” – powiedział nam Tomasz Armada. On sam, wspólnie z kuratorami wystawy: Agatą Pyzik, Anną Grunwald i Aleksandrem „Bratkiem” Robotyckim, poprzez odwołanie się do stereotypów – narzucanych nam społecznie ról, podziałów i łatek – a następnie dokonania totalnej ich dekonstrukcji, chciał pokazać jak bardzo są one sztuczne. Oswoić je trochę i sprawić, że spojrzymy na nie inaczej. Czy się udało? Najlepiej sprawdźcie sami. Bo choć wystawa „Równorodność”, ze względu na zamknięcie muzeów z powodu pandemii, chwilowo nie jest dostępna stacjonarnie, można obejrzeć ją online. Wybierzcie się więc na wirtualny spacer po wystawie, albo weźcie udział w kuratorskim oprowadzaniu, które odbywają się co jakiś czas. Na przykład dziś, w sobotę 23 stycznia 2021 roku o godzinie 17.00 – na FanPage'u Państwowego Muzeum Etnograficznego na Facebooku.
Marka Pull&Bear stworzyła kolekcję dla miłośników sztuki!!! Znajdziecie w niej świetne bluzy, T-shirty i płaszcze!
Piet Mondrian, J.M.W. Turner, Wassily Kandinsky — dzieła najwybitniejszych artystów dotychczas były dostępne w najlepszych galeriach sztuki nowoczesnej – Tate. Teraz sztuka współczesna przenika do naszej garderoby. To zasługa marki Pull&Bear, która stworzyła kolekcję kapsułową inspirowaną sztuką. W sprzedaży już od 23 października 2020 roku.
Kolekcja Pull&Bear dla miłośników sztuki – inspiracje Najnowsze trendy nie mogą być bliżej sztuki współczesnej i nowoczesnej. W nowej kolekcji kapsułowej marki Pull&Bear dzieła najwybitniejszych artystów tych nurtów, które znamy z galerii Tate, stały się osią do stworzenia damskich i męskich ubrań. Dostępna dla wszystkich uniwersalna sztuka nowoczesna idealnie wpasowuje się w gust fanów mody i Pull&Bear z całego świata. W kolekcji kapsułowej znalazło się miejsce na damskie i męskie propozycje. Projekty są inspirowane twórczością najznamienitszych postaci ze świata sztuki. Piet Mondrian, J.M.W. Turner, Wassily Kandinsky, William Blake, William Waterhouse, George Stubbs, Sir John Everett Millais, El Lissitzky czy Kazimierz Malewicz — sztuka tych wybitnych artystów w zetknięciu z modą otrzymuje nową perspektywę. Prace mistrzów połączone z najnowszymi trendami tworzą ubrania, obok których nie sposób przejść obojętnie. Modne kalosze na jesień 2020? Zapomnijcie o klasycznych modelach. Jakie nosić? Zdziwicie się! >>> Kolekcja Pull&Bear inspirowana sztuką – Co w niej znajdziecie? Damskie projekty nawiązujące do kultowych dzieł Kadinskyego czy Turnera, to ocieplane płaszcze z kapturem z nadrukami. Są nie tylko ultrastylowe, ale i niezwykle praktyczne – zwłaszcza, że nadciągają chłody. Odniesienia do twórczości Kadinskyego i Turnera znaleźć można również na T-shirtach i akcesoriach. Uwagę przykuwają total looki z luźnymi spodniami i oversizową bluzą z kapturem. Zainspirowane przez Mondriana i Malewicza, największych przedstawicieli sztuki abstrakcyjnej, są gotowym pomysłem na stylizację. Kolekcja męska to koszulki oraz total looki ozdobione nadrukami inspirowanymi najsłynniejszymi pejzażami w historii spod pędzla J.M.W. Turnera. Na kurtkach jeansowych stanowiących podstawę wielu męskich szaf, znalazły się ilustracje brytyjskiego poety Williama Blake’a. W kolekcji nie mogło zabraknąć akcesoriów, a tych jest szeroki wybór. Torby tote inspirowane kultowymi „Kozakami” Kandinskiego, torebki przez ramię Sir Johna Everetta Millaisa, a także czapki, które reinterpretują jeden z ikonicznych obrazów z końmi George'a Stubbsa. Kolekcja dostępna jest w sklepach na całym świecie, a także na www.pullandbear.com.
Tej wystawy nie można przegapić! Słynna japońska artystka Yayoi Kusama pokaże swoje prace w londyńskiej Tate Modern
Jeśli lubicie kropki, będziecie zachwycone. W Londynie będzie ich pełno! W tamtejszej galerii Tate Modern już niedługo odbędzie się wystawa Yayoi Kusamy, Japonki nazywanej najbardziej instagramową artystką świata, której znakiem rozpoznawczym są właśnie kropki.
W londyńskiej Tate Modern odbędzie się wystawa Yayoi Kusamy Mówią o niej „najbardziej instagramowa artystka świata”. Nic dziwnego. W czerwonej peruce i kolorowych ubraniach w groszki nie mogłaby być bardziej fotogeniczna. A równie fotogeniczne są je prace. Za pomocą ultrakolorowych psychodelicznych rzeźb i obrazów upstrzonych niezliczoną ilością groszków słynna japońska artystka Yayoi Kusama tworzy surrealistyczne światy z niczym nieograniczonej wyobraźni. Teraz, by się do nich przenieść wystarczy wybrać się... do Londynu. To właśnie w tamtejszej galerii Tate Modern odbędzie się wystawa Yayoi Kusamy. Kiedy? Nie trzymamy was dłużej w niepewności. Z wielkiego ekranu prosto na ulicę – kultowe filmowe kreacje, które znalazły dla siebie miejsce w modzie codziennej >>> Wystawa Yayoi Kusamy w Tate Modern w Londynie – Od kiedy do kiedy i co warto wiedzieć Tate Modern wystawę Yayoi Kusamy organizuje z okazji swoich 20. urodzin. Otwarcie planowane jest na 11 maja 2020 roku. Wystawę będzie można oglądać przez rok, czyli do maja 2021 roku. Jak możecie się domyślać, nie będzie to typowa wystawa. Do dyspozycji gości będą dwa pomieszczenia w całości wypełnione lustrami i lampkami, gwarantujące zaskakujące złudzenia optyczne, czyli tzw. „Infinity Rooms” (z ang. „Nieskończone Pokoje”), z których artystka słynie równie mocno co ze swoich groszków. Pierwsze „Infinity Rooms” Kusama stworzyła w połowie lat 60. i regularnie powraca do tego pomysłu, sprawiając, że ludzie choć na chwilę mogą poczuć się jak w kalejdoskopie. Na londyńską wystawę warto wybrać się nie tylko, by tego doświadczyć, ale i bliżej poznać twórczość artystki. Yayoi Kusama jest jedną z najważniejszych przedstawicielek światowej sztuki współczesnej. To czołowa nonkonformistka i aktywistka, która za pomocą swoich obrazów, rzeźb, instalacji i performansów, sprzeciwia się wojnie (za wycofanie amerykańskich wojsk z Wietnamu, prezydentowi Nixonowi zaproponowała... seks) i podejmuje temat ludzkiej seksualności (w tym miłości homoseksualnej), granic ludzkiej wolności i właśnie nieskończoności. Co jeszcze warto o niej wiedzieć? Yayoi Kusama od lat zmaga się z dolegliwościami o podłożu psychicznym. Miewa stany lękowe, halucynacje, cierpi na zaburzenia obsesyjno-kompulsywne. Z ich powodu w 1975 roku zdecydowała się zamieszkać w szpitalu psychiatrycznym, gdzie rezyduje do dziś. Nie przeszkadza to jej jednak tworzyć, wręcz przeciwnie. Jest nie tylko „najbardziej instagramową”, ale i „najdroższą artystka świata”. Jej pracę „Nr 2” z cyklu „Nieskończone sieci” z 1959 roku sprzedano na aukcji za rekordową sumę 5 790 000 dolarów. Ale Yayoi Kusamie bardziej niż na pieniądzach zależy, by jej sztuka dotarła do mas. To kolejny z powodów, dla których warto wybrać się do Tate Modern na wystawę. W naszej galerii (u góry strony) znajdziecie kilka prac artystki, w tym właśnie wcześniejsze „Infinity Rooms”. Aplikacja Arts & Culture, która porównuje selfie do znanych dzieł sztuki w końcu dostępna w Polsce! >>>
Z wielkiego ekranu prosto na ulicę – kultowe filmowe kreacje, które znalazły dla siebie miejsce w modzie codziennej
„Buntownik bez powodu”, „Śniadanie u Tiffany’ego” czy „Matrix” – każda dekada ma swoje kultowe kreacje pochodzące z wielkich kinowych hitów. Zebraliśmy je dla Was w jednym miejscu!
Nie ulega wątpliwości, że gwiazdy srebrnego ekranu od dziesięcioleci stanowiły inspirację dla widzów ze wszystkich zakątków świata. Zwłaszcza w czasach kryzysu wielu z nich znajdowało chwilę wytchnienia w marzeniach o wielkiej sławie i bogactwie. Aby choć przez moment poczuć się jak gwiazda filmowa, widzowie próbowali upodobnić się do postaci filmowych za pomocą ubrań, naśladując ich charakterystyczne stylizacje. Stworzyłyśmy dla Was krótkie zestawienie stylizacji, które z wielkiego ekranu przeszły do mainstreamu. Najsłynniejsze filmowe kreacje Kto nie widział arcydzieła sztuki filmowej pt. „Śniadanie u Tiffany’ego” z 1961 roku, niech jak najszybciej nadrobi zaległości. Właśnie w tym filmie Audrey Hepburn wciela się w rolę Holly Golightly, miłośniczki drogiej biżuterii i swojego kota. Za sprawą tej postaci kultowe stały się czarna sukienka na ramiączkach Givenchy, krótki naszyjnik z pereł oraz czarne kocie okulary marki Ray-Ban. Tiffany & Co otworzył swoją kawiarnię w Londynie. To co, śniadanie u Tiffany'ego? Jako kontrast dla obcisłej czarnej sukienki należy wspomnieć białą, koktajlową kreację, którą w kultowej scenie z filmu „Słomiany wdowiec” założyła Marilyn Monroe. Sukienka ta stała się nieodłącznym elementem garderoby każdej stylowej kobiety w drugiej połowie lat 50. oraz wczesnych latach 60. Motywem powracającym w filmach jak bumerang jest klasyczny trencz w piaskowym odcieniu nude. Po raz pierwszy mogliśmy go oglądać na wielkim ekranie w 1941 roku przy okazji filmu „Casablanca” z Humphrey’em Bogart’em i Ingrid Bergman w rolach głównych. Dobrze skrojony jedno- lub dwurzędowy płaszcz z paskiem z klamrą w talii na zawsze stał się symbolem klasy i elegancji. W nowej odsłonie płaszcz w stylu Burberry (tym razem w kolorze granatowym) pojawił się w 2017 roku przy okazji filmu „Atomic Blonde”. Pozostając w temacie płaszczy – w filmie „Deszczowa piosenka” z 1952 roku odtwórcy głównych ról Debbie Reynolds i Gene Kelly wykonują tytułową piosenkę tańcząc nie tylko w deszczu, ale także w żółtych płaszczach przeciwdeszczowych, które szybko po premierze filmu zyskały dużą popularność. Zwłaszcza na ulicach Wielkiej Brytanii, gdzie deszczu na co dzień nie brakuje można było w tym czasie zaobserwować przechodniów, którzy za pomocą kolorowego ubrania próbowali się wyróżnić z szarego tłumu. Mianem ikony mody męskiej nie bez powodu określa się James’a Dean’a, znanego przede wszystkim z roli James’a „Jim’a” Starka w filmie „Buntownik bez powodu” (1955). Idol wszystkich buntowników, który jako pierwszy aktor w historii przyciągnął tyle samo damskich jak i męskich spojrzeń wykreował wizerunek, który najdokładniej można opisać słowem cool. Skórzana ramoneska lub jeansowa kurtka nakładane na gładki, biały t-shirt, kremowy sweter z dekoltem w serek, t-shirt w marynarskie paski, czy długi czarny płaszcz noszony w duecie z czarnym golfem to tylko niektóre propozycje z garderoby James’a Deana, które ponad 50 lat po jego śmierci nadal stanowią inspirację dla milionów młodych ludzi na całym świecie. Keanu Reeves w kultowym filmie „Matrix” z 1999 roku nosi długi, czarny, skórzany płaszcz zaprojektowany przez Kym Barrett. W połączeniu z czarnym golfem i okrągłymi okularami przeciwsłonecznymi w metalowych oprawkach ten look powrócił na wybiegi w sezonie jesień/zima 2018, a dziś uwielbiany jest przez takie gwiazdy jak Bella Hadid. Na pewno szybko nie zniknie więc z ulic największych stolic modowych świata. Moda lat 2000 swój koronny zestaw, czyli białą męską koszulę i założoną na nią kamizelkę zaczerpnęła z filmu „Annie Hall” z 1977 roku w reżyserii Woody’ego Allena. Odtwórczyni głównej roli Diane Keaton dzięki temu połączeniu na zawsze zapisała się na kartach historii mody, a kultowy zestaw swego czasu tłumnie nosiło się na całym świecie. Carrie Bradshaw chyba nikomu nie trzeba przedstawiać. To za sprawą tej postaci świat przypomniał sobie i na nowo pokochał szpilki Manolo Blahnika. Największą sławę zyskał szmaragdowy model, który postać grana przez Sarę Jessikę Parker miała na sobie w dniu ślubu z Mr. Bigiem. Po premierze filmu „Seks w Wielkim Mieście” w 2008 roku hiszpańska marka obuwnicza zanotowała ogromny wzrost w sprzedaży, a wspomniany powyżej model Hangisi został całkowicie wyprzedany. Na uwagę zasługuje także biały total look, który za sprawą filmu „Pokojówka na Manhattanie” w 2002 roku wylansowała Jennifer Lopez. Biały golf, materiałowe spodnie z szerokimi nogawkami, a przede wszystkim wełniany płaszcz Dolce & Gabanna posłużyły za inspirację dla wszystkich miłośniczek outfitów w jednym kolorze. Najbardziej współczesny trend, który na ulicę trafił prosto z wielkiego ekranu, to zdobne, biżuteryjne opaski do włosów. Inspirację dla projektantów stanowiła kreacja Daisy z filmu „Wielki Gatsby”, dla której to nakrycie głowy było nieodłącznym elementem każdej stylizacji. Można powiedzieć, że kreacja, która zapadnie w pamięć widza świadczy o sukcesie danej produkcji, natomiast strój, który został skopiowany i powielony tysiące razy to co najmniej podwójny sukces. Zobacz także: Sarah Jessica Parker zdradziła, co jest dla niej najcenniejszą pamiątką po Carrie Bradshaw
Poznajcie 4 wyjątkowe kobiety z projektu Manufacturing Defect - Artistic Series by Zulu Kuki x Levi’s: Barrakuz, Rosalie, Sandrę Kpodonou i Martę Kudu
Barrakuz, Rosalie w duecie z Sandrą Kpodonou oraz Marta Kudu to cztery wyjątkowe artystki, które wzięły udział w projekcie Manufacturing Defect - Artistic Series by Zulu Kuki x Levi’s i stworzyły niepowtarzalną wersję kultowej kurtki Levi’s® Trucker Jacket. Zapytaliśmy je m.in. o to, jak wyglądała ich praca oraz z czym kojarzy im się marka Levi's.
Marka Levi's znana jest nie tylko z ponadczasowych ubrań, w których wygląda się dobrze bez względu na to, co aktualnie jest modne. Brand, kojarzący się większości przede wszystkim z najwyższej jakości denimem, chętnie współpracuje również z artystami, zapraszając ich do różnego rodzaju projektów. I tworzy z nimi wspólne kolekcje, jak choćby ostatnio z Justinem Timberlakiem, ale daje też możliwość zaprezentowania ich twórczości na projektach z metką Levi's. Tak, jak miało to miejsce w ramach wyjątkowego przedsięwzięcia Manufacturing Defect - Artistic Series. Jego inicjatorem jest Zulu Kuki, człowiek o niezliczonych talentach, który do Manufacturing Defect - Artistic Series zaangażował równie utalentowanych twórców, by stworzyli oni projekt, szukając inspiracji na etapie procesu tworzenia, prób i chwilowych porażek. Efektem są niepowtarzalne wersje kultowych kurtek Levi's Trucker Jacket, a ich indywidualny charakter dodatkowo podkreśla wada produkcyjna i dekonstrukcja. Swoje kurtki w ramach Manufacturing Defect - Artistic Series by Zulu Kuki x Levi’s stworzyli tacy artyści, jak NAWER, OSOM., Swanski, Riamone, Łukasz Ziętek, Jorge Alva, Hypetalk, HOLAK, Bee’ski Art, a także cztery superzdolne artystki: graficzka, ilustratorka i autorka kolaży Beata Śliwińska tworząca pod pseudonimem Barrakuz, tatuatorka Marta Kudu oraz projektantka Sandra Kpodonou w duecie z wokalistką Rosalie. O tym, gdzie szukały inspiracji, jak opisałyby swój styl, a także z czym kojarzy im się marka Levi's, zapytaliśmy je na uroczystym wernisażu, który miał miejsce 29 listopada we wnętrzach jednego z najgorętszych aktualnie miejsc na mapie Warszawy, WARMUT. Poza kurtkami dziewczyn i pozostałych artystów pokazano też prace fotograficzne Maksyma Rudnika. Jeżeli przegapiliście to wydarzenie, nic straconego, bowiem wystawa przeniosła się właśnie do specjalnie zaadaptowanej przestrzeni na warszawskim Dworcu Centralnym. I to nie koniec dobrych wiadomości. Jeśli któraś z kurtek przypadnie Wam do gustu - o ile oczywiście jeszcze jest dostępna - możecie ją nabyć, a środki ze sprzedaży zostaną przeznaczone na organizację Traffic Design, tworzącej projekty związane z ulepszaniem przestrzeni miejskiej. View Ediplayer on the source website
Aplikacja Arts & Culture, która porównuje selfie do znanych dzieł sztuki w końcu dostępna w Polsce!
Sprawdźcie, do jakiego dzieła sztuki jesteście podobni.
Nowa aktualizacja aplikacji Arts & Culture stworzonej przez Google’a wprowadziła funkcję, dzięki której nasza twarz uchwycona na selfie zostaje przypasowana do twarzy znanej z portretów światowych dzieł sztuki. Dzięki temu apka ostatnio podbija świat, a w social mediach pojawia się coraz więcej specyficznych kolaży, które obejmują także procentową trafność dopasowania. O wciąż rosnącej popularności aplikacji świadczy fakt, że została zainstalowana już ponad milion razy – dzięki czemu „wskoczyła” na 12. miejsce najpopularniejszych aplikacji brytyjskiego sklepu Play. Do niedawna aplikacja była dostępna tylko w kilku regionach świata, ale od kilku dni w związku z ogromnym zainteresowaniem dopasowywaniem twarzy do znanych dzieł sztuki przez internautów, Arts & Culture możecie ściągnąć również w Polsce! Aplikacja przypadła do gustu także gwiazdom, m.in. Amandzie Seyfried, Allysa Milano oraz Kate Hudson, które chętnie dzielą się tymi specyficznymi kolażami na swoich instagramowych profilach. 8 aplikacji dla studenta, które warto znać >>> Nie wszyscy są jednak zadowoleni z wyników swojego dopasowania. W internecie roi się od dość dziwacznych porównań. Największą popularnością zdecydowanie cieszy się zdjęcie Donalda Trumpa, które zostało dopasowane do kobiety z obrazu Niña comiendo helado autorstwa Fernanda Botero oraz Biniama Bizuneh, którego twarz (według aplikacji) aż w 74% pokrywa się z Dawidem Michała Anioła, a właściwie jego... genitaliami. Korzystaliście już z aplikacji Arts & Culture? Do którego z dzieł sztuki jest Wam najbliżej?
Noc Muzeów 2018: Gdzie warto się wybrać i co zobaczyć?
Już w ten weekend drzwi większości muzeów w Polsce będą stać dla Was otworem! Gdzie warto zajrzeć w Warszawie, Krakowie czy w Gdańsku? Sprawdźcie!
Zdążyliśmy się już przyzwyczaić, że co roku wiosną rodzime muzea - te większe, i te mniejsze - otwierają swoje drzwi dla odwiedzających w dość nietypowych, bo dość późnych godzinach. I każda kolejna edycja pokazuje, że Polakom ten pomysł bardzo przypadł go gustu, gdyż tłumnie przybywają do zapraszających ich w Noc Muzeów placówek kulturalnych w ich miastach. Największą popularnością cieszą się oczywiście muzea w największych polskich miastach, gdzie można znaleźć eksponaty najważniejszych rodzimych artystów. Kolejka do Muzeum Książąt Czartoryskich w Krakowie potrafi nie mieć końca (wiemy, co piszemy!), głównie za sprawą jednego dzieła - oczywiście Damy z gronostajem Leonarda da Vinci. I niezmiennie będzie ją można podziwiać także z tym roku, dzień wcześniej, niż w pozostałych miastach, bo jeszcze dzisiaj 18 maja. A gdzie jeszcze? warto wybrać się w nocy z 19 na 20 maja? Zobaczcie harmonogramy Nocy Muzeów 2018 w największych rodzimych miastach! Aha, wstęp jest oczywiście wolny lub kosztuje symboliczną złotówkę! ZOBACZ TAKŻE: Juwenalia 2018: sprawdźcie line-up koncertów w Waszym mieście! Noc Muzeów 2018 Warszawa Zespół Muzeów Kolejowo-Wojskowych Fabryka Czekolady E.Wedel Centrum Kreatywności Stara Prochownia SCEK Stołeczne Centrum Edukacji Kulturalnej Kawałyksztuki Warszawskie Koło Przewodników Miejskich PTTK Galeria Figur Stalowych w Pruszkowie Wolskie Centrum Kultury Rodzinna Klubokawiarnia Praska Naczelny Sąd Administracyjny Muzeum Dulag 121 DK „Kolorowa” Warszawska Opera Kameralna Muzeum Historii Spółdzielczości Politechnika Warszawska Wolska Noc Varsavianistyczna Pracownia Jaga Hupało Born To Create Resort Komedii Muzeum Historii Polskiego Ruchu Ludowego Ministerstwo Sprawiedliwości Muzeum Gazownictwa Archiwum Państwowe w Warszawie Rosyjski Ośrodek Nauki i Kultury Muzeum Kolei Wąskotorowej w Sochaczewie Kościół Jezusa Chrystusa Świętych w Dniach Ostatnich Ośrodek Kultury „Arsus” PCK - zwiedzanie Krajowego Biura Informacji i Poszukiwań Urząd Patentowy RP GUS Siedziba Straży Miejskiej m.st. Warszawy Ośrodek Kultury Muzułmańskiej Galeria „-1” w Centrum Olimpijskim Fundacja Aurea Porta Muzeum Pałacu Króla Jana III w Wilanowie Białołęcki Ośrodek Kultury Kościół Ewangelicko-Reformowanym w Warszawie Izba Tożsamości Ursusa Pałac Paca – siedziba Ministerstwa Zdrowia Pracownie Domu Kultury Śródmieście na Foksal Stacja Muranów Sztukarnia - Noc Malarzy - Noc Tworzenia Galeria Blue-S Galeria Grafiki i Plakatu Komenda Główna Policji Muzeum Sportu i Turystyki w Warszawie Stacja Kolejki Wąskotorowej „Piaseczno Miasto” Muzeum Kowalstwa Muzeum Błogosławionego Księdza Jerzego Popiełuszki Sąd Okręgowy w Warszawie Pl. Europejski Filmoteka Narodowa - Instyt Audiowizualny Galeria Foksal 17 Muzeum Sue Ryder Centrum Kultury Koreańskiej Galeria XX1 Muzeum Rzemiosł Artystycznych i Precyzyjnych Klub Komediowy Muzeum Bursztynu Muzeum Błogosławionego Księdza Jerzego Popiełuszki Muzeum Czar PRL "Szemrany PRL" Pałac Kultury i Nauki Dział Starej Książki Medycznej Głównej Biblioteki Lekarskiej Muzeum Literatury im. Adama Mickiewicza Akademia Sztuk Pięknych w Warszawie Instytut Słowacki Pałac Staszica Muzeum Karykatury im. Eryka Lipińskiego Muzeum Marii Skłodowskiej-Curie PTChem Zamek Królewski Muzeum POLIN Muzeum Ziemi w Warszawie Galeria Bohema Nowa Sztuka Ministerstwo Edukacji Narodowej UMFC (retro) Dom Artysty Plastyka Archiwum Polskiego Radia Dowództwo Garnizonu Warszawa Muzeum Więzienia Pawiak oraz Mauzoleum Walki i Męczeństwa Galeria Nowolipki Galeria aTAK Centrum Promocji Kultury Praga-Południe Galeria Test Villa la Fleur Noc Muzeów w Galerii Nowolipki SGH Galeria Nieformalna Gabinet Prezydenta m. st. Warszawy Daniłowiczowska 18B Zachęta - Narodowa Galerii Sztuki Galeria 101 Projekt AGAD Lubelska 30/32 Szuflada - „Ocalić Baśnie od zapomnienia” NEY Gallery & Prints Społeczne Centrum bez Barier Poństwowe Muzeum Etnograficznym w Warszawie Atelier Klitka Muzeum Uniwersytetu Warszawskiego Miejsce Projektów Zachęty Muzeów z Żydowskim Instytutem Historycznym Muzeum Azji i Pacyfiku Galeria Milano - wernisaż wystawy Grażyny Bieganik Senat Muzeum Domków dla Lalek Magazyn Sztuk Zajezdnia Hala Gwardii Muzeum Archidiecezji Warszawskiej Bułgarski Instytut Kultury Muzeum Geologiczne PIG-PIB Spectra Art Space - wystawa Stanisława Fijałkowskiego Mazowiecki Urzęd Wojewódzki w Warszawie Technikum nr 7 d. „Kolejówka” Instytut 116 U Platerek Galeria Propaganda Nocny Beksiński Nieznany - w Łomiankach Muzeum Bolesława Biegasa AGAD – „Ludzie Niepodległości” Muzeum Literatury im. Adama Mickiewicza Bazylika przy Kawęczyńskiej Artissima Muzeum Jazzu w Pałacu Pod Blachą Galeria Fortunabox Galeria Sznurki Radio Kampus Koszyki Kawiarnia Kafka Galeria Katarzyny Napiórkowskiej na Rynku Starego Miasta Jaś&Małgosia Muzeum Ikon Muzeum Katyńskie Międzypokoleniowa Klubokawiarnia Domu Kultury Śródmieście Piwnica Kurylewiczów Kino Kultura Centrum Nauki Kopernik Ogród Botaniczny UW Ogród Ceramiki Prom Kultury Pracownia w Perunie Cytadela Muzeum Teatralne Teatr Polski MSWiA Informator warszawskiej Nocy Muzeów znajdziecie TUTAJ. Noc Muzeów 2018 Kraków Centrum Edukacyjne Instytutu Pamięci Narodowej Oddział w Krakowie Galeria Sztuki Współczesnej Bunkier Sztuki HistoryLand Muzeum Akademii Sztuk Pięknych Muzeum Archeologiczne Muzeum Archidiecezjalne Kardynała Karola Wojtyły Muzeum Armii Krajowej im. gen. Emila Fieldorfa „Nila” Muzeum Czynu Zbrojnego Muzeum Etnograficzne im. Seweryna Udzieli Muzeum Farmacji Collegium Medicum Muzeum Fonografii (Małopolskie Centrum Dźwięku i Słowa, obok Zamku Królewskiego w Niepołomicach) Muzeum Geologiczne Instytutu Nauk Geologicznych PAN Muzeum Geologiczne Wydział Geologii, Geofizyki i Ochrony Środowiska AGH Muzeum Historii Fotografii im. Walerego Rzewuskiego Muzeum Historyczne Miasta Krakowa, w tym: – Apteka pod Orłem – Dom Zwierzyniecki – Dzieje Nowej Huty – Fabryka Emalia Oskara Schindlera – Kamienica Hipolitów – Muzeum Podgórza – Pałac Krzysztofory – Podziemia Rynku – Stara Synagoga – Thesaurus Cracoviensis – Trasa Obronności: Celestat – Barbakan – Mury Obronne – Ulica Pomorska – Wieża Ratuszowa Muzeum Interaktywne Centrum Edukacji Teatralnej MICET Narodowy Stary Teatr w Krakowie Muzeum Inżynierii Miejskiej Muzeum Lotnictwa Polskiego Muzeum Narodowe w Krakowie, w tym: – Biblioteka Książąt Czartoryskich – Dom Jana Matejki – Dom Józefa Mehoffera – Galeria Sztuki Polskiej XIX wieku w Sukiennicach – Gmach Główny – Kamienica Szołayskich im. Feliksa Jasieńskiego – Muzeum im. Emeryka Hutten-Czapskiego – Muzeum Karola Szymanowskiego w willi „Atma” w Zakopanem – Ośrodek Kultury Europejskiej „Europeum” – Pałac Biskupa Erazma Ciołka – Pawilon Józefa Czapskiego Muzeum Niepołomickie - Zamek Królewski w Niepołomicach Muzeum PRL-u Muzeum Spraw Wojskowych w Forcie 51 ½ Swoszowice Muzeum Sztuki i Techniki Japońskiej Manggha Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie MOCAK Muzeum Uniwersytetu Jagiellońskiego Collegium Maius Muzeum Witrażu Muzeum Żup Krakowskich w Wieliczce – Zamek Żupny Ogród Botaniczny Uniwersytetu Jagiellońskiego Ogród Doświadczeń im. Stanisława Lema Ośrodek Dokumentacji Sztuki Tadeusza Kantora Cricoteka Informator krakowskiej Nocy Muzeów znajdziecie TUTAJ Noc Muzeów 2018 Trójmiasto Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku Biblioteka Gdynia Biblioteka Pod Żółwiem w Gdańsku Centrum Hewelianum w Gdańsku Centrum Sztuki Współczesnej „Łaźnia” w Gdańsku Europejskie Centrum Solidarności w Gdańsku Gdańska Galeria Fotografii Gdańska Galeria Miejska Gdański Archipelag Kultury Gdański Teatr Szekspirowski Instytut Cybernetyki Sztuki w Gdańsku Instytut Kultury Miejskiej w Gdańsku Izba Pamięci Franciszka Stefczyka w Gdyni Muzeum II Wojny Światowej w Gdańsku Muzeum Archeologiczne w Gdańsku Muzeum Emigracji w Gdyni Muzeum Gdańska Muzeum Marynarki Wojennej w Gdyni Muzeum Miasta Gdyni Muzeum Motoryzacji w Gdyni Muzeum Narodowe w Gdańsku Muzeum Nauki Gdańskiej Muzeum Służb Mundurowych w Gdańsku Nadbałtyckie Centrum Kultury Gdańsk Narodowe Muzeum Morskie w Gdańsku Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie Politechnika Gdańska Polska Akademia Nauk Biblioteka Gdańska Polska Filharmonia Bałtycka im. Fryderyka Chopina w Gdańsku Polsko-Japońska Akademia Technik Komputerowych wydział w Gdańsku Samorząd Województwa Pomorskiego Informator trójmiejskiej Nocy Muzeów znajdziecie TUTAJ. Noc Muzeów 2018 Wrocław Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu Centrum Historii Zajezdnia Centrum Kultury Agora Centrum Kultury i Edukacji Żydowskiej w Synagodze Pod Białym Bocianem/Fundacja Bente Kahan CRZ KRZYWY KOMIN Dom Edyty Stein Dworzec Nadodrze Sp. z o.o. Fort Piechoty nr 6 Wrocławskie Stowarzyszenie Fortyfikacyjne Fort Wrocław Nr 9 - Muzeum Militarne GALERIA ARCHIGLASS "SZOPA JAZOWA" Galeria ArtBrut i Pracownia Aktywizacji Społecznej i Kulturalnej Galeria Arttrakt Galeria Awangarda BWA Wrocław Galeria BB Galeria Dizajn BWA Wrocław GALERIA ENTROPIA Galeria FOTO-GEN Galeria Sztuki Współczesnej Kowalscy GALERIA M GALERIA M ODWACH Galeria Miejska we Wrocławiu Galeria PIECOWNIA Galeria SIC! BWA Wrocław Galeria Studio BWA Wrocław Galeria Sztuki i Miejsce Spotkań"Ślimak" Galeria Sztuki Platon Galeria Sztuki Socato Galeria Sztuki Tętno GALERIA TKACKA NA JATKACH Galeria Versus HART Hydropolis IP Studio Kino Nowe Horyzonty KONTURY KULTURY - Strefa Edukacji Twórczej Kościół Adwentystów Dnia Siódmego Kościół św. Józefa Rzemieślnika - Zgromadzenie Misji św. Wincentego a Paulo Łokietka 5 - Infopunkt Nadodrze mia art gallery Meblodzieło Młodzieżowy Dom Kultury Śródmieście Młodzieżowy Dom Kultury Wrocław-Krzyki Movie Gate Muzeum Pana Tadeusza Zakładu Narodowego im. Ossolińskich Muzeum Architektury we Wrocławiu Muzeum Etnograficzne. Oddział Muzeum Narodowego we Wrocławiu Muzeum Farmacji Wydziału Farmaceutycznego UM we Wrocławiu Muzeum Geologiczne im. Henryka Teisseyre, Uniwersytet Wrocławski Muzeum Miejskie Wrocławia. Oddział Muzeum Archeologiczne i Muzeum Militariów Muzeum Miejskie Wrocławia. Oddział Muzeum Sztuki Mieszczańskiej Muzeum Miejskie Wrocławia. Oddział Teatru im. Henryka Tomaszewskiego Muzeum Miejskiego Wrocławia. Oddział Muzeum Historyczne Muzeum Mineralogiczne Uniwersytetu Wrocławskiego im. Kazimierza Maślanki Muzeum Narodowe we Wrocławiu Muzeum Odry- Fundacja Otwartego Muzeum Techniki Muzeum Poczty i Telekomunikacji we Wrocławiu Muzeum Uniwersytetu Wrocławskiego Muzeum Wojsk Inżynieryjnych i Chemicznych we Wrocławiu Muzeum Współczesne Wrocław Muzeum Przyrodnicze Uniwersytetu Wrocławskiego Nado pracownia i galeria ceramiki Narodowe Forum Muzyki Oddział Instytutu Pamięci Narodowej - Komisja Ścigania Zbrodni przerciwko Narodowi Polskiemu we Wrocławiu Okręg Dolnośląski Związku Polskich Artystów Fotografików - Galeria Za Szafą Opera Wrocławska Pawilon Czterech Kopuł Muzeum Sztuki Współczesnej PUNKT WIDOKOWY SKY TOWER Radio LUZ RADIO WROCŁAW Recepcja (Strefa Kultury Wrocław) Reprezentacyjny Dolnośląski Zespół Pieśni i Tańca "Wrocław" Rewir Twórczy Swojczycka 118 Stowarzyszenie Kolekcjonerów we Wrocławiu Centrum Sztuki WRO Vivid Gallery Wrocławska Galeria Polskiego Plakatu Wyspa Tamka Art Hub Wyższa Szkoła Humanistyczna we Wrocławiu Zakład Narodowy im. Ossolińskich Zamek na wodzie w Wojnowicach - Kolegium Europy Wschodniej ZESPÓŁ SZKÓŁ ANIMATORÓW KULTURY WE WROCŁAWIU Zespół Szkół Plastycznych Informator wrocławskiej Nocy Muzeów znajdziecie TUTAJ. Noc Muzeów 2018 Poznań Adam Szulc Barber Shop Biblioteka Poznańskiego Towarzystwa Przyjaciół Nauk Biblioteka Raczyńskich Biblioteka Uniwersytecka w Poznaniu Brama Poznania Centrum Kultury Zamek Dom Polonii Dom Sarmacki Dom Tramwajarza Galeria Antykwariat Galeria Miejska Arsenał Galeria Oko/Ucho Galeria Yes Instytut Pamięci Narodowej – Oddział w Poznaniu Instytut Zachodni/Galeria Jerzego Piotrowicza Kino Muza Kościół Adwentystów Dnia Siódmego Magiel i Galeria Sztuki Współczesnej Mieszkanie – Pracownia Kazimiery Iłłakowiczówny Młyńska 12 Muzeum Archeologiczne w Poznaniu Muzeum Archidiecezjalne w Poznaniu Muzeum Farmacji Muzeum Feliksa Nowowiejskiego – Salon Muzyczny Muzeum Instrumentów i Przyrządów Geodezyjnych Muzeum Komunikacji Miejskiej MPK Poznań Muzeum Literackie Henryka Sienkiewicza Muzeum Narodowe w Poznaniu, w tym: – Muzeum Adama Mickiewicza w Śmiełowie – Muzeum Etnograficzne – Muzeum Historii Miasta Poznania – Muzeum Sztuk Użytkowych – Wielkopolskie Muzeum Wojskowe – Zamek w Głuchowie Muzeum Powstania Poznańskiego – Czerwiec 1956 Muzeum Powstania Wielkopolskiego 1918-1919 Muzeum Unitra Muzeum Uniwersytetu im. Adama Mickiewicza w Poznaniu Muzeum Ziemi Muzułmańskie Centrum Kulturalno-Oświatowe OSW dla dzieci niesłyszących im. J. Sikorskiego PBG Gallery Skalar Office Center Pracownia Domin Pracownia Muzeum Józefa Ignacego Kraszewskiego Pracownia Ra Rezerwat Archeologiczny „Genius Loci” Rogalowe Muzeum Skansen Miniatur w Pobiedziskach Teatr Polski w Poznaniu Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu Informator poznańskiej Nocy Muzeów znajdziecie TUTAJ.
Widzieliście dzisiejsze Google Doodle? Powstało na cześć polskiej malarki!
Google Doodle znowu ma polski akcent! Tym razem poświęcono go jednej z rodzimych artystek.
Google Doodle z polskim akcentem to żadna nowość. Wchodząc na stronę startową najpopularniejszej wyszukiwarki wielokrotnie mogliśmy natknąć się choćby na polskie barwy narodowe czy i nie raz na wizerunek rodzimego artysty. Tak, jak dzisiaj, kiedy mija dokładnie 120 lat od urodzin Tamary Łempickiej, rodzimej malarki epoki art déco, Jej najsłynniejsze dzieło, które na pewno kiedyś widzieliście, to Autoportret w zielonym Bugatti z 1929 roku, najczęściej reprodukowane i dzięki któremu artystka stała się symbolem emancypacji kobiet. Kim jest Tamara Łempicka - bohaterka Google Doodle 16 maja 2018? Tamara Łempicka przyszła na świat 6 maja 1898 roku w Warszawie, a zmarła 18 marca 1980 w Cuernavaca w Meksyku. Jej dzieła po raz pierwszy pokazane zostały w 1922 roku w Salon d'Automne i bardzo szybko zyskały uznanie krytyków. W Polsce jej dzieła można było oglądać niestety dość rzadko, m.in. w warszawskiej Zachęcie w 1928 roku, a także na Międzynarodowych Targach Poznańskich w 1929 roku. Z kolei w 2008 roku Muzeum Narodowe w Warszawie w ramach wystawy Wyprawa w dwudziestolecie, wyeksponowało jeden obraz Łempickiej - Kobieta na krześle z 1927. Obecnie można je zobaczyć w ramach kolekcji muzeum Villa la Fleur. ZOBACZ TAKŻE: W tym muzeum odwiedzający zachwycali się jednym z eksponatów. Dopóki nie znalazł się jego właściciel!
W tym muzeum odwiedzający zachwycali się jednym z eksponatów. Dopóki nie znalazł się jego właściciel!
Oto dowód na to, że wszystko może być sztuką. Naprawdę WSZYSTKO.
Mieliście kiedyś taką sytuację, że odwiedzając muzeum bądź galerię, czuliście się nieco zakłopotani, że to, na co patrzycie, faktycznie zostało uznane za dzieło sztuki? To, co jest dzisiaj sztuką zasługiwałoby zdecydowanie na dłuższą i bardziej ekspercką analizę. A za jeden z przykładów mogłaby posłużyć sytuacja, którą chcemy Wam przybliżyć. Otóż jakiś czas temu w Museum of Modern Art w San Francisco dwójka żartownisiów postanowiła, że wzbogaci jedną z sal o kolejny eksponat. I położyła na podłodze okulary. Co ciekawe, było to jeden z tych najzwyklejszych i najnudniejszych modeli, jaki można spotkać wśród okularników. ZOBACZ TAKŻE: 87-latka tworzy prawdziwe dzieła sztuki w programie Paint! Pomysłodawcy, figurujący na Twitterze jako @TJCruda i @k_vinnn, usiedli z boku i zaczęli obserwować, jak odwiedzający muzeum będą reagować na to "dzieło sztuki", dokumentując wszystko na swoich twitterowych kontach. A goście Museum of Modern Art w San Francisco zaczęli licznie zatrzymywać się przy okularach, i oczywiście - robić im zdjęcia. Zaskoczeni? Chyba tak jak my - nie bardzo. I niech ktoś powie, że ludzie nie potrafią docenić sztuki! (Nawet, jeśli nie do końca są przekonani, czy to, co doceniają, jest w ogóle sztuką). ZOBACZ TAKŻE: KOBIETY według BARRAKUZ - wystawa prac Beaty Śliwińskiej
Oto dowód na to, że świat wciąż kocha Michelle Obamę!
Michelle Obama cieszy się naprawdę ogromną sympatią wśród Amerykanów!
Pod koniec lutego miało miejsce odsłonięcie wyjątkowych portretów Michelle i Baracka Obamy w National Portrait Gallery w Waszyngtonie. Chociaż od momentu zawiśnięcia obrazów na ścianie minął zaledwie miesiąc, to muzeum przyznało, że odnotowało znaczny wzrost liczby odwiedzających. A to potwierdza tylko, jak dużą sympatią wśród Amerykanów cieszy się był para prezydencka. Nie od dziś również wiadomo, że Michelle Obama był i wciąż jest ogromną inspiracją, motywacją oraz wzorem do naśladowania dla kobiet z całego świata. Nie dziwi nas więc fakt, że tak ogromna liczba mieszkańców Waszyngtonu, a także turystów, pragnie obejrzeć portret byłej pierwszej damy. Okazało się, że pokój, w którym wisiało dotąd dzieło z wizerunkiem Michelle, jest po prostu za mały i zwiedzający nie są w stanie podziwiać obrazu w komfortowych warunkach. Właśnie dlatego, został on przeniesiony w nowe, większe miejsce, a konkretniej na trzecie piętro, gdzie znajduje się Galeria dzieł XX wieku. ZOBACZ TAKŻE: Barack i Michelle Obama będą mieć własny program na Netflixie! Obraz jest autorstwa Amy Sherald i doprowadził do zachwytu nie tylko odwiedzających National Portrait Gallery, ale i samą parę prezydencką. Michelle Obama z trudem powstrzymywała łzy w momencie odsłonięcia tego unikatowego portretu, natomiast Baracka Obamę skłonił do ponownego wyznania miłości swojej żonie oraz do szczerych podziękowań artystce. Amy, chcę ci podziękować za tak spektakularne uchwycenie wdzięku, piękna i inteligencji oraz uroku i gorliwości kobiety, którą kocham Musimy przyznać, że również szczerze zachwycamy się obrazem Amy Sherald oraz (przede wszystkim) Michelle Obamą – jej osobowością, klasą i wdziękiem, którymi zaraża innych. View oEmbed on the source website
KOBIETY według BARRAKUZ - wystawa prac Beaty Śliwińskiej
Młoda, zdolna graficzka i ilustratorka Beata Śliwińska, tworząca pod pseudonimem Barrakuz, zaprasza na wystawę poświęconą kobietom, którą już od dziś będzie można zobaczyć na zakopiańskich Krupówkach. Glamour.pl patronuje!
Współpracuje z takimi markami, jak Adidas, Levi's, Local Heroes, Orska, Skoda Polska oraz z festiwalem Audioriver. Ma na koncie okładki płyt spod szyldu U Know Me Records, Sony Music, Warner, ART2, a także wspólne projekty z zespołem Kamp! oraz Taco Hemingwayem. Jej prace pojawiały się na łamach wielu magazynów, wyróżnił ją także włoski Vogue. Dlatego nie wierzymy, że nie mieliście okazji zapoznać się do tej pory z twórczością Beaty Śliwińskiej, czyli Barrakuz. ZOBACZ TAKŻE: Uber jest kobietą, czyli 10 niezwykłych bohaterek, które rządzą za kierownicą! Beata swoje dzieła prezentowała do tej pory m.in. podczas targów LA Artistic Book Fair w Los Angeles, a od dzisiaj będziecie je mogli obejrzeć w ramach wystawy KOBIETY w kawiarnio-galerii STRH w Zakopanem. Tworzyć ją będzie 10 dużych projektów, z czego 3 zupełnie nowe. Skąd taka lokalizacja? Oprócz kolażu, który jest ulubioną techniką Beaty, artystka doskonale czuje się w górach. Uwielbia spędzać tam czas, zarówno podczas pieszych wycieczek, jak i szusując na nartach. A dlaczego kobiety? Jak mówi sama artystka, jest to wystawa „poświęcona kobietom, dla kobiet i robiona przez kobiety". A kiedy przyjrzymy się bliżej pracom Beaty, nietrudno dostrzec, że wizerunek kobiety jest na nich dość mocno obecny. ZOBACZ TAKŻE: Sprawdź, ile zarabiałabyś jako mężczyzna Zorganizowanie wystawy takiej twórczości, jaką proponuje Barrakuz, w miejscu z tak mocno zakorzenionymi tradycjami kulturowymi, jak Podhale, może być bardzo ciekawym wydarzeniem. Jeżeli więc przez najbliższy miesiąc planujecie odwiedzić stolicę Tatr, koniecznie zajrzyjcie do STRH Bistro Art Cafe (ul. Krupówki 4A). Glamour.pl patronuje i poleca! A poniżej możecie zobaczyć nasze ulubione prace Barrakuz z kobietami w roli głównej!
Wystawa #LIFE malarstwo Justyna Sołowiej - warto zobaczyć!
Od 22 września do 14 listopada w warszawskiej Karmie na Placu Zbawiciela obejrzycie wyjątkowe prace wyjątkowej dziewczyny!
Długie jesienne wieczory są idealne na to, by poobcować ze sztuką. Zwłaszcza, jeśli tworzą ją młodzi i zdolni artyści. Tacy, jak Justyna Sołowiej, jedna z uczestniczek, programu mentoringowego Glamour i jak się okazuje – również zdolna malarka, absolwentka Liceum Plastycznego w Olsztynie i Instytutu Sztuk Pięknych na UWM. W Coffee Karma na ul. Moktowskiej 17 w Warszawie od 22 września do 14 listopada możecie obejrzeć wystawę #LIFE malarstwo Justyny Sołowiej. # LIFE Życie w przestrzeni miejsko-wirtualnej. Sceny rodzajowe. Relacjonowanie naszego współczesnego świata. Aktualnie żyjemy na pograniczu dwóch światów – wirtualnym i realnym. Granice się zacierają. Następuje ciągłe budowanie swojego profilu życiowego, swojego #LIFE! Jestem obserwatorką, lubię obserwować ludzi, ulica pokazuje najnowsze trendy w stylu życia. Moda na modne życie, stylowe gadżety, trendy, aktualizacje, moda, styl, nowinki technologiczne, kultowe miejsca i teksty. Nieodłącznym gadżetem naszych czasów, wręcz przyjacielem stał się nasz telefon komórkowy – to rentgen naszych czasów, swoista bibliografia życia każdego z Nas ! Świat się skurczył, prawie wszyscy korzystamy z Internetu, mediów społecznościowych, komórek. Pijemy kawę ze Starbucksa, robimy selfie, nosimy „raybany” i „conversy”. Jedyne, co nas odróżnia, to chyba tylko tło – architektura i otoczenie, w którym żyjemy. Aktualny świat jest brutalny i często jego możliwości niedostępne dla wszystkich żyjemy za szkłem, możemy na wszystko patrzeć ale nie dotykać. Uciekamy w kolorowy, odrealniony ale pozytywny świat wirtualny. Pogodzić można te dwa światy w takiej rzeczywistości przyszło nam już żyć! Równowaga i szczerość z samym sobą aby wiedzieć Kim naprawdę jesteśmy. W mojej twórczości, obrazach ukazuje zlepek konformizmu współczesności i indywidualność jednostki. To jest kronika mojego pokolenia, jego symboli, trendów oraz symbiozy człowieka z miastem, która pozwala nam się albo wtopić w jego tło albo – choć znacznie rzadziej – spektakularnie wyróżnić. Pokazujcie swoje #life, inspiruje, motywujcie się, cieszcie się życiem i chwilą, ale najważniejsze aby nie zagubić Siebie! Życie różne odcienie ma! Polajkujcie moją wizje artystyczną. Tak na wystawę zaprasza sama autorka. My się dołączamy i polecamy!
Tych logo w takiej wersji jeszcze nie widzieliście!
Artysta Reilly pokazuje je w zupełnie nowej odsłonie.
Której marce nie zależy na rozpoznawalnym logo? W takim zalewie informacji, powstających wciąż nowych brandów i nieustającej konkurencji to podstawowy znak rozpoznawczy. Dziś niemalże każdy kojarzy identyfikację wizualną McDonald's, Barbie czy Pepsi (szczególnie po ostatniej reklamie z Kendall Jenner...). A gdyby tak je wszystkie ze sobą pomieszać? I charakterystyczną czcionką w odpowiednich kolorach napisać zupełnie inne nazwy? Tego podjął się artysta Reilly, który tym samym sprawdził, jak bardzo w naszych głowach zakorzenione są skojarzenia z pewnymi markami. I tak Dolce & Gabbana zamienili się w Ben & Jerry's, a YSL wygląda jak DHL... Zresztą, zobaczcie sami! Przykłady znajdziecie w galerii.